¿Qué es exactamente la Bauhaus? El arte Bauhaus está asociado a una institución específica. La Bauhaus fue sin duda la escuela de arte progresista más importante en el siglo 20 y fue responsable del desarrollo de muchos artistas prominentes de la Bauhaus. Incluso después de que cerró bajo la presión extrema del régimen nazi en 1933, la actitud de la escuela de diseño Bauhaus hacia la educación y el vínculo entre la sociedad, el arte y la tecnología tuvo un gran efecto en los Estados Unidos y Europa.
La historia del arte Bauhaus
El estilo Bauhaus se inspiró en las tendencias creativas del siglo 19 y principios del siglo 20, incluido el estilo Art Nouveau y las diversas versiones extranjeras como la Secesión de Viena y Jugendstil, así como el movimiento Arts and Crafts. Todos estos grupos deseaban difuminar la línea entre el bellas artes, así como para reconectar la imaginación y la fabricación; su herencia estuvo representada en el medievalismo romántico de la ideología del movimiento Bauhaus durante sus días de formación, cuando se definió a sí mismo como una especie de unión de artesanos.
A mediados de la década de 1920, sin embargo, este ideal había dado lugar a un enfoque en la integración del diseño gráfico industrial de la Bauhaus y el arte, y fue este enfoque el que ancló los logros más innovadores y significativos de la Bauhaus.
La institución también es conocida por sus destacados maestros, que desde entonces han encabezado el desarrollo del arte contemporáneo, y las ideas modernas, en todo Estados Unidos y Europa.
Los primeros días del movimiento Bauhaus
La Bauhaus, titulada después de una frase alemana que significa «casa de construcción», fue creada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius en Weimar, Alemania. Se hizo cargo de una escuela preexistente de Artes y Oficios en 1915, y la nueva y revolucionaria escuela de arte Bauhaus se fundó cuatro años más tarde a través de la fusión de este establecimiento con la Academia de Bellas Artes de Weimar.
El estilo Bauhaus surgió conceptualmente de los impulsos de finales del siglo 19 para combinar el arte fino y aplicado, resistir la industrialización de la creatividad y mejorar la educación.
Escenografía mecánica (1925) de Joost Schmidt, tinta y témpera sobre papel; Joost Schmidt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Simultáneamente, el ascenso de la década de 1910 de Rusia Constructivismo proporcionó un predecesor más urgente y estéticamente apropiado para la fusión de diseño artístico y mecánico de la Bauhaus. Cuando la Bauhaus se inauguró oficialmente en 1920, se instaló en el antiguo taller de escultura del instituto granducés sajón, construido al estilo Art Nouveau.
Gropius instó a la escuela a desarrollar una nueva apreciación de la artesanía y la capacidad funcional, lo que implica una reversión a los ideales medievales hacia las artes y la artesanía. Vio que el movimiento Bauhaus cubría todas las formas de expresión artística, abarcando bellas artes, diseños industriales, diseño gráfico Bauhaus, diseño de interiores Bauhaus, tipografía y arquitectura.
Estilos y conceptos de la Bauhaus
La estrategia de la escuela se centró en su plan de estudios innovador e impactante. Gropius lo describió como una rueda con anillos, con el círculo exterior elegido para representar el curso preparatorio de seis meses lanzado por Johannes Itten que se centró en las facetas fundamentales del diseño, particularmente las diferentes características de formas, colores y sustancias variadas.
Los dos círculos intermedios significaron dos cursos de transición de tres años que se concentraron en los desafíos relacionados con la forma, así como un plan de estudios de capacitación práctica basada en talleres centrada en oficios y técnicas prácticas.
Cátedra (1925) de Erich Dieckmann; Sailko, dominio público, vía Wikimedia Commons
Estos seminarios enfatizaron el funcionalismo, particularmente el uso de formas geométricas básicas que podrían replicarse fácilmente, lo que se convertiría en una pieza central teórica del diseño y la arquitectura modernistas en las próximas décadas. Los cursos especializados en desarrollos de construcción estaban en el centro de la rueda, educando a los estudiantes sobre los fundamentos de la arquitectura, la construcción y la ingeniería, pero con un enfoque en las habilidades y la artesanía que se creía que se habían perdido en los procedimientos de construcción contemporáneos.
Uno de los objetivos principales del método de enseñanza, que se utilizó en todos los cursos, fue reducir las inclinaciones competitivas y fomentar no solo las habilidades creativas, sino también un sentimiento de colaboración y objetivos comunes.
La Facultad de la Bauhaus
El pr fenomenalmente hábilLos ofessors que Gropius había atraído a Weimar estaban a cargo de diseñar y entregar este plan de estudios. Las primeras opciones de Gropius fueron los artistas de vanguardia Johannes Itten y Lyonel Feininger, así como el escultor Gerhard Marcks.
Itten fue especialmente crucial para la ideología formativa de la escuela: con su experiencia en el expresionismo, estuvo detrás de gran parte del primer enfoque en el medievalismo romántico que distinguió a la Bauhaus, en particular el curso preparatorio, que desarrolló.
Fotografía del fundador de la Bauhaus, Walter Gropius (1883 – 1969) tomada c. 1919; Louis Held, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sus inclinaciones expresionistas y místicas lo pusieron en desacuerdo con la actitud analítica y sociológica de Gropius, y los dos chocaron rápidamente. Itten había desaparecido en 1923, para ser sucedido por László Moholy-Nagy, una personalidad afín más adecuada a Gropius; Moholy-Nagy remodeló el plan de estudios que incorporaba la tecnología y el papel social del arte.
Sin embargo, durante la corta existencia de la Bauhaus, la Bauhaus absorbió una variedad de influencias estilísticas.
Aunque nombres como Moholy-Nagy se identifican hoy con la filosofía técnica del constructivismo, otras opciones iniciales abarcaron artistas expresionistas y de influencia expresionista como Paul Klee y Wassily Kandinsky. También presentaron artistas que trabajan en muchos medios, que van desde la escultura hasta la danza, como Oskar Schlemmer y Georg Muche.
El movimiento Bauhaus en Dessau
La Bauhaus se trasladó a la ciudad fabril alemana de Dessau en 1925, iniciando su período de desarrollo más prolífico. Gropius construyó una nueva estructura para la escuela que se ha hecho conocida no solo como el emblema espiritual de la Bauhaus, sino también como un sello distintivo de la arquitectura estructuralista contemporánea.
También fue en este punto que la escuela estableció una división de la arquitectura, que había estado claramente ausente en su iteración anterior. Gropius, por otro lado, estaba desgastado por su trabajo y las crecientes confrontaciones con los adversarios de la escuela, especialmente las fuerzas conservadoras en la cultura alemana, en 1928.
El edificio bauhaus en Dessau, Alemania, fue diseñado por Walter Gropius. Fue la más longeva de las tres localidades de la Bauhaus (1925-1932); Spyrosdrakopoulos, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Se hizo a un lado, entregando las riendas al arquitecto suizo Hannes Meyer. Meyer, que supervisaba la facultad de arquitectura, era un comunista entusiasta que inculcó sus creencias políticas en grupos de estudiantes e iniciativas educativas. La institución aumentó en fuerza, pero el marxismo de Meyer fue criticado, y fue despedido como director en 1930. Después de que las elecciones municipales en Dessau llevaran a los nazis al poder en 1932, la escuela fue nuevamente cerrada y transferida, esta vez a Berlín, donde permanecería por el resto de su vida.
La Bauhaus fue revivida temporalmente en Berlín bajo la dirección del arquitecto Ludwig Mies van der Rohe, un conocido defensor del diseño funcionalista que, al igual que Gropius, más tarde se conectó con la llamada Estética Internacional.
Mies van der Rohe, por otro lado, tuvo que lidiar con significativamente menos instalaciones que sus predecesores, así como con una facultad desprovista de muchas de sus mejores estrellas. Trató de eliminar la política del programa de la escuela, pero este esfuerzo temporal de cambio de marca fracasó, y cuando los nazis tomaron el poder nacional en 1933, la escuela fue cerrada indefinidamente debido al severo acoso político y la intimidación.
Tras el cierre de la Escuela de Diseño Bauhaus
El impacto de la Bauhaus se extendería hasta sus maestros anteriores en las décadas posteriores a su desaparición, muchos de ellos se vieron obligados a abandonar Europa a medida que los impactos sofocantes del fascismo tomaban el control. Gropius se mudó a los Estados Unidos en 1937 y dio conferencias en la Escuela de Graduados de Diseño de la Universidad de Harvard, donde fue considerado crucial para difundir el estilo arquitectónico internacional a Estados Unidos.
Josef Albers había sido nombrado director de la escuela de pintura en el ilustre Black Mountain College en Carolina del Norte cuatro años antes, donde sus alumnos incluyeron a Cy Twombly y Robert Rauschenberg. En 1933, después de huir de Alemania, László Moholy-Nagy fundó el Instituto de Diseño en Chicago.
El patrimonio nacional de la Bauhaus también se revitalizó en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, con el establecimiento de la Hochschule für Gestaltung en Ulm en 1953. Esta institución fue la heredera ideológica del movimiento Bauhaus en muchos aspectos, con el renombrado alumno de la Bauhaus Max Bill seleccionado como su primer jefe.
Una máquina de escribir Olivetti Studio 42, diseñada por bauhausler Xanti Schawinsky en 1936; ChristosV und/oder Christos Vittoratos, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Moholy-Nagy, Bill y Albers fueron particularmente influyentes en la modificación del ethos de la Bauhaus a una era moderna: Moholy-Nagy y Albers lo remodelaron en uno más apropiado para una institución de investigación contemporánea que funciona en una sociedad orientada al mercado, mientras que Bill fue instrumental en la propagación de la abstracción geométrica en todo el mundo en forma de Arte Concreto, un movimiento que sucedió al Constructivismo.
Ideas clave del diseño Bauhaus
La Bauhaus fue fundada a finales del siglo 19, en respuesta a las preocupaciones sobre la vapidez de la producción contemporánea y la pérdida de importancia social del arte. Los artistas de la Bauhaus buscaron conciliar las bellas artes y el diseño utilitario mediante el desarrollo de cosas prácticas con la esencia de las obras de arte.
A pesar de su rechazo de muchas características de la educación tradicional en bellas artes, la Bauhaus estaba fuertemente interesada en las perspectivas filosóficas y conceptuales sobre su tema.
Varios componentes de la escuela de diseño gráfico artístico y Bauhaus se fusionaron, y la jerarquía de las artes de la era del Renacimiento se niveló: las artesanías utilitarias – arquitectura y Bauhaus diseño de interiores, telas y carpintería: se colocaron en una base nivelada con bellas artes como la pintura y la escultura. Dado el énfasis de la Bauhaus tanto en el alto arte como en la artesanía utilitaria, no es sorprendente que muchos de sus éxitos más importantes y duraderos fueran en dominios distintos de la escultura y la pintura.
Cartel para la Bauhausaustellung (1923) diseñado por Joost Schmidt; Joost Schmidt, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Las características de diseño de decoración y utensilios de Marcel Breuer, Marianne Brandt y otros prepararon el camino para la simplicidad de moda de las décadas de 1950 y 1960, mientras que constructores como Ludwig Mies van der Rohe y Walter Gropius fueron considerados como los primeros pioneros del estilo internacional igualmente elegante que es tan significativo en la arquitectura actual.
El método de enseñanza bauhaus, con su énfasis en la experimentación y la resolución de problemas, ha tenido una gran influencia en la educación artística actual. Ha resultado en una reinvención de las «bellas artes» como «artes visuales», así como una reelaboración del método artístico como más comparable a una ciencia científica que a un tema humanista como la historia o la literatura.
Importantes artistas y obras de arte de la Bauhaus
El movimiento Bauhaus representa una de las filosofías de diseño más importantes de todos los tiempos, uniendo el diseño utilitario con el disfrute estético para crear una nueva forma de arte capaz de llevar la belleza a los productos cotidianos y más allá. Fue un momento decisivo en el diseño gráfico. La tipografía, el diseño y el uso de la forma y el color se estaban reinterpretando de manera que tendrían una influencia duradera en el diseño gráfico hasta bien entrado el siglo XXI.
El movimiento Bauhaus y su estilo contemporáneo tuvieron un gran impacto en el arte y el diseño gráfico, con la innovación de la época y los trastornos ideológicos que influyeron en cómo creamos hasta el día de hoy.
Globo rojo (1922) de Paul Klee
| Fecha de finalización | 1922 |
| Medio | Óleo sobre gasa |
| Dimensiones | 32 cm x 31 cm |
| Ubicación actual | El Museo Solomon R. Guggenheim |
Paul Klee fue un visionario cuyo trabajo mezcló una notable inventiva formal con un extraño tipo de inocencia primaria. Fue uno de los pintores más consumados e intrigantes afiliados al arte y diseño de la Bauhaus. En esta pintura de 1922, figuras geométricas frágiles y transparentes (rectángulos, cuadrados y cúpulas) se destacan en color primario Gradaciones. Un solitario círculo rojo se cierne en el medio superior, exponiéndose a ser el globo aerostático homónimo tras un estudio más detallado. Este florecimiento ilustrado muestra el uso lúdico y correlativo de Klee de las famosas estructuras geométricas compositivas de la Bauhaus.
El enfoque del estilo distintivo del artista cambia tensamente entre lo abstracto y lo representacional, entre la conexión narrativa y el simbolismo místico. Las formas luminosas, sugestivas de vidrieras, están dispuestas asimétricamente para producir un ritmo estético gobernado por líneas horizontales, verticales y diagonales que aparecen organizadas y no planificadas.
Klee, que nació en Suiza en 1879, estuvo involucrado con varios grupos modernistas y expresionistas en el norte de Europa desde la década de 1900 y hasta la década de 1910, incluido Der Blaue Reiter, antes de aceptar un puesto en la Bauhaus en 1921, donde enseñó obras de arte murales, encuadernación y otras materias.
Globo rojo (1922) de Paul Klee, ubicado en el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York; Paul Klee, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sus lecciones de arte fueron publicadas en la serie Bauhausbücher en sus Cuadernos de bocetos pedagógicos (1925). Esta obra, que comenzó con la línea «una línea efectiva en un paseo, en constante movimiento, sin objetivo», se volvió enormemente impactante, creando su renombre como uno de los excelentes teóricos del arte contemporáneo mientras intentaba evaluar hasta la última combinación posible de sus líneas inquietas. La línea, For Klee, que creció desde una sola posición, era un agente independiente e impulsivo cuyo movimiento daba forma a la formación del plano.
Esta analogía para el surgimiento de la forma creativa se convirtió en un elemento central de la teoría del diseño de la Bauhaus, inspirando a muchos de los colegas de Klee, especialmente a Anni Albers y al viejo amigo de Klee, Wassily Kandinsky. La participación de Klee en la Bauhaus desde 1921 hasta su jubilación en 1931 desacredita las ideas preconcebidas de la escuela como indebidamente centradas en la lógica y los procedimientos formales y rígidos.
La obra de Klee influyó en otros pintores de Europa y América, especialmente Adolph Gottlieb, Robert Motherwell, Kenneth Nolan, Norman Lewis y William Baziotes, quienes la vieron como simultáneamente sofisticada y primitiva, realista y de otro mundo. «Casi todos, independientemente de si estaban conscientes o no, estaban estudiando a Klee», escribió Clement Greenburg en 1957.
Amarillo-Rojo-Azul (1925) de Wassily Kandinsky
| Fecha de finalización | 1925 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 63 cm x 92 cm |
| Ubicación actual | Museo Nacional de Arte Moderno, |
Este intrincado trabajo está organizado en torno a tres secciones visuales principales, que se enfatizan con formas rojas, amarillas y azules. Estas, a su vez, establecen dos zonas principales de enfoque visual, una en el lado derecho del panel, realizada por el círculo azul interconectado y la cruz roja, y otra a la izquierda, formada por el rectángulo amarillo impreso contra un tono más oscuro de ocre. Los efectos de color y sombra implican variación en el peso perceptivo y la ubicación en el espacio, ya que la ligereza del amarillo contrasta con los tonos rojos más profundos, extendiéndose aún más hacia el azul y el púrpura.
Una malla de líneas lineales y curvas interactúan a lo largo del lienzo, como si recreara la lucha de energía establecida entre los muchos tonos fundamentales. Wassily Kandinsky nació en Moscú en 1866 y se mudó a Alemania antes de finales del siglo 19, donde se convirtió en una figura crucial en el avance del expresionismo del norte de Europa en los próximos años; su pintura de 1903 Der Blaue Reiter inspiró al grupo de arte expresionista del mismo nombre.
Kandinsky se mudó a Alemania y comenzó a dar conferencias en la Bauhaus en 1922, después de un período de seis años en la Rusia soviética intercalando la revolución (1914-1920), momento en el que su obra de arte había progresado hacia una forma refinada de abstracción. Expuso a sus alumnos al examen de los colores fundamentales y la estructura de su relación como tutor en el nivel preparatorio.
En 1923, creó una encuesta en la que se pedía a los encuestados que completaran un triángulo, cuadrado o círculo con el color primario más adecuado para descubrir un vínculo cualitativo inherente entre ciertas formas y colores. El consiguiente cuadrado rojo, triángulo amarillo y círculo azul se convirtió en un patrón típico de la Bauhaus, que Kandinsky investigó y manipuló en esta conocida pieza, convirtiéndola en una representación poética del vínculo entre la expresión estética y melódica.
Los mismos conceptos impactaron su famoso ensayo «Point and Line to Plane» (1926), que fue motivado por investigaciones recientes sobre la psicología Gestalt, un tema prominente de debate en la Bauhaus en ese momento.
Kandinsky estaba intrigado por cómo las mezclas particulares de líneas, colores y tonos pueden tener consecuencias psicológicas y espirituales intrínsecas, que luego se vincularon a melodías musicales específicas. Sin embargo, como señala la experta en arte Annagret Hoberg, las ramificaciones de la obra de arte van más allá de esto, en reinos más representativos: «Los dos centros evocan connotaciones antropológicas. Mientras que la disposición de los círculos y líneas en el campo amarillo sugiere un perfil humano, el entrelazamiento de formas azules y rojas con la diagonal negra es evocador del tema de San Jorge y el Dragón.
Tal vez sean estas conexiones más humanas las que expliquen el estatus legendario de las obras abstractas de Kandinsky en la contemporaneidad. historia del arte: como señala Hoberg, Amarillo-Rojo-Blue «gastó una influencia en el modernismo posterior, que incluye, por ejemplo, la serie de Barnett Newman Who’s Afraid of Yellow, Red, and Blue (1969)».
Silla club (1925) de Marcel Breuer
| Fecha de finalización | 1925 |
| Medio | Tapicería de acero y lona |
| Dimensiones | 72 cm x 78 cm x 71 cm |
| Ubicación actual | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York |
La famosa silla de Marcel Breuer es un giro novedoso en la clásica «silla club» tapizada de la sala de dibujo del siglo 19, una elegante fusión de tubos de acero inoxidable curvos y superpuestos y paneles textiles rectangulares apretados que flotan como objetos geométricos en el espacio. La silla fue caracterizada por el artista como «mi pieza más severa es la menos artística, la más racional, la menos ‘acogedora’ y la más mecanicista».
Fue, sin embargo, su trabajo más significativo, demostrando las innovaciones revolucionarias en el diseño funcional que distinguieron a la Bauhaus a mediados de la década de 1920. Cumplía con todos los criterios del espíritu de diseño de la escuela, siendo liviano, fácilmente móvil y producido en masa, con sus componentes colocados con una simplicidad que hacía que su estructura y función fueran claramente evidentes.
Breuer, que nació en Hungría en 1902, fue uno de los participantes más jóvenes de la generación bauhaus inicial. Dejó su ciudad natal de Pécs a la edad de dieciocho años y se matriculó como uno de los primeros alumnos de la escuela en la nueva institución revolucionaria de Gropius en 1920. Fue elegido como un prodigio y se le dio el mando del taller de carpintería, y después de una breve estancia en París, regresó a la Bauhaus como profesor en 1925.
Breuer, un ávido ciclista, consideró la bicicleta el epítome del diseño contemporáneo y quedó cautivado por el manillar curvo de su bicicleta, que fue construido con un nuevo tipo de acero tubular producido por el negocio de fabricación Mannesmann. Reconoció que la misma sustancia, que podía torcerse sin agrietarse, podría emplearse en el diseño de muebles, y la «silla club» nació como consecuencia de esta epifanía. Breuer fundó el negocio Standard Möbel en 1927 para producir en masa sus muebles.
El nombre coloquial de la silla celebra al artista Wassily Kandinsky, quien la adoraba cuando la encontró por primera vez en el taller de Breuer. La silla de Breuer fue «la primera silla en usar un marco de acero doblado y anunció el comienzo de una era revolucionaria en los muebles contemporáneos con una forma que conserva un aspecto futurista incluso ahora», según el historiador del arte Seamus Payne.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el fabricante italiano Gavina comenzó a fabricar la silla, confirmando su efecto a largo plazo en la historia del diseño y vendiéndola como la «Silla Wassily». En 1968, el fabricante estadounidense Knoll adquirió Gavina y comenzó a producir el Modelo B3, que todavía está disponible en la actualidad.
Universal Bayer (1925) de Herbert Bayer
| Fecha de finalización | 1925 |
| Medio | Tipo de letra |
| Dimensiones | N/A |
| Ubicación actual | N/A |
La fuente Universal Bayer de Herbert Bayer, un clásico de la tipografía de estilo internacional, adopta un estilo simple de la fuente Bauhaus. Al mismo tiempo, la simplicidad del estilo muestra la preocupación de Bayer por mejorar la legibilidad, proporcionando un número considerable de espacios negativos entre letras en contraste con las escrituras caligráficas constreñidas de la tipografía alemana convencional.
Bayer pretendía que el lenguaje escrito reflejara la simplicidad del habla, y eligió solo letras minúsculas para este estilo, ya que no había diferencia fonética entre las minúsculas y las mayúsculas. Debido a que cada carácter tiene la misma dimensión, definieron lugares transferibles en la página.
Como resultado, el tipo era relativamente simple de usar y podía convertirse en teclados de máquina de escribir y equipos de composición tipográfica. Estos elementos de diseño encapsulan maravillosamente el énfasis de la Bauhaus en la utilidad y la producción en masa. Bayer, al igual que Breuer, era un joven representante de la generación dorada de la Bauhaus, habiendo nacido en Austria en 1900. Comenzó su carrera como arquitecto y, a finales de la década de 1910, fue miembro de la Colonia de Artistas de Darmstadt, donde fue influenciado por las ideas Jugendstil o Art Nouveau de ese grupo, así como su enfoque en el concepto de «toda la obra de arte».
Sin embargo, en 1920, Bayer se interesó en la nueva empresa de Gropius y se unió a la escuela en 1921, aprendiendo con Kandinsky, Klee y Moholy-Nagy. Después de regresar a la Bauhaus como profesor en 1925, fue nombrado jefe de impresión y publicidad durante la era Dessau. Después de gropius le ordenó que produjera una fuente que pudiera ser utilizada en todos los publi de la Bauhaus.cationes, creó la tipografía Universal Bayer. En ese momento, la mayoría de los impresores alemanes todavía usaban Fraktur, un llamativo tipo de letra gótico ideado en el siglo 16 para Alberto Durero Arco del Triunfo grabado en madera (1526).
Bayer transmitió el espíritu de un nuevo fenómeno cultural que rechazaba el nacionalismo retrógrado en favor del modernismo internacional, un movimiento defendido por la Bauhaus y finalmente aniquilado por los nazis, al eliminar la ornamentación de las letras alemanas.
También se suponía que su diseño se adhería a un famoso principio compositivo de la Bauhaus, en el que las letras se organizaban en líneas diagonales que empujaban hacia arriba sobre la página, se envolvían alrededor de los objetos y se resaltaban en colores brillantes.
Aunque la fuente de Bayer nunca fue fundida en metal, su efecto fue extenso y duradero. Además de estar en la primera línea de los avances en la tipografía de estilo internacional desde la década de 1920 hasta la década de 1950, afectando a tipos de letra como Architype Schwitters, también es la motivación para la fuente de Google. La fuente también se puede ver en varios carteles de la Bauhaus. El cartel de la Bauhaus de Herbert Bayer para la Exposición Kandinsky en 1926 es un ejemplo.
Fotograma (1926) de László Moholy-Nagy
| Fecha de finalización | 1926 |
| Medio | Impresión de gelatina en plata |
| Dimensiones | 23 cm x 18 cm |
| Ubicación actual | El Museo Metropolitano de Arte, Nueva York |
La mano del artista parece surgir de la oscuridad y flotar en el espacio en esta instantánea sin cámara, o «fotograma», detrás de una cuadrícula de líneas blancas en llamas que se cruzan con las yemas de sus dedos. Las figuras parecen emerger en el papel no solo como si obtuvieran forma de la interacción de la sombra y la luz, sino también como ecos desmaterializados de objetos tangibles: se convierten en rastros del tacto físico.
Varios diseñadores europeos, como Christian Schad y Man Ray, incursionaron con el fotograma, una frase inventada por Moholy-Nagy, bajo títulos alternativos durante las décadas de 1910 y 1920, pero a través de los esfuerzos de Moholy, estos esfuerzos de Nagy de fotografía abstracta se vincularon inextricablemente con la ideología innovadora de la Bauhaus.
En 1895, László Moholy-Nagy nació en Hungría. Llegó a Alemania en 1920, y Gropius le pidió que se hiciera cargo del plan de estudios básico de la institución de Johannes Itten en 1923, con su renombre artístico ya establecido. Los fotogramas moholy se convirtieron en emblemas de la innovación de la Bauhaus, a pesar de que trabajó en una variedad de medios. Estas obras, que fueron creadas poniendo cosas en papel fotosensible sometido a luz ambiental, hacen de la luz «el material de expresión plástica», en términos del artista.
A pesar de que la fotografía no era formalmente parte del plan de estudios de la Bauhaus, Moholy-Nagy trabajó en un departamento fotográfico de un solo hombre, y su entusiasmo celoso llevó a muchos de los maestros y estudiantes de la escuela a experimentar con la fotografía.
Moholgy-Nagy, que estaba fascinado por la luz, continuó investigando el potencial del fotograma a lo largo de su carrera, más prominentemente en la Escuela de Diseño de Chicago, que creó en 1939 después de mudarse a los Estados Unidos.
Aquí, se requerían clases de «laboratorio ligero», y el trabajo de Moholy Nagy influyó en muchos futuros artistas norteamericanos, incluido Arthur Siegel. Los fotogramas de Moholy nagy son testimonios del espíritu tecnológico y creativo pionero de la Bauhaus, particularmente su devoción por investigar las cualidades y habilidades fundamentales de muchos. medios artísticos. En esencia, son investigaciones de los principios de fotosensibilidad en su forma más pura y sin adulterar, y así encapsulan la mentalidad de «forma-sigue-función» actualmente asociada con la Bauhaus y el movimiento constructivismo más amplio.
Con eso, concluimos nuestra investigación de Bauhaus Design. La Escuela Bauhaus influyó en muchos aspectos del arte aplicado, como el diseño de interiores Bauhaus y el diseño gráfico Bauhaus. Los artistas de la Bauhaus y su trabajo no solo cambiaron el panorama artístico en su tiempo, sino durante muchos años a seguir.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es bauhaus?
La Bauhaus fue sin duda la escuela de arte progresista más importante del siglo 20, y fue responsable del desarrollo de muchos artistas conocidos de la Bauhaus. La perspectiva de la escuela de diseño Bauhaus hacia la educación y la relación entre la sociedad, el arte y la tecnología tuvo un tremendo impacto en los Estados Unidos.s y Europa, incluso después de que se disolviera bajo la presión nazi en 1933. La estrategia de la escuela se basó en su plan de estudios de vanguardia y efectivo. El círculo exterior fue seleccionado para representar la escuela de preparación de seis meses fundada por Johannes Itten que se concentró en los componentes básicos del diseño, en particular las diferentes características de diferentes formas, colores y materiales, según Gropius.
¿Qué define el estilo Bauhaus?
Art Nouveau y sus numerosas variantes extranjeras, como la Secesión de Viena y Jugendstil, así como el movimiento Arts and Crafts, influyeron en el estilo Bauhaus en los siglos 19 y principios del 20. Todas estas organizaciones querían difuminar las líneas entre la práctica y las bellas artes, así como integrar la imaginación y la fabricación. Esta historia se reflejó en el medievalismo romántico de la filosofía del movimiento Bauhaus durante sus primeros años, cuando se planteó como un sindicato de artesanos.
