El arte está constantemente a nuestro alrededor, pero no todos se convierten en obras de arte famosas. Pero, ¿qué diferencia a las pinturas de arte famosas del resto? Las pinturas más famosas del mundo son reconocidas por alguna cualidad especial que las palabras no pueden expresar completamente: estas viejas pinturas famosas deben verse para ser apreciadas. Hoy descubriremos las pinturas más populares de la historia del arte.
Las pinturas más famosas del mundo
¿Cuáles son tus pinturas de arte famosas favoritas? ¿Están en nuestra lista de las pinturas más famosas del mundo? Tal vez descubra algunas obras de arte famosas de las que no ha oído hablar antes. Vamos a sumergirnos en nuestra lista de las pinturas más populares del mundo.
Primavera (1482) de Sandro Botticelli
| Artista | Sandro Botticelli |
| Fecha de creación | 1482 |
| Medio | Témpera en el panel |
| Ubicación actual | Galería de los Uffizi |
La imagen muestra a una multitud reunida en un naranjo. Una de las primeras cosas a tener en cuenta es lo poco que se está utilizando el punto de vista; mientras que los arbustos a la izquierda y a la derecha proporcionan cierta perspectiva ambiental, realmente no vemos el punto de vista lineal de un solo punto que ciertos Renacimiento temprano artistas utilizados con tanto éxito en el siglo 15.
Además, observe cómo las extremidades de la mayoría de las figuras son largas y delgadas, dándoles una apariencia exquisita.
La Primavera (c. 1480) por Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Botticelli produjo obras durante un tiempo en que había una demanda de ellas en la corte de Florencia. Si bien la verdadera importancia de la pintura no está clara, conocemos las identidades de muchas de las personas que se muestran en ella. La diosa romana, Venus, se representa en primer plano. Su apariencia refleja la fascinación humanista popular en el mundo clásico en Florencia en ese momento. Ella es representada como una belleza idílica, significativamente descentrada, con la cabeza ladeada y gesticulando hacia la derecha. Sobre ella hay un cupido con los ojos vendados (su hijo), y detrás de él, las ramas de los árboles crean un arco que rodea a Venus y le da un lugar prominente en la imagen.
Mona Lisa (c. 1503) por Leonardo da Vinci
| Artista | Leonardo da Vinci |
| Fecha de creación | 1503 |
| Medio | Óleo sobre tabla |
| Ubicación actual | Louvre, París |
Éste retrato de una mujer, vestido a la manera florentina y sentado en una escena onírica y montañosa, es un ejemplo sobresaliente del estilo sfumato de Leonardo de modelado suave y altamente sombreado. El aspecto enigmático de la Mona Lisa, que parece tentador y distante, se ha ganado la aclamación mundial de la imagen.
El retrato fue uno de los primeros en representar a la niñera frente a un paisaje ficticio, y Leonardo da Vinci fue uno de los primeros artistas en usar la perspectiva aérea.
Retrato de la Mona Lisa del Giocondo (c. 1503) de Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La misteriosa mujer está sentada en lo que parece ser una logia descubierta con bases de pilares negros a cada lado. Un enorme paisaje retrocede detrás de ella para revelar montañas nevadas. Caminos sinuosos y un puente lejano son los únicos signos de la existencia humana. El estilo de Da Vinci se distingue por bordes brumosos, figuras fluidas, contrastes sorprendentes de oscuridad y luz, y una sensación general de tranquilidad. Es discutible si Mona Lisa debería llamarse un retrato convencional debido a la armonía emotiva que da Vinci produjo entre la figura y el entorno, ya que retrata una aspiración en lugar de una mujer real.
La armonía general de la obra de arte, particularmente la pequeña sonrisa de la niñera, transmite el concepto de una conexión que une a las personas y la naturaleza.
Los embajadores (1533) de Hans Holbein el Joven
| Artista | Hans Holbein el Joven |
| Fecha de creación | 1533 |
| Medio | Pintura al óleo |
| Ubicación actual | La Galería Nacional |
Hans Holbein, el mejor retratista de su época, pasó una cantidad significativa de tiempo en las cortes de Enrique VIII. The Ambassadors representa al embajador francés en Inglaterra, Jean de Dinteville, y a su colega, George de Selve, que tenían más de 20 años.
La obra de arte está sembrada de elementos alegóricos, como un laúd con stri rotongs, que podría representar la ruptura de Enrique VIII con Roma para divorciarse de Catalina de Aragón y perseguir a su amante, Ana Bolena.
Los embajadores (1533) de Hans Holbein el Joven; Hans Holbein el Joven, dominio público, vía Wikimedia Commons
El elemento nebuloso en blanco y negro que atraviesa la base de la pintura es, en realidad, un cráneo humano, que simboliza la mortalidad. Hace un excelente uso de la anamorfosis, ya que solo se puede observar desde un ángulo agudo, lo que obliga a los espectadores a examinar la imagen desde una variedad de puntos de vista.
Judith matando a Holofernes (1610) por Artemisia Gentileschi
| Artista | Artemisia Gentileschi |
| Fecha de creación | 1610 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Museo e Real Bosco di Capodimonte |
Mientras Judith, una joven devota de la ciudad israelita de Betulia, decapita a Holofernes, el líder de la fuerza asiria que había rodeado su ciudad, riachuelos de sangre gotean por las sábanas blancas. Judith, conmovida por la situación de su pueblo y llena de fe en Dios, tomó las cosas en sus propias manos.
Judith matando a Holofernes (1610) de Artemisia Gentileschi; Artemisia Gentileschi, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Se peinó, se vistió elegantemente y se acercó al bando contrario, alegando que llevaba inteligencia que aseguraría el triunfo de Holofernes. Le pidió que cenara después de ser sorprendido por su atractivo y con la intención de seducirla después.
Judith reconoció una oportunidad y la aprovechó, salvando a su pueblo de la aniquilación con un voto en la lengua y una cuchilla en la mano.
Cristo en la tormenta en el mar de Galilea (1633) por Rembrandt van Rijn
| Artista | Rembrandt |
| Fecha de creación | 1633 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Robado |
La obra de arte narrativa más espectacular de Rembrandt en Estados Unidos es también su único paisaje marino. Fue creado en 1633, poco después de que Rembrandt llegara a Ámsterdam desde su casa Leiden, y en un momento en que estaba demostrando ser el pintor de retratos y temas históricos preeminentes de la ciudad.
La representación completa de la escena, las diferentes actitudes de los personajes, la pincelada razonablemente refinada y los colores vivos son características distintivas del estilo temprano de Rembrandt.
Cristo en la tormenta en el mar de Galilea (1633) de Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los críticos del siglo 18 como Arnold Houbraken frecuentemente favorecieron el estilo temprano de Rembrandt a su estilo posterior, más amplio y menos descriptivo. La naturaleza se enfrenta a la debilidad humana en el escenario bíblico, tanto física como espiritualmente. Los aterrorizados discípulos luchan por recuperar el control de su barco de pesca mientras una ola masiva se estrella sobre su proa, destrozando la vela y empujando el barco peligrosamente cerca de los acantilados en el primer plano izquierdo.
La guardia de la noche (1642) de Rembrandt van Rijn
| Artista | Rembrandt |
| Fecha de creación | 1642 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Rijksmuseum |
The Night Watch de Rembrandt es un ejemplo de una forma particularmente distinta de obra de arte que era única en el norte de los Países Bajos, con la mayor parte de los encargos provenientes de Ámsterdam. Representa a un batallón de guardias cívicos en una fotografía de grupo. La función principal de estos guardias era proteger su ciudad.
Como tal, se les confió la protección de las puertas, el patrullaje de las calles, la lucha contra los incendios y, en general, mantener la ciudad en orden.
La Guardia Nocturna (1642) de Rembrandt van Rijn; Rembrandt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
También fueron una característica prominente en las ceremonias de llegada de la realeza y otros eventos festivos. En términos de singularidad, la obra maestra de Rembrandt se destaca enormemente en comparación con las imágenes anteriores de la guardia municipal.
Rembrandt anima su imagen en lugar de reproducir la disposición tradicional de filas aburridas de individuos. Los cuidadores llevan a cabo ciertas tareas que identifican su posición como milicianos.
Chica con un pendiente de perlas (c. 1665) de Johannes Vermeer
| Artista | Johannes Vermeer |
| Fecha de creación | 1665 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Mauroitshuis, La Haya |
La obra de arte ha atraído a tantas personas a lo largo de la historia, atrayendo a un número récord al museo de arte de La Haya, donde se conserva actualmente. Se convirtió en legendario debido a la peculiar pose de la niña, su aspecto misterioso, los colores y la exquisita calidad de la luz.
Aunque parece ser un retrato, la pieza es realmente una «tronie», una pintura de un individuo imaginado que representa un tipo específico de personaje.
Chica con un pendiente de perlas (c. 1665) por Johannes Vermeer; Johannes Vermeer, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Presenta a una joven y encantadora mujer con un vestido exótico, un tocado oriental y una perla inusualmente enorme en la oreja. Incluso si una mujer se sentó y posó para esta obra de arte, carece de rasgos distintivos: no hay verrugas, cicatrices o manchas que observar. La joven, sobre un fondo oscuro, lleva un turbante amarillo y azul brillante y una perla brillante. Su tez deslumbrante refleja el dominio de la luz y el tono de Vermeer, y pequeños destellos de blanco en sus labios rojos abiertos los hacen parecer húmedos.
Si bien no sabemos quién es la niña, parece ser familiar, debido a la cercanía de su mirada.
Muerte de Marat (1793) de Jacques-Louis David
| Artista | Jacques-Louis David |
| Fecha de creación | 1793 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Museo Oldmasters |
En 1793, la violencia de la Guerra Revolucionaria se había intensificado hasta el punto en que las decapitaciones en la Plaza de la Concordia de París se habían convertido en un hecho regular, lo que llevó a un tal Dr. Joseph Guillotine a idear un dispositivo que aumentaría la eficiencia del hacha y, por lo tanto, haría que los asesinatos fueran más humanos. David estaba allí en medio de ella.
Se había unido a los jacobinos a principios de la Revolución, una organización política que eventualmente se convertiría en la más celosa de las diferentes facciones rebeldes.
Muerte de Marat (1793) de Jacques-Louis David; Jacques-Louis David, Dominio público, vía Wikimedia Commons
David hizo un homenaje a su buen amigo, el editor asesinado Jean Marat, en 1793, durante el apogeo de la Campaña del Terror. David sustituye la iconografía del arte religioso por temas más contemporáneos, como lo hizo en su Muerte de Sócrates. Un retrato idealizado del colega asesinado de David, Marat, se ve con la carta de presentación de su asesino en Muerte de Marat, 1793.
Ofelia (1852) por Sir John Everett Millais
| Artista | Sir John Everett Millais |
| Fecha de creación | 1852 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Tate Gran Bretaña |
Ofelia es considerada como uno de los principales clásicos del período prerrafaelita. Millais creó una imagen sorprendente e inolvidable al combinar sus intereses en temas de Shakespeare con una gran atención a los detalles naturales. Su elección de la escena en Hamlet donde Ofelia, enloquecida por la muerte de Hamlet de su padre, se sumerge era rara para la época.
Millais, por otro lado, pudo demostrar tanto su capacidad técnica como su visión estética.
Ofelia (1851-1852) de John Everett Millais; John Everett Millais, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La forma de Ofelia se desliza en el líquido, su sección media se hunde gradualmente. El espectador puede percibir claramente el peso de la tela a medida que se desliza, pero también ayuda a arrastrarla hacia abajo porque está vestida con un vestido viejo que el artista adquirió solo para la imagen. Sus manos están en una postura de rendición, como si aceptara su destino. Está rodeada por una variedad de flores silvestres de verano y otras plantas, algunas de las cuales se especifican expresamente en el texto de Shakespeare y otras que se agregan con fines simbólicos.
La banda de violetas alrededor del cuello de Ofelia, por ejemplo, es un signo de fidelidad, pero también puede representar la virginidad y la muerte.
La madre de Whistler (1871) de James McNeill Whistler
Considerada como una de las pinturas de arte más famosas, se dijo que el modelo de Whistler no pudo comprometerse con la tarea, y fue en este período que James eligió ejecutar una imagen de su madre. Antes de la producción de esta obra de arte icónica, hubo una gran cantidad de pruebas. James Whistler le pidió a su madre que modelara para él mientras estaba de pie, pero ella lo encontró demasiado difícil.
Whistler fue capaz de exhibir su enfoque en arreglo tonal y harmony en esta pintura.
Arreglo en Grey and Black No. 1 (1871), popularmente conocido como Whistler’s Mother por James McNeill Whistler; James McNeill Whistler, dominio público, vía Wikimedia Commons
A primera vista, la obra de arte parece sencilla. Sin embargo, tras un escrutinio más detallado, la obra de arte representa una armonía entre las muchas formas de la imagen. Whistler tuvo éxito en lograr el equilibrio en el diseño de esta pieza. Varios críticos de arte tenían sentimientos variados sobre esta imagen en ese momento. Se pensaba que los colores y la postura de la madre de Whistler representaban «una profunda emoción de pérdida». Esta crítica podría atribuirse a la elección del artista de tonos sombríos en la creación de la pintura.
La clínica gross (1875) de Thomas Eakins
| Artista | Tomás Eakins |
| Fecha de creación | 1875 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Museo de Arte de Filadelfia |
El fuerte apego de Thomas Eakins a su lugar de nacimiento se convirtió en un tema recurrente a lo largo de su carrera. La Clínica Gross, una pintura producida en 1875 que presenta al médico local Samuel David Gross, es quizás su esfuerzo más conocido y grandioso para la ciudad de Filadelfia. El escenario presenta a Gross supervisando un procedimiento quirúrgico y enseñando a un grupo de estudiantes de medicina, haciendo referencia al predecesor histórico-artístico de Rembrandt, The Anatomy Lesson of Dr. Tulp (1632).
La clínica bruta (1875) de Thomas Eakins; Thomas Eakins, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La Clínica Gross, al igual que la versión de Rembrandt, representa los procesos higiénicos médicos de la época, pero el enfoque principal de la pintura está en los humanos vivos. Eakins, que siempre fue retratista, planeó la pieza como un registro visual de todos en el anfiteatro médico.
El punto focal de la imagen, sin embargo, es el Dr. Gross, ya que la luz y la composición trabajan juntas para atraer la atención del espectador hacia el renombrado profesor.
Bal du moulin de la Galette (1876) by Pierre-Auguste Renoir
| Artista | Pierre-Auguste Renoir |
| Fecha de creación | 1876 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Museo de Orsay |
Traducido como «Danza en Le Moulin de la Galette», esta famosa obra de arte es una obra maestra de arte contemporáneo que es una de las pinturas impresionistas más famosas y un impresionante ejemplo de la habilidad de Renoir para capturar la luz moteada. Su modernidad se deriva tanto de su materia seleccionada -una típica imagen de domingo por la tarde de parisinos de clase trabajadora en el Ocio en el Moulin de la Galette- como de su pincelada gratuita de estilo impresionista.
La mirada del espectador deambula por la superficie llena de movimiento, consciente de las pinceladas audaces y altamente coloreadas, pero incapaz de enfocarse en una forma en particular.
Danza en Le Moulin de la Galette (1876) de Pierre-Auguste Renoir; Pierre-Auguste Renoir, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Un millón de observaciones separadas están abarrotadas en una superficie que es tan dinámica como un Jackson Pollock Obras de arte de «goteo» de principios de la década de 1950. Renoir eligió retratar esta reunión enérgica y alegre porque estaba intrigado por su naturaleza variada. Con esto en mente, exploró y aseguró viviendas cercanas en 78 Rue Cortot en 1876. Contenía dos salas de estar y un establo que podía ser utilizado como taller.
Retrato de Madame X (1884) por John Singer Sargent
| Artista | John Singer Sargent |
| Fecha de creación | 1884 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Museo Metropolitano de Arte, Manhattan |
Virginie Gautreau era la esposa de un rico hombre de negocios. Ella era considerada como una «belleza profesional», una palabra inglesa para las personas que avanzaron socialmente mediante el uso de sus habilidades interpersonales y atractivo. La imagen fue una propuesta de Sargent para representar a la joven socialité en lugar de una comisión.
Retrato de Madame X (1884) de John Singer Sargent; Museo Metropolitano de Arte, dominio público, vía Wikimedia Commons
«Tengo un fuerte deseo de pintar su cuadro y tengo razones para suponer que lo dejaría y anhelo que alguien ofrezca este respeto a su belleza, puedes decirle que soy una persona de extraordinaria habilidad», dijo Sargent en una carta a un conocido mutuo. Madame Gautreau finalmente aceptó posar para un retrato de Sargent, quien preparó numerosos bocetos preparatorios para la pintura principal.
Estas composiciones de acuarela, lápiz y óleo se hicieron en una variedad de posturas.
Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884-1886) de Georges Seurat
| Artista | Georges Seurat |
| Fecha de creación | 1886 |
| Medio | Pintura al óleo |
| Ubicación actual | Instituto de Arte de Chicago |
Seurat fue capaz de captar una imagen fascinante de la vida aristocrática parisina en el siglo XIX a pesar de su posición remota. La imagen provocó una serie de interpretaciones y fue castigada por ser demasiado técnica. Sin embargo, en su debut, fue aclamada como una gran obra de proporciones precisas.
La técnica pictórica de Seurat varió significativamente de la de su escuela, y después de abandonarla, optó por viajar a la isla de La Grande Jatte.
Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884-1886) de Georges Seurat; Georges Seurat, dominio público, vía Wikimedia Commons
Fue aquí donde descubriría la idea de su icónica obra de arte, que sellaría para siempre su legado como artista. Según los informes, el diseño y la fundición de Grande Jatte fueron tan difíciles como el trabajo en sí, y Seurat pasó por numerosas ideas dibujadas antes de llegar al plan final para la pieza completa. El elenco incluyó tres perros, ocho botes y 48 personas que se reunieron en el parque en una brillante tarde de domingo.
Cafe Terrace at Night (1888) de Vincent van Gogh
| Artista | Vicente van Gogh |
| Fecha de creación | 1888 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Museo Kröller-Müller |
Esta vibrante pintura al aire libre es una impresionante obra de arte, que representa el punto de vista de un observador despreocupado que disfruta de los placeres de su entorno sin preocupación moral. Se hace eco del sentimiento de Van Gogh de que «la noche es más vibrante y de colores vivos que el día», como él dijo. El color es más brillante y la atención se dirige a los bordes empinados de las secciones vecinas, que forman patrones irregulares que encajan como un rompecabezas.
Los ojos se ven desafiados por la división a largo plazo de esta región en un gran elemento y tema de fondo; las áreas distantes y cercanas son diferentes.
Cafe Terrace at Night (1888) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El color dorado de la cafetería contrasta con el azul más oscuro de la calle lejana y el violeta de la puerta principal, mientras que la esquina afilada del toldo más cercana a nosotros roza el lejano cielo azul en una contradicción compositiva que sirve para unir la obra. Líneas que son escorzo y empujados en profundidad, como el dintel de entrada, son perfectamente paralelos a las líneas que corren en planos similares al primero, como la pendiente del dosel amarillo y la casa sobre la azotea.
La noche estrellada (1889) de Vincent van Gogh
| Artista | Vicente van Gogh |
| Fecha de creación | 1889 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
Un cielo nocturno arremolinado con vívidas espirales azules, una deslumbrante luna creciente dorada y constelaciones representadas como esferas radiantes dominan las obras de arte al óleo sobre lienzo. Uno o dos cipreses en forma de llama se ciernen sobre la escena a un lado, sus extremidades negras curvadas y onduladas al movimiento del cielo parcialmente oscurecido. Un asentamiento estructurado se encuentra en la distancia en la parte inferior derecha del lienzo, entre toda esta actividad.
Las modestas casas y la delgada aguja de una iglesia, que se erige como un faro contra las ondulantes colinas azules, están hechas de líneas rectas y controladas.
La noche estrellada (1889) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los cuadrados luminosos y brillantes de las viviendas evocan las luces acogedoras de las casas seRené, proporcionando un rincón tranquilo entre el tumulto de la obra de arte. Van Gogh pintó mientras estaba en una institución durante varios meses después de una crisis en la que amputó una parte de su propio lóbulo de la oreja con una navaja. Mientras estuvo en la institución, pintó en ráfagas de producción que se alternaban con estados de ánimo depresivos.
Autorretrato sin barba (1889) de Vincent van Gogh
| Artista | Vicente van Gogh |
| Fecha de creación | 1889 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Colección privada |
A pesar de su propia situación financiera, Van Gogh siempre había apoyado el trabajo de sus amigos, particularmente Bernard y Gauguin. Su hermano Theo recibió una pequeña suma de dinero en el verano de 1888, una parte de la cual se destinó al cuidado continuo de Van Gogh. Theo recomendó a Gauguin quedarse con Van Gogh para ahorrar los gastos de los dos pintores compartiendo su alojamiento.
Autorretrato sin barba (1889) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Aunque Van Gogh estaba emocionado de que Gauguin le hiciera una visita, también estaba preocupado por la responsabilidad adicional que se pondría sobre los hombros de Theo, demostrando la complejidad y las polaridades de la relación de Van Gogh con su hermano. Van Gogh creó esto Autorretrato sin barba después de que su amistad con Gauguin explotó, y la triste resonancia es palpable.
Es una imagen aterradora, uno de los varios retratos del pintor, cuya vida se fue desmoronando a medida que sufría de preocupaciones mentales cada vez más.
El grito (1893) de Edvard Munch
| Artista | Edvard Munch |
| Fecha de creación | 1893 |
| Medio | Óleo y pastel a bordo |
| Ubicación actual | Museo Munch |
El Grito, comparable solo a Mona Lisa, puede ser la imagen humana más famosa de la historia del arte occidental. Su cabeza ambigua en forma de cráneo, manos extendidas, ojos enormes, fosas nasales en llamas y boca ovalada han sido arraigados en nuestra conciencia cultural compartida; el entorno azul giratorio, particularmente el cielo naranja y amarillo ardiente, ha generado una gran cantidad de interpretaciones sobre el escenario representado.
El grito (1893) de Edvard Munch; Edvard Munch, dominio público, vía Wikimedia Commons
El Scream, al igual que la Mona Lisa, ha sido objeto de espectaculares robos y recuperación, y en 2012, un facsímil pastel sobre cartón fue vendido a un comprador privado por alrededor de $ 120,000,000, lo que lo convierte en el segundo precio más alto pagado por las obras de arte a la venta en ese momento.
Las numerosas representaciones demuestran la originalidad y el entusiasmo del artista al explorar las posibilidades disponibles a través de una variedad de medios, mientras que el tema corresponde a los intereses de Munch en ese momento en temas de relaciones, existencia, muerte y miedo.
En el Moulin Rouge (c. 1895) por Henri de Toulouse-Lautrec
| Artista | Henri de Toulouse-Lautrec |
| Fecha de creación | c. 1895 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Instituto de Arte de Chicago |
Henri de Toulouse-Lautrec ha estado conectado con el Moulin Rouge desde su creación en 1889 cuando el propietario del famoso club nocturno compró el Equestrienne del artista para la entrada. Toulouse-Lautrec estaba habitada.
En el Moulin Rouge, se le unió su primo, el doctor Gabriel Tapié de Céleyran, que sostenía fotografías de los clientes habituales del famoso club nocturno, incluido él mismo (la pequeña figura en el fondo del medio).
En el Moulin Rouge (c. 1895) de Henri de Toulouse-Lautrec; Henri de Toulouse-Lautrec, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La bailarina La Goulue se peina detrás de la cabina donde otra reconocida intérprete, Jane Avril, está socializando. May Milton, una cantante, mira desde el borde derecho de la pintura, su rostro fuertemente iluminado y verde ácido. El pintor o su marchante recortaron el lienzo en algún momento para eliminar a Milton, tal vez porque su aspecto inusual hizo que la pintura fuera difícil de comercializar.
Flaming June (c. 1895) por Sir Frederic Leighton
| Artista | Sir Frederic Leighton |
| Fecha de creación | c. 1895 |
| Medio | Pintura al óleo |
| Ubicación actual | Museo de Arte de Ponce |
Flaming June es una excelente ilustración del talento de Leighton, como lo demuestra el realismo de numerosos componentes de esta imagen. Uno casi puede extender la mano y tocar el material drapeado. Luego están las texturas jaspeadas y los colores brillantes que llaman la atención.
Esta imagen fue prestada recientemente al Leighton House Museum de Londres, que la vinculó con su historia. Ha realizado muchos viajes por todo el Reino Unido antes de llegar a Puerto Rico.
Flaming June (c. 1895) por Sir Frederic Leighton; Frederic Leighton, 1er Barón Leighton, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La obra de arte original fue adquirida a un precio con descuento por el Museo de Arte de Ponce debido a la relativa falta de interés en los pintores de la época victoriana en ese momento. Si volvieran a subastarlo, sin duda alcanzaría un precio mucho más alto en el mercado actual. El apoyo de esta institución artística ha demostrado ser inspirador, ya que la carrera de Leighton ha experimentado un renacimiento en los últimos años.
Dos mujeres tahitianas (1899) de Paul Gauguin
| Artista | Pablo Gauguin |
| Fecha de creación | 1899 |
| Medio | Pintura al óleo |
| Ubicación actual | Galería Nacional de Arte |
Independientemente del hecho de que Tahití se representa como un paraíso impecable, la imagen desafía al observador con dos damas en topless de una manera similar y tradicional que compara el pecho de las mujeres con las frutas o flores. La pintura de Paul Gauguin fue una de sus últimas piezas en Tahití.
En esta imagen, enfatizó las cualidades tranquilas y hermosas de las damas nativas de Tahití.
Dos mujeres tahitianas (1899) de Paul Gauguin; Paul Gauguin, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Paul Gauguin utilizó gestos, imágenes, formas y expresiones escultóricas para transmitir las emociones que había utilizado para caracterizar a la famosa «Eva de Tahití» en esta obra de arte, representó que las damas de Tahití eran muy matizadas y muy comprensivas dentro de su despiste y al mismo tiempo podían pasear desnudas sin tener que sentir ninguna culpa.
El beso (1908) de Gustav Klimt
| Artista | Gustavo Klimt |
| Fecha de creación | 1908 |
| Medio | Aceites y Pan de Oro |
| Ubicación actual | Galería Austriaca, Belvedere |
El beso muestra a una pareja cariñosa arrodillada en un prado florido. El macho, vestido con una túnica con patrones geométricos y con una corona de enredadera en la cabeza, agarra la cara de la dama mientras se mueve para besarla. La figura femenina tiene flores en el cabello y lleva un atuendo colorido y con patrones naturales que contrasta con el de su pareja.
Sus ojos se cierran contentamente mientras pone sus brazos alrededor de sus hombros, mejorando la tranquilidad y la cercanía de la escena.
El beso (1908) de Gustav Klimt; Gustav Klimt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Gustav Klimt fue un participante del estilo secesionista y un precursor del simbolismo, un movimiento artístico europeo definido por elementos místicos, una actitud personalizada hacia las artes creativas y un estilo relacionado con los movimientos Art Nouveau contemporáneos. The Kiss, que fue producido durante su deslumbrante «Período Dorado», ejemplifica su estilo inimitable.
El cíclope (c. 1914) de Odilon Redon
| Artista | Odilon Redon |
| Fecha de creación | c. 1914 |
| Medio | Aceite a bordo |
| Ubicación actual | Museo Kröller-Müller |
Galatea se ve durmiendo en la parte inferior derecha, su figura desnuda derritiéndose en la ladera floral de la colina. Los hombros de Polifemo se elevan sobre una cordillera en la parte superior de la imagen, mientras gira su ojo hacia la dirección de la náyade.
Polifemo parecía haberse ocultado del sprite detrás del paisaje rocoso, demasiado temeroso de dirigirse directamente a su figura «indefensa».
El cíclope (c. 1914) de Odilon Redon; Odilon Redon, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Aunque el título de la obra de arte se relaciona con un personaje del mito clásico, la imagen también puede aludir a los gigantes tuertos que habitan la leyenda en el área de Aquitania donde Redon creció. Los cíclopes representados por Redon muestran una notable similitud con los ejemplos de ciclopía de la vida real, que se cree que es una probable génesis de la historia de los cíclopes debido a las similitudes exhibidas en los pacientes, particularmente en los humanos, con la enfermedad.
Tres músicos (1921) de Pablo Picasso
| Artista | Pablo Picasso |
| Fecha de creación | 1921 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Colección Gallatin |
Three Musicians parece ser un collage formado por trozos recortados de papel de colores, a pesar de que es una pintura al óleo. Las formas se reducen a patrones angulares que se conectan como rompecabezas, y los colores planos producen un diseño de superficie con muchas incertidumbres espaciales.
La pared de fondo es de color marrón oscuro, al igual que una mesa en primer plano, secciones de las características de los personajes y la figura de un perro acostado debajo de la mesa.
La máscara de Arlequín es parte de una vasta y complicada forma azul que cubre la mayor parte del Pierrot. El mismo azul se produce en el tercio inferior de la pintura, potencialmente como mobiliario, y en la mesa como un componente de la naturaleza muerta. Mientras que ciertas cosas, como la guitarra en el medio y la partitura y el clarinete a la izquierda, están claramente identificadas, otras, como la pila de productos en la mesa, lo están menos.
Gótico americano (1930) de Grant Wood
| Artista | Grant Madera |
| Fecha de creación | 1930 |
| Medio | Aceite en Beaverboard |
| Ubicación actual | Real Academia de las Artes |
La imagen retrata a una pareja de mediana edad, comúnmente entendida como un granjero y su esposa o hija, posando frente a su residencia, una granja de madera construida en el estilo arquitectónico gótico carpintero popular en la década de 1890. Debido a que las personas están tan cerca del observador, poco del telón de fondo es visible.
El artista había basado la granja en Dibble House, una casa que vio en Eldon, Iowa, y equipó a su hermana Nan y a su dentista, el Dr. Byron McKeeby, como figuras para la pareja.
American Gothic (1930) de Grant Wood; Grant Wood, dominio público, vía Wikimedia Commons
Debido a su parecido con la imagen tradicional de los habitantes rurales del Medio Oeste, completa con horcas y estiércoles, muchos críticos de arte interpretaron la pintura como una parodia cáustica de la cultura de la pequeña ciudad. Cuando un duplicado de la fotografía apareció en la Gaceta de Cedar Rapids, provocó indignación. La descripción de Wood de ellos como puritanos de cara sombría enfureció a los lectores.
La persistencia de la memoria (1931) de Salvador Dalí
| Artista | Salvador Dalí |
| Fecha de creación | 1931 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
La persistencia de la memoria tiene un autorretrato con un reloj suave sobre él. Estos relojes blandos representan lo que Dalí llamó el «camembert del tiempo», lo que implica que la idea del tiempo había perdido cualquier valor en el mundo subconsciente. Las hormigas que pululan sobre el reloj de bolsillo implican señuelo, lo cual no tiene sentido dado que el reloj es metálico.
Estas visuales «paranoico-críticas» representan la interpretación y asimilación de Dalí de la teoría freudiana del inconsciente y su disponibilidad a los deseos latentes y la psicosis de la psique humana, como el miedo subconsciente a morir aludido en esta obra de arte.
Dalí mejoró aún más el efecto generado por el uso de métodos que van desde la precisión de Johannes Vermeer hasta las formas borrosas de Carriere. Una vez que proporcionó la libertad psicológica de su protagonista, construyó conexiones entre ellos presentándolos en el espacio, con mayor frecuencia en un paisaje, produciendo así armonía en la pintura por el contraste de cosas sin relación en un entorno donde no encajaban.
El portador de flores (1935) de Diego Rivera
| Artista | Diego Rivera |
| Fecha de creación | 1935 |
| Medio | Aceite y témpera |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno de San Francisco |
Un campesino vestido de blanco con sombrero amarillo lucha a cuatro patas con una canasta ridículamente enorme de flores unida a sus hombros con una correa amarilla en la vibrante obra de arte. Una dama, muy probablemente la esposa del granjero, se para detrás de él, tratando de ayudar con el apoyo de la canasta mientras se esfuerza por ponerse de pie.
Mientras que las flores en la canasta son sorprendentemente encantadoras para el observador, la persona ve únicamente su valor mientras los transporta al mercado para venderlos o comerciar. Los diseños geométricos proporcionan contrastes sorprendentes, con cada ser humano, elemento y vegetación mostrados para transmitir individualismo.
Algunos dicen que la enorme canasta colgada a la espalda del hombre representa las cargas de un trabajador no calificado en un entorno capitalista contemporáneo.
Guernica (1937) de Pablo Picasso
| Artista | Pablo Picasso |
| Fecha de creación | 1937 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía |
Algunos consideran Pablo Picasso obra maestra de la Batalla Civil Española para ser la mejor obra de arte de guerra de toda la historia. La obra de Picasso, además de ser una enorme imagen alegórica de los horrores de la guerra, puede haber moldeado deliberadamente a los espectadores en participantes proactivos, promoviendo tanto el cambio colectivo como las opciones políticas.
Picasso esperaba que al hacerlo, podría impactar los cambios en la política gubernamental y expandir el diálogo más allá de los confines de su país devastado por la guerra.
Una réplica del Guernica (1937) de Pablo Picasso; Winfried Weithofer, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Este desarrollo planificado de una tremenda obra maestra debe ser estudiado y admirado como parte de una historia de guerra más grande. Más significativamente, el examen del arte en tiempos de guerra puede ser una contribución beneficiosa al crecimiento profesional de los oficiales militares al ofrecer alternativas para el debate profesional sobre cómo las sociedades entienden a los ganadores, las derrotas y el valor de las batallas a través del prisma de los artistas y el legado cultural.
Las dos Fridas (1939) de Frida Kahlo
| Artista | Frida Kahlo |
| Fecha de creación | 1939 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
Varios estudiosos creen que los dos personajes de la imagen simbolizan el fondo mezclado de Frida. Guillermo Kahlo, su padre, era alemán, y Matilde Calderón, su madre, era mexicana. Otra explicación es que la Frida Tehuana era apreciada por su esposo Diego Rivera, mientras que la Frida europea era rechazada por él.
La pintura se basa en el recuerdo de Frida de un compañero ficticio de la infancia. Ambas Fridas tienen objetos en sus regazos: la Frida mexicana tiene una pequeña pintura de Diego Rivera en su regazo, y la Frida Continental tiene fórceps.
La sangre fluye por el vestido blanco de la Frida europea desde un vaso sanguíneo dañado cortado por las pinzas.
No. 5, 1948 (1948) por Jackson Pollock
| Artista | Jackson Pollock |
| Fecha de creación | 1948 |
| Medio | Aceite sobre tablero de fibra |
| Ubicación actual | Colección privada |
Esta pieza fue construida sobre una pieza de ocho por cuatro pies de tablero de fibra. El enfoque de Jackson Pollock para esta pieza fue la utilización de pinturas líquidas. Optó por abandonar el método tradicional de pintar sobre lienzo. No. 5 se puede ver con una gran cantidad de pintura marrón y amarilla salpicada sobre él. Pollock estaba motivado para hacer esta pintura por sus sentimientos personales. Se apartó del uso habitual de pinturas líquidas.
El patrón de la pintura parece un nido y provocó una variedad de sentimientos entre las personas que la vieron.
Esta complejidad y atención impulsaron esta obra maestra a la cima del mundo del arte. El enfoque predominante de Pollock para el No. 5 fue la pintura de acción, o el regate impulsivo, la propagación y el lanzamiento de pintura líquida. Pollock también deseaba introducir un punto de vista completamente nuevo a la pintura. Buscó representar el clímax de la pasión del artista en su propia técnica de pintura única con el número 5.
El hijo del hombre (1964) de René Magritte
| Artista | René Magritte |
| Fecha de creación | 1964 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Ubicación actual | Colección privada |
Harry Torczyner, amigo cercano, consejero y mecenas de Magritte, encargó un autorretrato del artista en 1963. Sin embargo, las cartas publicadas por Magritte muestran que luchó para crear su propio retrato. Magritte se refirió a sus problemas como un «problema de conciencia». Cuando Magritte completó su autorretrato, la imagen resultante era de un caballero desconocido con un bombín y subtitulado «El hijo del hombre».
Parece ser un dibujo simple a primera vista, pero es inmensamente desconcertante.
Se ve a una persona de pie frente a un malecón de piedra. El cielo sobre la línea del horizonte parece brumoso y apenas comienza a volverse gris. Debido a que hay algo de luz brillando sobre el hombre y su lado izquierdo está ligeramente sombreado, el espectador tiene la idea de que es mediodía. El hombre parece estar demasiado vestido y fuera de lugar en la escena. Está vestido oficialmente con un traje gris oscuro con un bombín, cuello y una corbata carmesí.
Y con eso, hemos concluido nuestra lista de viejas pinturas famosas. Estas famosas pinturas de arte son consideradas como algunos de los más conocidos en la historia del arte. Todas estas pinturas populares agregaron algo nuevo a la escena artística y todavía se disfrutan hoy en día. ¿Qué te ha parecido nuestra lista de las pinturas más famosas?
Preguntas Frecuentes
De todas las pinturas famosas antiguas, ¿cuáles son las pinturas más famosas?
Hay muchas pinturas populares en la historia del arte. Una de las pinturas más famosas debe ser sin duda el Mona Lisa de Leonardo da Vinci. Es una de las imágenes más icónicas del mundo conocido.
¿Qué medio fue popular para la producción de pinturas de arte famosas?
Muchos medios se han utilizado para crear viejas pinturas famosas que nos encantan. Del óleo a la acuarela, así como al temple. Sin embargo, el medio más común para muchos de los clásicos parece ser el óleo sobre lienzo.
