El artista francés Georges Braque fue un pionero del cubismo, un movimiento artístico innovador. Las pinturas de Georges Braque se centraron en bodegones y formas de percibir elementos desde diferentes puntos de vista utilizando líneas, colores y texturas a lo largo de su vida. El estilo cubista de George Braque se puede observar en sus obras como Violín y candelabro (1910) y Casas en Estaque (1908). Hoy exploraremos la biografía de Georges Braque, así como sus obras de arte más famosas.
Biografía de George Braque
| Nacionalidad | Francés |
| Fecha de nacimiento | 13 de mayo de 1882 |
| Fecha de fallecimiento | 31 de agosto de 1963 |
| Lugar de nacimiento | Argenteuil, Francia |
A pesar de que George Braque comenzó como un representante del movimiento fauvismo, no sería hasta que se encontró con Pablo Picasso que en realidad comenzó a crear con una estética cubista. Mientras que sus obras de arte tenían muchos puntos en común en la paleta, la moda y el material de origen, Braque afirmó que su práctica, a diferencia de la de Picasso, estaba «desprovista de crítica iconológica» y estaba involucrada únicamente con el espacio visual y la estructura.
En sus creaciones, Braque persiguió la armonía y el equilibrio, particularmente a través de papier collés, un método de collage de papel cortado y pegado inventado por Braque y Picasso en 1912.
Fotografía de Georges Braque tomada en 1908, publicada en Gelett Burgess, «The Wild Men of Paris», Registro arquitectónico, mayo de 1910; Fotógrafo no identificado, anónimo, de dominio público, vía Wikimedia Commons
Braque llevó el collage a un nivel aún más alto al unir anuncios recortados en sus obras de arte. Esto presagiaba movimientos de arte moderno involucrado con la crítica de los medios, por ejemplo, el arte pop. Para lograr niveles más altos de dimensión en sus obras de arte, Braque grabó letras en ellas, mezcló tonos con arena y replicó el grano de madera y el mármol.
Sus bodegones son tan conceptuales que rayan en convertirse en formas que transmiten la naturaleza esencial de los objetos vistos en lugar de representaciones específicas.
Niñez
Georges Braque fue alentado a usar métodos de pintura imaginativa desde una edad temprana. Su padre dirigía una empresa de pintura decorativa, y la curiosidad de Braque sobre la textura y la retroalimentación táctil puede haber surgido de su tiempo trabajando como decorador para él. A la edad de 17 años, Braque se mudó de Argenteuil a París con sus amigos Raoul Dufy y Othon Friesz en 1899.
Se formó con un diseñador de interiores en París y en 1902 recibió su certificado.
Formación temprana
Las primeras obras de Braque fueron a la manera fauvista. De 1902 a 1905, después de dejar su trabajo como diseñador de interiores para explorar la pintura a tiempo completo, experimentó con conceptos fauvistas y colaboró con Henri Matisse. Realizó su primera exposición de arte en el Salon des Indépendants en 1906, donde mostró sus creaciones fauvistas de colores brillantes.
Sin embargo, un viaje al taller de Pablo Picasso en 1907 para ver la obra innovadora de Picasso, Les «Demoiselles d’Avignon», tuvo un profundo efecto en él. Después de su encuentro, los dos artistas formaron una amistad y compañerismo artístico.
«Nos reuníamos todos los días para debatir y probar los conceptos que comenzaban a formarse, y para hacer comparaciones de nuestras diversas creaciones», explicó Braque. Picasso es directamente responsable del cambio dramático en el estilo de pintura de Braque. Braque tenía como objetivo reforzar «los componentes positivos y productivos en sus creaciones mientras abandonaba los extremos expresionistas del fauvismo» una vez que comprendió los objetivos de Picasso.
Louis Vauxcelles, un crítico de arte francés, acuñó el término cubismo después de definir las pinturas de Georges Braque como «bizarreries cubiques».
Durante este período productivo de antes de la guerra, Braque (junto con Picasso) hizo avances significativos en el arte moderno, especialmente a través de su investigación del cubismo, a través de las fases analítica y sintética del movimiento.
Período de madurez
Picasso y Artista francés Braque colaboró hasta el regreso de Braque de la guerra en 1914. Cuando Picasso comenzó a pintar figurativamente, Braque sintió que su compañero había faltado el respeto a sus procesos y pautas cubistas, y siguió su propio camino. Sin embargo, se vio impactado por las obras de Picasso, especialmente el papel collés, un enfoque de montaje inventado por ambos creativos en el que solo se utiliza papel pegado.
Sus collages estaban llenos de formas geométricas tLos sombreros fueron rotos por instrumentos musicales, frutas o muebles. Estas esculturas eran tan tridimensionales que se consideran cruciales en el desarrollo de la escultura cubista.
Braque había agotado sus experimentos de papel collés en 1918 y había vuelto a pintar bodegones. El público comenzó a notar una paleta mucho más limitada en la primera exposición individual de posguerra de Braque en 1919. Sin embargo, se adhirió firmemente a las reglas cubistas con respecto a la representación de objetos desde diferentes puntos de vista en formas geométricamente modeladas.
En este sentido, siguió siendo un verdadero cubista durante un período de tiempo más largo que Picasso, cuya estética, temática y paleta de colores cambiaban regularmente.
Braque estaba más interesado en demostrar cómo aparecen los objetos cuando se ven en varias áreas temporales y planos visuales a lo largo del tiempo. A lo largo de la década de 1920, gravitó hacia la producción de decorados y vestuario para representaciones de teatro y danza como resultado de su dedicación a representar el espacio de múltiples maneras.
Últimos años y muerte
En 1929, Braque regresó a pintura de paisajes, esta vez utilizando nuevos colores brillantes inspirados en Matisse y Picasso. Luego, en la década de 1930, Braque comenzó a representar héroes y dioses griegos, afirmando que los sujetos se habían separado de su simbolismo y debían verse únicamente a través de una lente formal. Llamó a estas obras de arte «ejercicios de caligrafía», posiblemente porque estaban menos preocupadas por las figuras y más por la línea y la forma puras.
Durante la segunda mitad de la década de 1930, Braque comenzó a crear su secuencia Vanitas, en la que reflexionaba sobre el sufrimiento y la muerte desde un punto de vista introspectivo.
Se obsesionó progresivamente con la fisicalidad de sus obras de arte, experimentando con diferentes pinceladas y cualidades de pintura para aumentar su tema. Los objetos en sus bodegones eran muy personales para Braque, pero nunca reveló sus significados. Las calaveras, por ejemplo, eran objetos que pintaba regularmente al comienzo de la Segunda Guerra Mundial.
Fotografía de un Georges Braque mayor; Archivos Nacionales de Brasil, dominio público, vía Wikimedia Commons
Cuando la Segunda Guerra Mundial terminó en 1944, Braque comenzó a centrarse en temas más ligeros como mesas de billar, flores y asientos de jardín. Su serie final de ocho lienzos completados entre 1948 y 1955, presentaba ilustraciones que simbolizaban los sentimientos más profundos del artista en cada elemento en lugar de referencias externas. Cerca del final de su vida, Braque representaba a las aves regularmente como una representación perfecta de su fijación con el medio ambiente y el movimiento.
Braque es reconocido como un antepasado del cubismo, cuyas pinturas de naturaleza muerta eran tanto racionales como sensuales.
En este contexto, fue un pintor clásico que impactó a artistas como Wayne Thiebaud y Jim Dine, que se especializó en la pintura de bodegones. También fue un colorista consumado, y su impacto se puede ver en el trabajo de artistas contemporáneos que usan el color de manera similar. Quizás Braque es mejor conocido por su uso del collage, que es utilizado por muchos artistas modernos, desde artistas como Mark Bradford hasta escultores como Jessica Stockholder, para comentar directamente sobre la cultura y sus productos.
El estilo cubista de George Braque
Las obras de arte de Braque de 1908 a 1912 reflejaron su nuevo interés en la geometría y la perspectiva concurrente. Inició un estudio de los efectos de la iluminación y la perspectiva, así como los medios que los artistas utilizan para retratar estos efectos, pareciendo cuestionar las normas artísticas más básicas. En sus imágenes rurales, por ejemplo, Braque redujo regularmente un estilo arquitectónico a una forma geométrica que se asemeja a un cubo mientras representaba su sombreado de tal manera que parecía plano y tridimensional al fracturar la imagen. Esto se representa en la pintura Casas en Estaque (1908).
A partir de 1909, comenzó a colaborar estrechamente con Picasso, quien estaba trabajando para desarrollar un estilo protocubista comparable.
The Armory Show en la Exposición Internacional de Arte Moderno, el Instituto de Arte de Chicago (24 de marzo – 16 de abril de 1913). La sala cubista con El violín de Georges Braque; Fotógrafo anónimo. Disparado hace 100 años., Dominio público, vía Wikimedia Commons
Pablo Picasso fue impactado por Gauguin, Cézanne, las máscaras africanas y la escultura ibérica en ese momento, mientras que Braque estaba principalmente interesado en mejorar los conceptos de Cézanne de diferentes puntos de vista. Un estudio comparativo de las creaciones de Picasso y Braque de 1908 revela que su encuentro con Picasso se aceleró e intensificóed La investigación de Braque de los conceptos de Cézanne en lugar de desviar su pensamiento de manera significativa.
La frase «cubismo» rápidamente se hizo popular, pero Picasso y Braque tardaron en adoptarla.
El cubismo, según el historiador del arte Ernst Gombrich, fue el intento más drástico de eliminar la ambigüedad e imponer una interpretación de la imagen de una construcción hecha por el hombre, un lienzo de color. La estética cubista se extendió rápidamente por París y luego por Europa. A pesar de que Braque comenzó su carrera creando paisajes, él y Picasso se dieron cuenta del valor de pintar bodegones en 1908.
Braque aclaró que comenzó a enfocarse en los bodegones porque tienen un espacio táctil, tal vez pueda decir manual. Esto satisfizo su deseo de tocar las cosas en lugar de simplemente mirarlas. En el espacio táctil, calculas la longitud entre tú y el objeto, mientras que en el espacio visual, calculas la distancia entre las cosas. Esto es lo que me llevó del paisaje a la naturaleza muerta hace tanto tiempo». La naturaleza muerta también era más visible en términos de punto de vista que un paisaje, lo que permitía al pintor ver el objeto desde varios ángulos. Durante la década de 1930, la participación temprana de Braque en bodegones se reavivó.
Durante el período de entreguerras, Braque mostró un estilo de cubismo liberalizado y más relajado, enfatizando el color y una representación más suave de los artículos. Se quedó, sin embargo, dedicado a la técnica cubista de la perspectiva concurrente y la segmentación.
A diferencia de Pablo Picasso, que reinventaba constantemente su técnica pictórica, generando visuales tanto representacionales como cubistas e integrando conceptos surrealistas en sus obras, Braque se mantuvo fiel a la estética cubista, creando bodegones iluminados y de otro mundo y configuraciones de figuras. Cuando murió en 1963, fue considerado como uno de los estadistas más antiguos de la Escuela de París y del arte moderno.
Pinturas de Georges Braque
Braque presumió que un artista experimenta la perfección en términos de volumen, línea, peso y volumen y que percibe su percepción subjetiva a través de esa belleza. Caracterizó objetos que habían sido fracturados en fragmentos como un método para acercarse al objeto. La fragmentación me ayudó a establecer el espacio y el movimiento en el espacio. Eligió una paleta monocromática y neutra con la intención de que llamara la atención del espectador sobre el tema.
Casas en Estaque (1908)
| Fecha de finalización | 1908 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 40 cm x 32 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte, Berna |
Esta obra de Braque fue rechazada en 1908 del Salon d’Automne. Henri Matisse informó a Louis Vauxcelles en ese período: «Braque acaba de presentar una obra de arte producida con pequeños cubos». Las palabras de Matisse fueron transmitidas por el crítico Charles Morice, quien también mencionó los pequeños cubos de Braque.
El tema del viaducto de l’Estaque había influido en Braque para crear tres obras de arte caracterizadas por la simplicidad de la forma y la deconstrucción del punto de vista. Las pinturas creadas por Braque durante el verano de 1908 en l’Estaque son consideradas como las primeras pinturas cubistas.
Después de ser rechazados por el Salon d’Automne, tuvieron la suerte de ser mostrados en la galería de París de Daniel-Henri Kahnweiler ese otoño. Estas sencillas obras de arte de paisaje demostraron el compromiso de Braque con la disección de imágenes. Es una obra de arte protocubista en la que se ilustran árboles y casas cézannas sin una sola perspectiva unificada.
Aun así, las casas en el fondo parecen más pequeñas que otras en primer plano, lo que es uniforme con la perspectiva clásica. Apollinaire no señala nada sobre las obras de arte en exhibición, pero sí menciona «los motivos sintetizados que le gusta pintar» y que «ya no necesita dar nada a su entorno».
Braque fue descrito por Vauxcelles como un hombre audaz que desdeña la forma, «reduciendo todo, ubicaciones y figuras y casas, a esquemas dimensionales, a cubos».
Violín y candelabro (1910)
| Fecha de finalización | 1910 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 60 cm x 50 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno de San Francisco |
El cubismo analítico, una estética artística innovadora encabezada por Georges Braque y Picasso para retratar artefactos tridimensionales en una superficie aplanada sin el uso de la perspectiva renacentista convencional, se encarna en esta obra. Las formas interpretadas se subdividen, fragmentan, aplastan y luego se recrean en diferentes perspectivas dentro de un espacio superficial en este enfoque teórico de la pintura. Este tipo de fragmentaciónion, según Braque, es un método para acercarse al objeto.
La fascinación de Georges por la forma y la consistencia dio como resultado «Violín y candelabro», que fue motivado por el deseo de dar al espectador la impresión de poder moverse libremente dentro de la obra de arte.
Para lograr esto, el pintor armturizó a los sujetos en el centro de una cuadrícula y usó colores en tonos tierra para cubrir los límites de los objetos delineados en negro. Al hacerlo, fue capaz de transformar volúmenes estáticos en superficies compuestas sostenidas en un plano plano, permitiendo a los espectadores disfrutar más de la forma que desde cualquier otro ángulo.
Reconocer y comprender hábilmente los efectos de la luz para evocar las respuestas emocionales adecuadas y los efectos de los sujetos también fue un parámetro crítico en «Violín y candelabro» de Braque.
Los accesorios de naturaleza muerta (algunos distinguibles, otros no) se agrupan hacia el centro de una armadura en forma de cuadrícula en esta pieza. Al abrir y cubrir los límites de los elementos con contornos negros, y al utilizar los mismos colores en tonos tierra en toda la pintura, Braque unió los objetos y el fondo. Remodeló los volúmenes en la naturaleza muerta para adaptarse a sus numerosas superficies en un plano plano, permitiendo a la audiencia percibir más de la forma de lo que sería factible desde un solo punto de vista.
Los portugueses (1911)
| Fecha de finalización | 1911 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 116 cm x 81 cm |
| Ubicación actual | Kuntsmuseum, Basilea |
Los portugueses representan un interesante punto de inflexión en la evolución de las pinturas de Braque. Estampó las letras «D BAL» y números romanos en la parte superior derecha. A pesar de que incluiría letras y números en un bodegón en 1910, eran un componente verdaderamente representativo de la pintura. Los números y las letras son únicamente una inclusión estilística en esta pieza.
Las intenciones de Braque para agregar las letras son variadas, pero la mayoría de ellas eran llamar la atención del espectador sobre el lienzo en sí.
El lienzo en las pinturas representativas sirve solo como sustrato para contener cualquier impresión que el pintor desee. Al incorporar números, componentes fuera de contexto y textura, la audiencia se da cuenta de que la pintura también puede contener elementos externos, tratando de hacer que la superficie de la obra de arte sea tan crucial como lo que se coloca encima de ella.
Clarinete y botella de ron en la pieza del manto (1911)
| Fecha de finalización | 1911 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 81 cm x 60 cm |
| Ubicación actual | Tate Museum, Reino Unido |
La obra representa una amplia gama de formas geométricas superpuestas para formar la silueta en ángulo recto de una repisa de la repisa vista desde varias perspectivas. El vívido título de la obra de arte atrae la atención de la audiencia hacia los objetos que se muestran en la pieza, y la percepción de intoxicación afiliada a la botella de ron, representada por las letras «RHU», sirve para reflejar el encuentro desorientador de verla. Esta composición demuestra claramente el interés de Braque por los temas musicales.
Además, el cabezal de un violonchelo se puede ver en la parte inferior derecha de la pieza, junto con una pizca de formas que se parecen a las notas musicales y las claves agudas y graves.
El cuerpo de trabajo de Braque de 1908 a 1912 se parece mucho al de su más famoso Pablo Picasso, y este aspecto específico fue pintado mientras el pintor estaba de vacaciones con Picasso en los Pirineos franceses.
Esta obra de arte presenta un arreglo con muchas características asociadas con el movimiento cubista que Braque y sus colegas iniciaron.
Botellas y pescados (1912)
| Fecha de finalización | 1912 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 61 cm x 75 cm |
| Ubicación actual | Tate Museum, Reino Unido |
A lo largo de su carrera artística, Braque representó tanto botellas como pescados, y estos objetos sirven como características distintivas entre sus diversos estilos. Bottles and Fishes es un gran ejemplo de las exploraciones de Georges Braque en el cubismo analítico mientras colaboraba con Picasso.
La paleta restringida de tonos tierra distintiva en esta pintura representa objetos casi imperceptibles a medida que se desmoronan a lo largo del plano horizontal. Aunque todavía se pueden observar líneas diagonales, las primeras obras de Braque eran en su mayoría de naturaleza vertical u horizontal.
Preguntas Frecuentes
¿Quién era Georges Braque?
Georges Braque, un artista francés, fue uno de los fundadores del cubismo, un pionero movimiento artístico. A lo largo de su vida, las pinturas de Georges Braque se centraron en bodegones y varias formas de percibir objetos utilizando líneas, colores y texturas. En obras como Violín y candelabro (1910) y Casas en Estaque (1908), se puede ver el estilo cubismo de George Braque.
¿Qué es el cubismo?
El término cubismo se hizo popular rápidamente, pero Picasso y Braque tardaron en aceptarlo. El cubismo fue el intento más extremo de eliminar la ambigüedad e imponer una sola interpretación de una estructura hecha por el hombre, un lienzo de colores. La estética cubista se extendió rápidamente por París y luego por Europa. A pesar de que Braque comenzó su carrera pintando paisajes, él y Picasso se dieron cuenta de la importancia de la pintura que aún vive en 1908.
