Los artistas siempre han sido personajes excéntricos con imaginación salvaje a lo largo del tiempo. Sin embargo, debido a que la mayoría de las obras se encargan, rara vez se alejan de los temas normales por los que se les paga por producir y se adentran en el fascinante mundo de las obras de arte extrañas. Si el arte normal nos refleja la realidad, entonces el arte extraño refleja un lado de la vida y la imaginación humana que rara vez echamos un vistazo. Sin embargo, estas extrañas piezas de arte no solo son ampliamente conocidas, sino que también se celebran junto con las otras obras de arte más normales creadas por los Maestros.
Las obras de arte más extrañas del mundo
Hemos recopilado una lista de las obras de arte más extrañas que se han creado a lo largo de la historia. Estas extrañas obras de arte han capturado la curiosidad de la humanidad y han revelado que el arte puede ser extraño, extraño y humorístico. Comencemos nuestra exploración de estas obras de arte increíblemente extrañas.
El díptico de Melun (1452) de Jean Fouquet
| Fecha de creación | 1452 |
| Medio | Óleo |
| Dimensiones | 93 cm x 85 cm por panel |
| Ubicación | Museo Real de Bellas Artes |
Esta obra maestra de finales de la Edad Media se encuentra entre las representaciones más poco convencionales de la Virgen María en la historia artística. Etienne Chevalier encargó a Jean Fouquet la producción de este díptico. El patrón se representa junto a San Esteban, en el panel izquierdo. Esa es una sección realmente básica. Por el bien de este artículo, nos concentraremos en el otro panel más interesante, generalmente conocido como Madonna rodeada de serafines y querubines.
El díptico de Melun (1452) de Jean Fouquet; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Esta imagen es a la vez sorprendente e inusual, y no solo por los querubines extrañamente encantadores y las criaturas aladas que rodean a María o al niño Jesús. En varios aspectos, Fouquet se desvió de los precedentes aquí. Uno de los aspectos más notables de su obra es su representación de la Virgen María y la dama que actuó como su súbdito. No es un problema que María sea representada como la Reina del Cielo, como lo indican su trono y atuendo.
Lo que es extraño es que parte de su pecho se revela, lo que resulta en una imagen sensual y sexual de una figura normalmente casta. ¡Imagínese lo sorprendidos que deben haber estado los espectadores en el siglo 15! La idea de que el súbdito de Fouquet era probablemente la amante del rey, Agnes Sorel, no ayudó a las cosas. El atractivo de Sorel tuvo un efecto en el monarca, lo que la llevó a convertirse en su amante.
Fouquet ha captado esa perfección en esta obra de arte, desde la forma en que su atuendo de moda complementa su físico hasta su tez impecable y su aspecto sumiso, ejemplifica el estándar perfecto de belleza.
Díptico Melun de Jean Fouquet, panel dos: Virgen con el Niño rodeado de ángeles (c. 1452-1455); Jean Fouquet, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El pecho de Sorel, según el folclore, era particularmente atractivo. Ella era más que una amante que le dio al Rey múltiples hijos. También fue considerada como una valiosa asesora. Durante una guerra desastrosa, explotó su belleza para obtener el apoyo financiero de los señores ricos, ayudando a Francia a mantener sus fronteras.
Para mostrar su aprecio, el rey legalizó a sus tres hijos y la elevó a la posición de amante real.
La posición vino con una gran cantidad de beneficios, junto con un estipendio, cuartos privados y un asiento prominente en la corte. Como es de esperar, los líderes religiosos y el propio hijo del Rey no estaban contentos. Desafortunadamente, la embarazada Sorel murió poco después, muy probablemente como resultado de la intoxicación por contaminación por mercurio.
El jardín de las delicias terrenales (c. 1505) por Hieronymus Bosch
| Fecha de creación | 1505 |
| Medio | Panel de aceite sobre roble |
| Dimensiones | 220 cm x 389 cm |
| Ubicación | Museo Nacional del Prado, Madrid |
La obra notoria probablemente fue encargada para el Palacio Coudenberg por el Conde de Nassau. Representa el origen bíblico y el destino de la humanidad, tal como lo forjan nuestros propios defectos fatales, desde el exterior hasta los paneles interiores. La narración comienza en los paneles exteriores, donde El Bosco dibujó una representación monocromática del Tercer Día del Comienzo de la Tierra.
Creación en las persianas exteriores de Tríptico de Hieronymus Bosch El Jardín de las Delicias Terrenales (c. 1490-1510); Hieronymus Bosch, Dominio público, vía Wikimedia ComMons
La esfera medio vacía representa la génesis del Edén cuando las aguas del globo parecen vaciarse y dividirse. Dios está sentado en la esquina superior derecha, observando su última creación. Cuando se abren los paneles exteriores, se revelan tres paneles de colores vivos que ilustran un motivo similar: los vicios.
Mientras miras a tu alrededor, lo más probable es que concluyas que Bosch ha producido una visión de un pandemonio humano. Los paneles izquierdo y central tienen la misma línea de horizonte que lleva su mirada a través del Edén.
El Jardín de las Delicias Terrenales (c. 1505) por Hieronymus Bosch; Hieronymus Bosch, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En los cielos, verás gente montada en una quimera de león cisne. En la Tierra, somos testigos de individuos que se entregan a una variedad de comportamientos extraños en una variedad de lugares extraños; dos figuras se colocan en el interior de una cáscara, otras dos están cara a cara encaramadas en su cabeza, o simplemente descansando en un elemento extrañamente parecido a un huevo. Luego, en el panel derecho, todo el infierno se desata, metafóricamente hablando.
En comparación con la obra de arte del Bosco, la mayoría de las representaciones de las profundidades ardientes son muy suaves. En la parte superior, vemos una metrópolis sombría, iluminada por los fuegos que arrasan a su alrededor. Si te atreves a mirar más abajo, verás un par de orejas con un cuchillo asomando en ellas, personas que buscan seguridad y todo tipo de monstruos extraños devorando humanos.
Muchos de estos motivos se derivan directamente de los Siete Pecados Capitales, lo que con frecuencia nos hace suponer que el consumo excesivo y el consumismo eventualmente conducen a nuestra mortalidad.
La duquesa fea (1513) de Quinten Massys
| Fecha de creación | 1513 |
| Medio | Aceite sobre roble |
| Dimensiones | 62 cm x 45 cm |
| Ubicación | National Gallery, Londres |
Los eruditos pensaron que este ejemplo de arte extraño fue un comentario sarcástico durante décadas. La señora frente a nosotros está disfrazada de tentadora envejecida. Ella agarra un capullo de rosa en su mano derecha, que tiene sus connotaciones sexuales inherentes. Su corpiño escotado revela su pecho arrugado, enfatizando la referencia de Massys a los placeres del cuerpo. Otro indicio es su sombrero en forma de corazón, que se asemeja a cuernos malvados. En cuanto a la ropa, el pintor ha decidido mostrarla en los opulentos atuendos y joyas asociadas con la élite adinerada. Sin embargo, en la fecha en que fue representada, ese atuendo había estado fuera de moda durante unos cien años.
En última instancia, parece que esta pintura se burla de los ancianos y los poco atractivos por su conducta.
Una anciana («La duquesa fea») (1513) de Quinten Massys; Quinten Metsys, dominio público, vía Wikimedia Commons
Actualmente sabemos, debido a la ciencia, que esta no es la historia completa. Una investigación reciente de la imagen reveló que esta mujer tenía etapas avanzadas de la enfermedad de Paget, que causa deformidades óseas. Sus fosas nasales inusualmente curvadas, la nariz presionada, el labio superior estirado y las clavículas y cejas expandidas son todas manifestaciones de esto. Leonardo da Vinci produjo varios estudios de cráneos grotescos, que muy probablemente intercambió con Massys. Debido a sus similitudes con dos de los bocetos de da Vinci, anteriormente se pensaba que La duquesa fea era un da Vinci desaparecido.
Sin embargo, lo más probable es que Massys proporcionara a da Vinci un duplicado de esta imagen, que sus estudiantes luego reprodujeron y cambiaron.
El horticultor (1590) de Giuseppe Arcimboldo
| Fecha de creación | 1590 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 36 cm x 24 cm |
| Ubicación | Museo Civico Ala Ponzone, Cremona, Italia |
La mayoría de la gente no está familiarizada con el nombre Giuseppe Arcimboldo. Sus obras, sin embargo, son bastante inusuales para un Pintor renacentista. A pesar de su manera poco convencional, el arte de Arcimboldo llegó a asociarse con el manierismo y la preocupación renacentista por los acertijos, los misterios y lo extraño y anormal. Tal vez por eso los emperadores Maximiliano II y Rodolfo II pusieron varias de sus extrañas piezas de arte al Kunstkammer. La obra de arte de Arcimboldo, The Vegetable Gardener, ciertamente califica como una maravilla.
El horticultor (1590) de Giuseppe Arcimboldo; Giuseppe Arcimboldo, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Las obras de Arcimboldo son retratos compuestos, lo que significa que meticulosamente colocó varios elementos pero categóricamente conectados en la apariencia de un busto humano. El efecto general es un fantástico, perfectamente balMetáfora de muchas cosas, incluidas las estaciones, los materiales e incluso los trabajos. Arcimboldo construye una figura a partir de varias verduras, coronada con un tazón negro, en The Vegetable Gardener, claramente destinada a reflejar las tareas del jardinero. Lo verdaderamente fascinante de este es que pertenece a una categoría conocida como «cabezas reversibles».
Cuando le damos la vuelta a la imagen, obtenemos un bodegón más típico con un plato de verduras. Una vez que lo has visto al revés, ¡es difícil darle la vuelta y verlo normalmente de nuevo!
Gabrielle d’Estrées y una de sus hermanas (1594) de Francois Clouet
| Fecha de creación | 1594 |
| Medio | Pintura al óleo sobre panel de roble |
| Dimensiones | 125 cm x 96 cm |
| Ubicación | Habitación 824, Centro de París |
Bañarse con hermanos es generalmente algo que consideramos adecuado para niños pequeños, pero después de una edad en particular, es simplemente extraño. Esta extraña imagen refuta esa teoría a primera vista. El brazo extendido y el pellizco del pezón de la duquesa de Villars implican un comportamiento bastante travieso por parte de su hermana. Incluso las cortinas de arriba están divididas de una manera que sugiere un escenario, dando al espectador la impresión de ser un Tom que mira.
Gabrielle d’Estrées y una de sus hermanas (1594) de Francois Clouet; Autor desconocido Autor desconocido (Escuela de Fontainebleau), Dominio público, vía Wikimedia Commons
Si bien muchas personas han visto durante mucho tiempo esta obra de arte como una pieza fetichista de arte homo-erótico, la historia nos dice que debemos sacar la cabeza de la cuneta. Gabrielle, la pellizcada, era la amante del rey Enrique IV. Sorprendentemente, muchos eruditos leyeron la acción de las duquesas como la declaración de Gabrielle de que ella está llevando al hijo del rey.
En este escenario, apretar el pezón no es tan malo como parece. Sorprendentemente, implica fertilidad en este contexto, que se enfatiza por la dama que cose prendas de bebé en el telón de fondo.
Medusa (c. 1598) por Caravaggio
| Fecha de creación | c. 1598 |
| Medio | Pintura al óleo |
| Dimensiones | 60 cm x 55 cm |
| Ubicación | Galería de los Uffizi, Florencia, Italia. |
¡Medusa, echa un vistazo a la cabeza decapitada de la gorgona! Medusa es probablemente conocida como la hermosa mujer con serpientes vivas para el cabello o su poder para convertir a los humanos en piedra a primera vista. Eso fue hasta que Perseo la decapitó con un escudo prestado por Atenea.
Lo inusual de esta pintura no es simplemente que Caravaggio utilizó un sujeto masculino joven o que se creó en un escudo real, sino también el tiempo en la historia que el artista destaca.
Medusa (c. 1597/1598) de Caravaggio; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Según la leyenda, el escudo espejado dado a Perseo no solo le permitió ver el reflejo de Medusa, sino que también le permitió verse a sí misma una última vez. Dado que su cabeza ya no está ligada a su cuerpo, estamos seguros de que sus últimos minutos de autorreflexión incluyeron algunas revelaciones menos que agradables.
Con el contexto en su lugar, el arte de Caravaggio ofrece un reflejo intrigante, aunque horrible, de los últimos minutos de Medusa.
Magdalena Ventura con su marido y su hijo (1631) de Jusepe de Ribera
| Fecha de creación | 1631 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 212 cm x 144 cm |
| Ubicación | Museo del Louvre |
Reanudaremos nuestro inusual y extraño viaje con una pintura de dos hombres. ¡Adivina una vez más! ¡La dama en el frente es en realidad la mujer barbuda de Abruzzi! El género es un término flexible para la mayoría de las personas actualmente. Si bien podemos creer que este es un concepto novedoso, la obra de Arte de Jusepe de Ribera puede sugerir de manera diferente. Nuestra señora, Magdalena, no era una amante de los estándares de belleza del período renacentista. Como resultado, violó sus estándares y estableció los suyos propios.
Sorprendentemente, esto la hizo bastante conocida. De hecho, el virrey de Nápoles quedó tan impresionado con ella que le pidió a Ribera que le hiciera una foto.
Magdalena Ventura con su marido y su hijo (1631) de Jusepe de Ribera; Jusepe de Ribera, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Mientras su pecho parece estar fuera de forma, Ribera la dibuja amamantando a su hijo para demostrar que es físicamente una mujer. Mientras tanto, sus rasgos faciales, perilla y físico fuerte contrastan el trabajo femenino con una apariencia machista. Su rica cLa ropa oloreada incluso se refiere a una forma masculina, como si evocara una impresión de una figura bíblica. El esposo de Magdalena está parado en las sombras más allá de ella, luciendo mucho más viejo y frágil.
Sus características y ubicación sugieren que la fama de Magdalena eclipsa la de su marido, dando la vuelta al equilibrio matrimonial tradicional.
Saturno devorando a su hijo (1823) de Francisco Goya
| Fecha de creación | 1823 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 143 cm x 81 cm |
| Ubicación | Museo Nacional del Prado, Madrid |
Las diosas y los dioses se muestran típicamente como el ideal de belleza, incluso en sus circunstancias más desagradables. Aquí viene Francisco Goya! Con esta representación de Saturno, se desvió de la convención. Antes de entrar en él, echemos un vistazo a la historia de fondo de esta obra de arte.
Según la leyenda, el titán Saturno fue predicho a través de la profecía de que uno de sus hijos lo reemplazaría y tomaría su dominio. Saturno, como era de esperar, no era un fanático de la noción. Disfrutaba de su autoridad y deseaba preservarla. Saturno se comió a uno de sus hijos como resultado. Sin embargo, Saturno no tenía idea de que su esposa, Rei, había ocultado a su hijo menor, Zeus. Al final, Zeus triunfó contra los gigantes.
Goya probablemente estaba estudiando los impactos del poder en la humanidad en el momento en que produjo este mural, así como otros, en las paredes interiores de su casa, la Quinta del Sordo. Este, extrañamente, fue colocado en la pared del comedor.
Saturno devorando a su hijo (1823) de Francisco Goya; Francisco de Goya, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Goya ha pintado una escena increíblemente sombría aquí que retrata el efecto de lo que es básicamente los egos en nuestra propia conducta, que se representa como este ejemplo de obras de arte extrañas. Ha dibujado a Saturno como un monstruo parecido a un duende, algo que la mayoría de nosotros consideraríamos subhumano como si transmitiera ese poder también afecta nuestra apariencia. Saturno no parece ser poderoso o divino; mientras que él es elevado, sus extremidades parecen ser frágiles y retorcidas. Sus ojos frenéticos y su comportamiento harapiento indican su esfuerzo por retener sus últimos jirones de integridad frente al cruel acto de devorar a los propios hijos.
Dante y Virgilio en el infierno (1850) de William Adolphe-Bouguereau
| Fecha de creación | 1850 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 281 cm x 225 cm |
| Ubicación | Musée d’Orsay, París |
A continuación hay una obra de arte sombría pero extrañamente intrigante del lado más oscuro de la Periodo romántico. William Adolphe Bouguereau, un Artista francés, se inspiró en una página del Infierno de Dante, con un entorno magnífico: el octavo círculo del infierno apropiadamente apartado para los rechazadores y falsificadores. Eso parece bastante bueno. Eso es hasta que notes el sonriente murciélago-demonio flotando sobre sus cabezas, o el extraño montículo de cuerpos en el telón de fondo, o las dos personas rompiéndose entre sí.
Cappuccio, un alquimista y hereje, y Gianni Schinni, quien supuestamente asumió el nombre de otro hombre para adquirir su dinero, son los dos luchadores.
Dante y Virgilio en el infierno (1850) de William-Adolphe Bouguereau; William-Adolphe Bouguereau, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Estos dos hombres se inspiraron en personas reales que fueron condenadas a muerte por los delitos antes mencionados. Dante era consciente de esas historias y optó por incorporarlas, junto con muchas más, en su poema épico. Dante y Virgilio están detrás de Schinni y Cappochio. Dante observa cómo se aleja de su compañero Virgilio. Si miras con atención, verás que Virgilio está mirando a un lado, como si hubiera sido testigo de cosas mucho más horribles que el ataque de vampiro frente a él.
Sorprendentemente, la obra de bougueareau fue aclamada como una obra maestra de los métodos de pintura tradicionales.
Estudio según el Retrato del Papa Inocencio X de Velázquez (1953) de Francis Bacon
| Fecha de creación | 1953 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 153 cm x 118 cm |
| Ubicación | Centro de Arte de Des Moines, Des Moines |
Es improbable que alguna vez seas testigo de una persona majestuosa como el Papa gritando en público. Afortunadamente, Francis Bacon ha convertido esa hermosa visión en vida para nosotros. Durante la década de 1950, el interés de Bacon cambió de animales fantasiosos a retratos poco ortodoxos. Esta es la interpretación de Bacon de Diego Velázquez Retrato of Papa Inocencio X desde 1650. Francis Bacon aparentemente tuvo la oportunidad de ver su motivación en la realidad, pero nunca lo hizo. Se quedó con réplicas de la imagen icónica, creyendo que le daría más libertad artística en su propio trabajo. Ese permiso era bastante amplio. Bacon frecuentemente mezclaba imágenes de varias fuentes.
Para esta pintura, mezcló características del retrato meticulosamente creado de Velázquez, como el asiento dorado, su actitud sentada y las túnicas.
La forma en que combina estos aspectos con una paleta de colores muy dramática y etérea le da a esta imagen un atractivo completamente nuevo, aunque aterrador. Este trabajo ha sido considerado durante mucho tiempo como uno de los más grandes de Bacon de su secuencia del Papa, aunque la razón de esto ha permanecido como un misterio. La mayoría de la gente está perpleja por las pinturas de Bacon.
Incluso si es difícil de mirar, no puedes evitar mirar más de cerca. En contraste con el papa tranquilo y dominante de Velázquez, Bacon parece haber perdido el mando; casi todo en esta imagen parece estar deslizándose. Su rostro azul púrpura revela una mirada de desesperación muda. Las cuerdas doradas que se extienden debajo de la silla parecen ser las únicas limitaciones que mantienen al papa de Bacon en posición. Estas líneas se aproximan inquietantemente al diseño de un ring de boxeo, tal vez implicando el constante conflicto interno que todos enfrentamos.
Y eso concluye nuestra mirada a las obras de arte más extrañas del mundo a lo largo de los siglos. Estas piezas de arte más extrañas son únicas y atemporales a su manera. Han logrado ser las piezas de arte extrañas que más han capturado la imaginación del público en general por sus representaciones de un mundo extraño con su arte extraño. Estas inolvidables obras de arte extrañas se aprecian junto con otras piezas más normales debido a su estilo único y extrañas observaciones de la vida.
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Preguntas Frecuentes
¿Por qué los artistas crearon piezas de arte extrañas?
No hay una sola razón por la que los artistas crearon las obras de arte más extrañas del mundo. A veces, estas extrañas piezas de arte representaban el mundo interior del pintor. Otras veces el arte extraño fue creado para ser una metáfora de algo más profundo, como inclinaciones o ideas políticas o personales.
¿Dónde se pueden ver obras de arte extrañas?
Muchas piezas de arte extrañas fueron creadas por los mismos artistas que crearon los clásicos. Estos ejemplos de las obras de arte más extrañas del mundo no siempre son creados por artistas extraños con ideas extrañas y sin talento. Por el contrario, a menudo son producidos por maestros, pero simplemente transmiten una parte de la imaginación del creador que generalmente no llegamos a observar.
¿Cuándo crearon los artistas piezas de arte extrañas?
El arte extraño y extraño ha existido desde que el arte ha existido. Incluso las paredes de las cuevas de nuestros antepasados representaban extraños híbridos humano/animal y otros motivos extraños. Piezas extrañas se han creado a lo largo de la historia, especialmente en tiempos de agitación o lucha. En otros tiempos era simplemente un medio por el cual el artista podía expresar un pensamiento o sentimiento que no podía transmitirse de otra manera que no fuera a través de la producción de obras de arte extrañas.
