Michelangelo Merisi da Caravaggio es considerado como uno de los artistas barrocos italianos más significativos y revolucionarios de su época. Las pinturas de Caravaggio rompieron con las convenciones que habían llevado a una generación de artistas que glorificaban las experiencias individuales y espirituales. Las obras de arte de Caravaggio son ampliamente reconocidas por su increíble exhibición de técnicas de pintura como el tenebrismo y el claroscuro.
Obras de arte y vida de Caravaggio
Michelangelo Merisi da Caravaggio se trasladó a Roma, donde se hizo conocido por su técnica del tenebrismo, que usaba la oscuridad para enfatizar secciones más claras. Caravaggio fue el primero de los artistas barrocos italianos en adoptar el claroscuro como una característica estética prominente, intensificando las sombras y desplegando rayos de luz claramente delineados para enfatizar y mejorar la historia de la pintura. El enfoque se hizo prominente en sus obras posteriores, y desde entonces se ha relacionado con sus imágenes más maduras.
| Nacionalidad | Italiano |
| Fecha de nacimiento | 29 de septiembre de 1571 |
| Fecha de fallecimiento | 18 de julio de 1610 |
| Lugar de nacimiento | Caravaggio, Lombardía |
Niñez
El material biográfico de Caravaggio es escaso, y lo que está disponible ha sido improvisado a partir de registros judiciales y provinciales, así como de otras fuentes sobrevivientes. La familia de Caravaggio tenía vínculos aristocráticos a pesar de su rango socioeconómico inferior. La tía de Caravaggio había sido nodriza de la descendencia de la aristocracia Sforza y parientes de la dinastía Sforza.
Milán fue golpeada por una epidemia de peste bubónica en agosto de 1576, cuando Caravaggio tenía alrededor de cinco años de edad. A pesar del escape de su familia a las colinas de Caravaggio, muchos de sus parientes perecieron de la peste en octubre de 1577. Caravaggio se trasladó permanentemente a Milán, donde se mantuvo a través de sus pinturas de retratos cuando la finca familiar se dividió y se vendió entre los otros niños.
Formación temprana y trabajo
Es probable que Caravaggio comenzara su carrera creativa con familiaridad con los pintores renacentistas. Moretto, Savoldo, Lotto, Palma Vecchi, Giorgione, Tiziano, y Leonardo da Vinci tuvieron un efecto en el arte de Caravaggio. Caravaggio definitivamente tenía formación clásica y estaba familiarizado con libros significativos de la época. Caravaggio habría leído las palabras de Vasari y se habría inspirado y motivado en ellas para algunas de sus obras. Milán a finales del siglo 16 era una ciudad aterradora y violenta, por lo que es un lugar ideal para que el artista joven, desarraigado, dañado y tal vez de cabeza caliente sea tentado y provocado.
Después de estar involucrado en un asesinato, el artista viajó a Roma aproximadamente en 1592, donde permaneció hasta alrededor de 1606.
Caravaggio sirvió como aprendiz del pintor Giuseppe Cesari, un conocido pintor de frescos, durante varios meses aquí. Mientras trabajaba para Cesari, Caravaggio produjo principalmente frutas y flores de fondo; a partir de esta práctica, ganó un ojo para los detalles y una apreciación de las complejidades de las pinturas de naturaleza muerta, que se pueden ver en la representación meticulosa de frutas y vegetación en sus obras posteriores.
Después de su aprendizaje con Cesari, Caravaggio conoció a su posterior partidario, el cardenal Francesco Maria del Monte. Del Monte proporcionó a Caravaggio refugio, sustento y trabajos creativos, además de conectarlo con grupos de coleccionistas de pintura. Otros prestigiosos Pintura romana los compradores, como el marqués Vincenzo Giustiniani, se sintieron atraídos por los temas de las obras iniciales de Caravaggio, como las festividades de la música, las naturalezas muertas y las caracterizaciones seductoras de hombres jóvenes como Amor Vincit Omnia (1602), que retrata un cupido realista y desnudo a horcajadas sobre iconos de batalla, conocimiento científico, música y obras literarias.
Estas composiciones religiosas y seculares le dieron un importante patrocinio romano y lo lanzaron a la aclamación creativa.
Amor Vincit Omnia («Cupido como Víctor», 1602) de Caravaggio; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Período de madurez
El cardenal del Monte le ayudó a obtener su primer proyecto de obras oficiales significativas, la decoración de la Capilla Contarelli, en 1599. Rápidamente siguió una segunda tarea, decorar las paredes laterales de la Capilla Cerasi de Santa María del Popolo. Con estas asignaciones, el pintor comenzó la reimaginación dramática de figuras celestiales que se convertirían en una característica definitoria de su carrera.
Caravaggio humanizó lo celestial figuras representándolos como personas comunes.
Caravaggio utilizó esta técnica para criticar e interrumpir las imágenes inmaculadas e idealistas de la era renacentista italiana, así como los estilos clásicos romanos. Judith decapitando a Holofernes (c. 1602) y Muerte de una virgen (1606) son dos ejemplos de este estilo.
Judith decapitando a Holofernes (c. 1602) por Caravaggio; Caravaggio, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Este último cuadro tuvo un gran impacto en otros pintores, especialmente Artemisia Gentileschi, que pintó varias representaciones del mismo tema. El naturalismo de las obras religiosas de Caravaggio, así como el contraste de los seres santos con los interiores contemporáneos del siglo 17, enfureció a varios críticos. Muchas de las obras de arte de Caravaggio fueron rechazadas por instituciones contratantes debido a representaciones profanas o inmorales.
Muerte de una virgen (1606) de Caravaggio; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La estancia de Caravaggio en Roma llegó a una trágica conclusión. Los registros judiciales muestran que Caravaggio estuvo involucrado en una serie de escaramuzas y accidentes progresivamente violentos y que con frecuencia fue protegido del castigo por testigos que dudaban en revelar la participación del artista por temor a las repercusiones de los poderosos y distinguidos clientes del artista. Caravaggio comenzó un enfrentamiento con un camarero por su pedido de alcachofas en 1604, en el que el pintor golpeó la cara de la víctima con un plato en uno de los casos más vívidos.
La ira, los problemas legales y el comportamiento violento de Caravaggio alcanzaron su punto máximo el 28 de mayo de 1606, cuando asesinó a su viejo compañero Ranuccio Tomassoni, presumiblemente en el marco de una pelea.
Caravaggio partió de Roma antes de que se presentaran acusaciones oficiales contra él por el asesinato; fue condenado al destierro permanente de la ciudad, condenado como asesino y sometido a una sentencia de muerte que permitía a cualquiera en los poderes papales obtener una recompensa monetaria por asesinarlo.
Retrato de tiza de Caravaggio (c. 1621) de Ottavio Leoni; Ottavio Leoni, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Período tardío
Después de eso, el pintor permaneció nueve meses en la ciudad de Nápoles, a partir de septiembre de 1606. Durante este tiempo, Caravaggio comenzó a incursionar con los colores, inspirándose en artistas venecianos como Tiziano. Caravaggio se trasladó a Malta alrededor de 1607, y es probable que Fabrizio Sforza Colonna, hijo de su tutor Costanza Colonna, le concediera una salida segura. Durante su estancia en Malta, Caravaggio alcanzó un inmenso éxito y notoriedad, y el 14 de julio de 1608, fue iniciado en la Orden de los Caballeros de Malta.
Sus pinturas de esta época son notables porque comenzó a crear con pinceladas progresivamente rápidas y utilizó tonos marrón rojizo más extensamente.
Un primer plano de Madonna of the Rosary (1607) de Caravaggio, que ilustra el uso de su paleta de colores característicos; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Caravaggio estuvo involucrado en un altercado violento y mortal en el apartamento del organista de la Iglesia Conventual de San Juan un mes después de recibir su título. El encarcelamiento criminal de Caravaggio, la fuga de la cárcel y la partida a Siracusa en el otoño de 1608 fueron todos los resultados de esta agitación. El 1 de diciembre de 1608, los Caballeros de Malta cancelaron los premios del artista en su ausencia.
Caravaggio se trasladó de Siracusa a Palermo antes de regresar a Nápoles en 1609. Matones armados cortaron la cara del artista en Nápoles por razones inexplicables, dejando a Caravaggio con heridas casi fatales.
Permaneció recuperándose en el palacio de Constanza Colonna hasta julio de 1610 después de este suceso. Después de descubrir que uno de sus famosos benefactores había obtenido una amnistía papal para él, Caravaggio trató de regresar a Roma. Fue capturado y puesto en una celda de detención durante dos días cuando llegó a Palo. Caravaggio murió de fiebre, tal vez malaria, poco después de su alta, el 18 de julio de 1610.
Legado
Caravaggio ha sido descrito como un ejemplo tardío del manierismo o un precursor de la era barroca. Caravaggio fue un impacto creativo significativo tanto en su época como ahora, a pesar del hecho de que solo veintiuna piezas le han sido asignadas definitivamente. Otros pintores romanos comenzaron a replicar su técnica característica en 1605, y poco después, artistas fuera de Italia, incluyendo Rembrandt y Diego Velázquez, utilizaron los dramáticos efectos de iluminación de Caravaggio en sus propias e icónicas obras.
El estilo de Caravaggio inmediatamente obtuvo admiradores comprometidos, conocidos como «Caravaggisti», que llenaron sus creaciones con los atributos de Caravaggio.
La firma de Michelangelo Merisi da Caravaggio; Michelangelo Merisi, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Las pinturas de Caravaggio influyeron en poetas notables de la época, como el Cavalier Giambattista Marino. A pesar de los elogios durante su vida y rápidamente después, el legado de Caravaggio fue casi olvidado en el siglo 18, con la excepción de la modesta atención de artistas neoclásicos como Jacques-Louis David. La obsesión moderna y contemporánea con el artista se debe en parte al trabajo de Roberto Longhi, cuya exposición milanesa de 1951 y monografía de Caravaggio de 1952 reintrodujeron y solidificaron la prominencia actual del artista.
Las características teatrales de las obras de Caravaggio, así como su iluminación cinematográfica, permiten una fácil transición al cine, y directores como Martin Scorsese y David LaChapelle lo han mencionado como una inspiración en su trabajo.
Han absorbido la fuerza y la franqueza de las fotografías de Caravaggio en esto, aprovechando sus representaciones de cuerpos defectuosos y su capacidad para tejer una historia desde el punto de vista del clímax para involucrar a los espectadores dentro de sus propios medios narrativos. Caravaggio es ahora considerado como uno de los Grandes Maestros que es obviamente «Moderno». Aparte de los avances compositivos, el legado de Caravaggio también se ha relacionado con el contenido supuestamente queer de sus obras, que ha sido visto como un símbolo de su propia probable homosexualidad.
Cristo en la columna (c. 1607) de Caravaggio; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La representación de los jóvenes andróginos, sensuales, parcialmente vestidos o desnudos de Caravaggio a través del prisma del deseo gay es un tema polémico en los estudios de Caravaggio. Algunos escritores, como Graham L. Hammill y Donald Posner, afirman explícitamente que obras como estas reflejan la sensualidad y la seducción gay.
Otros eruditos, como David Carrier, argumentan que las interpretaciones contemporáneas de la sustancia homoerótica del creador la atribuyen idiosincráticamente a los siglos 16 y 17, así como a las reglas y concepciones del siglo 20 sobre lo queer y la interpretación visual.
Pinturas de Michelangelo Merisi da Caravaggio
Las representaciones populares de Caravaggio de personas religiosas fueron pioneras, representando figuras bíblicas de una manera no idealizada al incluir evidencia de envejecimiento e indigencia, así como el uso de atuendos modernos. Esto ayudó a desmitificar lo sagrado y hacerlo más accesible a la población en general. El arte de Caravaggio encarnaba una especie de igualitarismo religioso de esta manera.
Autorretrato como Baco enfermo (1594)
| Fecha de finalización | 1594 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 67 cm x 53 cm |
| Ubicación actual | Galleria Borghese, Roma |
El retrato de Caravaggio probablemente fue producido bajo la guía del artista al fresco Giuseppe Cesari, y los componentes de naturaleza muerta hábilmente elaborados de la pintura reflejan la influencia de Cesari. La posición incómoda de la figura, como si estuviera rotada para garantizar una mayor visión en la superficie del espejo, es confirmada por la identificación del historiador del siglo 17 giovanni Baglione de Caravaggio de esta imagen como uno de un conjunto de los primeros autorretratos del artista creados con la ayuda de un espejo convexo.
Baco enfermo, un nombre aparentemente apropiado para la tez del sujeto y los ojos oscuros y hundidos, se atribuye al historiador del arte Roberto Longhi, quien afirma que el pintor lo creó después de ser dado de alta del hospital después de sufrir horribles heridas después de ser pateado por un caballo.
Autorretrato como Baco enfermo (1594) de Caravaggio; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La coloración verdosa de la imagen también podría atribuirse a un entorno nocturno, que sería adecuado para la bacanal que estaba a punto de tener lugar. Baco era un alter ego apropiado para Caravaggio, ya que era el dios del vino, el teatro y las demostraciones rituales de éxtasis, así como la inspiración y la devastación. La pintura, por otro lado, contrasta con las representaciones típicas de Baco, que lo muestran en medio de la juerga salvaje, con frecuencia en medio de un hermoso entorno.
La pintura sigue las tradiciones de muchas de las obras anteriores de Caravaggio, mostrando la figura legendaria en un interior minimalista.
Además, la tez y la actitud pasiva del artista implican las repercusiones del consumo excesivo en lugar de un dios en su apogeo, celebrando los beneficios del vino y el jolgorio. Las hojas de hiedra que rodean la cabeza del artista han comenzado a marchitarse, un par de frutas en sus manos se han encogido y los dos jugosos albaricoques en primer plano de la pintura han comenzado a echarse a perder.
Niño mordido por un lagarto (c. 1594)
| Fecha de finalización | c. 1594 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 65 cm x 52 cm |
| Ubicación actual | National Gallery, Londres |
Un niño se estremece de dolor y asombro después de alcanzar una de las frutas en la mesa solo para ser atacado por un lagarto escondido en medio de la pila de cerezas, un ejemplo del adolescente descuidado y de cabello rizado que llenó muchas de las primeras pinturas seculares de Caravaggio. A pesar de la condena de Caravaggio de la estatuaria clásica, la emoción del niño puede basarse en la expresión de puro terror descubierta en el monumento de Laocoonte y sus hijos, y el reptil es evocador del reptil representado en el antiguo Estatua romana Lagarto Apolo, que habría estado en Roma durante la época de Caravaggio.
Caravaggio exhibe su habilidad para representar el movimiento de la luz sobre y a través de muchos materiales sobre la mesa.
Niño mordido por un lagarto (c. 1594) de Caravaggio; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El joven habita en una habitación insípida y atemporal, con paredes en blanco acentuadas solo por una fuente de luz nítida y diagonal que emerge de la parte superior izquierda, y más allá del marco de la imagen, en línea con el estilo más amplio de Caravaggio. Esto enfatiza el hombro derecho desnudo del niño, elevado mientras hace un guiño del ataque; su frente fruncida y sus labios abiertos en un jadeo, aumentando la expresión emocional de la pieza.
El impresionante trasfondo sexual de la obra es una de sus características más notables.
Los dedos mordidos eran un emblema de un falo herido en el período de Caravaggio, y el uso del jazmín por parte del creador, un emblema clásico del deseo sexual, junto con el reptil que languidece debajo de la fruta fresca, ambos símbolos de seducción, implica que la pintura representa los peligros de disfrutar de los apetitos sexuales.
Los músicos (1595)
| Fecha de finalización | 1595 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 92 cm x 118 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Metro |
Esta pintura es una imagen de «concierto», un género pictórico veneciano representado por la obra maestra de Tiziano de 1510, El Concierto Pastoral, en el que los artistas honraron la interpretación de la música. Esta imagen desafía las explicaciones clásicas del subgénero de varias maneras: retrata una sesión de práctica en lugar de un espectáculo en vivo, y la incorporación de las prendas tradicionales de los músicos y un cupido en la parte superior izquierda de la imagen sugiere una intención simbólica de interconectar la música, el romance y el licor (simbolizado por la fruta en los dedos del cupido).
Las personas abarrotadas en la imagen parecen haber sido esbozadas individualmente y luego incorporadas a la composición.
Los músicos (1595) de Caravaggio; Caravaggio, CC0, vía Wikimedia Commons
El socio de Caravaggio, Mario Minniti, es el músico central, mientras que la otra persona frente al espectador es quizás un autorretrato. Los músicos están practicando madrigales, y el intérprete de laúd en el medio está paralizado por la música, sus ojos brumosos y su mirada soñadora que implica melancolía y amor no correspondido.
La existencia de otro músico se indica por la presencia de un violín en el frente.
El cardenal del Monte, mecenas de Caravaggio y la persona que encargó esta pieza, fue un músico que educó a los músicos y promovió la creatividad musical. El área llena de músicos puede evocar el ambiente musical presente en la casa de Del Monte.
Medusa (1598)
| Fecha de finalización | 1598 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 60 cm x 55 cm |
| Ubicación actual | Florencia, Uffizi |
Medusa, el monstruo gorgona de la mitología griega cuyo cabello estaba formado por serpientes y cuya mirada convertía a los espectadores en piedra, se muestra en esta imagen. Medusa fue finalmente destruida por el héroe Perseo, quien la decapitó usando el espejo de su escudo como guía. Caravaggio representa a Medusa respirando su último aliento, poco después de su decapitación.
La pintura está inusualmente pintada en un circulanter lienzo extendido sobre un fondo de madera convexa. Esto está inspirado en el escudo de Perseo y muestra los momentos finales de Medusa en su superficie pulida.
Medusa (1598) de Caravaggio; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
También se refiere a la práctica de dibujar Medusa en escudos antes del combate para representar el triunfo sobre las probabilidades abrumadoras. Se supone que Caravaggio se utilizó a sí mismo como fuente de la obra, y Medusa, como autorretrato, es una excelente ilustración del juego del artista con la sexualidad y la androginia. Caravaggio utilizó serpientes reales, serpientes de agua ordinarias locales del río Tíber, para representar las víboras retorcidas de Medusa, en línea con su objetivo de capturar el mundo tal como se veía y dibujar de la vida. El verde de las hojas y el telón de fondo contrastan fuertemente con la sangre escarlata de la cabeza picada, enfatizando el carácter brutal y visceral de la imagen.
La obra de arte fue enviada como regalo por el patrocinador del creador a Fernando I de Médici, Gran Duque de Toscana, y fue recibida favorablemente por la familia Medici, que la exhibió de manera prominente.
La llamada de San Mateo (1600)
| Fecha de finalización | 1600 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 60 cm x 55 cm |
| Ubicación actual | San Luigi dei Francesi, Roma |
El trabajo inicial significativo de Caravaggio en obras públicas fue pintar la pared lateral de la Capilla Contarelli en la catedral romana San Luigi dei Francesi. Se acompaña de dos piezas complementarias que representan varios incidentes de la vida de San Mateo, uno de los cuales es El martirio de San Mateo. Caravaggio presenta una escena del Evangelio de Mateo en la que Cristo, acompañado por San Pedro, invita al hombre de impuestos Mateo a convertirse en un seguidor de Cristo.
La identidad de Mateo ha sido identificada de manera diferente. La mayoría de las interpretaciones atribuyen a Mateo al personaje clave barbudo, cuyo movimiento, una mano con un dedo extendido que hace un gesto hacia su pecho, parece preguntar «¿quién, yo?» Otros han especulado que Mateo es el hombre más joven con la cabeza baja en el otro extremo de la mesa, lo que podría ser una ambigüedad intencionada. A esta pieza también se le ha dado una connotación política.
Graham-Dixon ve el retraso de San Mateo en levantarse del «sueño divino por la llegada de Cristo» como una referencia a la transformación del rey francés, completada alrededor de 1600, el año en que el monarca francés Enrique IV se casó con María de Médici.
La llamada de San Mateo (1600) de Caravaggio; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esta imagen ejemplifica dos de las características estilísticas del artista: sus representaciones de personas santas en la apariencia de los romanos modernos y su uso distintivo de la luz. Las personas en la mesa están disfrazadas como ciudadanos de las clases medias de principios del siglo 17, mientras que Jesús y San Pedro están vestidos más modestamente y descalzos; las características son naturalistas y no idealizadas.
El único indicio iconográfico del fondo sagrado de la escena es un halo de oro delgado y escorzado sobre la cabeza de Cristo, que está parcialmente oculto por el rayo diagonal de luz deslumbrante.
Debido a estas características, los críticos se indignaron con la obra de arte y acusaron al artista de sacrilegio. Aunque Caravaggio incluyó una ventana abierta prominentemente posicionada en la pintura, no da luz; más bien, el brillo emana más allá del marco de la imagen y se implica como un compañero sobrenatural de Cristo y las presencias celestiales de San Pedro.
Caravaggio empleó esta dramática fuente de luz para incluir el área de la capilla en la atmósfera de la pintura. Aunque su fuente no es aparente en la imagen, la fuente de luz superior derecha estaba destinada a vincularse a la iluminación natural de la capilla y era una extensión de la luz que emergía de un vidrio inmediatamente encima del altar de la iglesia. Como resultado, el artista estableció consistencia entre el escenario de la convocatoria de Mateo y la iglesia en la que se estableció.
El Entierro (c. 1604)
| Fecha de finalización | c. 1604 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 300 cm x 203 cm |
| Ubicación actual | Ciudad del Vaticano |
El Entierro fue creado para la catedral oratoria de Santa María en Vallicella en Roma. Los dolientes llevan el cuerpo de Cristo al lugar del entierro, con Juan el Evangelista sosteniendo el torso de Cristo y Nicodemo llevando las piernas de Cristo. Una angustiada María de Clopas, una llorosa María Magdalena y una Virgen María inclinada acompañan a Cristo a su entierro.
Los individuos se muestran con un realismo que expone su religEs una relevancia, como en el trabajo anterior de Caravaggio, y esto se ve reforzado por los tonos rojos y marrones de la imagen (característicos de la paleta de Caravaggio en el período), que ayudan a subrayar la normalidad terrenal de los participantes.
El diseño es probablemente influenciado por la Piedad del siglo 15 de Miguel Ángel en la Basílica de San Pedro, ya que el cuerpo sin vida de Cristo, el brazo caído y el torso y la cabeza en escorzo reflejan la postura de Cristo como se puede ver desde el frente de la estatua. La composición de la obra de arte está estructurada en una diagonal llamativa, con personas alineadas en una caída desde la esquina superior derecha hasta la esquina inferior izquierda.
El Entierro (c. 1604) de Caravaggio; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Cada figura representa el desarrollo del sentimiento en proporción a su lugar en la obra de arte. Los brazos extendidos y las anchas palmas de María de Clopas ocupan la cima de la diagonal, expresando su emoción inmediata de incredulidad y angustia por el asesinato de Cristo. La composición desciende entonces a una María Magdalena sollozante, con el rostro oculto a la vista; la cabeza resignada e inclinada de la Virgen María; y Nicodemo, trabajando bajo el peso de Cristo. Se vuelve para mirar a la audiencia como si preguntara: «¿Qué sigue?»
La pregunta ha sido respondida por Juan el Evangelista, quien se concentra en Cristo mismo, cuyo semblante de tranquilidad, calma e inevitabilidad de la muerte logra el arco emotivo de la imagen.
La imagen estaba destinada a ser colgada sobre un altar, y la tumba de piedra en la escena tiene forma y parece similar al altar. Como resultado, Caravaggio extiende la escena del entierro hacia el área de los adoradores, y la fuente frontal de luz mucho más allá del plano de la imagen parece emerger del altar mismo, una luz celestial de resurrección que energiza y trae esperanza a la escena funeraria de arriba.
La decapitación de San Juan (1608)
| Fecha de finalización | 1608 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 370 cm x 520 cm |
| Ubicación actual | Concatedral de San Juan, Valetta, Malta |
Este retablo para el Oratorio de San Giovanni Decollato es a menudo considerado como la mejor obra de Caravaggio. El «passaggio» de Caravaggio, un regalo que se presenta habitualmente al ser miembro de la Orden de los Caballeros de Malta, es ampliamente considerado como una de sus mejores obras. Esta imagen es notable ya que es la única obra firmada de Caravaggio. La firma del artista como «Fra Michael Angelo», una firma centrada que denota el nuevo rango social del artista como Miguel Ángel, Caballero de Malta, se filtra en la sangre que fluye desde el cráneo de John.
Los estudiosos han interpretado la marca de sangre de Caravaggio como un acto de remordimiento, con el artista confesando su culpabilidad y reconociendo su papel en la muerte de su compañero, el incidente que desencadenó su fuga y exilio de Roma.
La decapitación de San Juan (1608) de Caravaggio; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los personajes se agrupan estrechamente, como en otras pinturas de su época de Malta, dejando amplias franjas de espacio desocupado o menos lleno por encima y cerca del centro de la acción. Como resultado, a pesar de que el artista impregna a cada intérprete con un sentimiento o reacción distinta, la individualidad está subyugada a la representación colectiva del momento culminante. La anciana es la única figura de la fotografía que expresa una emoción significativa. El tenebrismo de la artista proyecta gran parte de su rostro en la sombra, pero Caravaggio enfatiza sus manos, que le agarran la cabeza con miedo.
La contrapartida emocional del pacífico y difunto San Juan, y, por poder, de la quietud de los actos de testimonio que caracterizan al resto de los personajes, es la anciana.
Preguntas Frecuentes
¿Por qué fueron famosas las pinturas de Caravaggio?
Caravaggio sorprendió a sus contemporáneos al presentar a los mártires y heroínas del cristianismo los cuerpos y rostros de sus asociados y amantes. Expresó sus deseos personales y dificultades espirituales a un grado que nadie había creído posible. Era conocido por su uso de técnicas como el tenebrismo y el claroscuro.
¿Qué arte creó Caravaggio?
Creó arte espiritual y secular. Caravaggio fue el primero de los artistas barrocos italianos en adoptar el claroscuro como una característica estética prominente, intensificando las sombras y desplegando ejes de luz claramente definidos para la intensidad y para mejorar la historia de la pintura. La técnica se hizo más frecuente en sus obras posteriores, y desde entonces se ha relacionado con sus imágenes más maduras.
