Tanto en el arte como en la historia, la era helenística pertenece al período de las conquistas de Alejandro Magno y la posterior expansión de la civilización griega a través de las grandes ciudades y países del Mediterráneo, el sur de Europa y el Cercano Oriente. El arte helenístico se representa principalmente a través de la escultura, que se había representado de manera más efectiva en precisión, fisiología, emoción y movimiento que las esculturas clásicas de los antepasados. Sin embargo, ¿qué es un helenista? Los helenistas trabajaron duro para promover la antigua tradición griega a las personas que invadieron y para demostrar la supremacía de su civilización.
Historia del arte griego helenístico
Cuando Alejandro llevó a los griegos al triunfo, dividió las regiones capturadas entre sus comandantes, los Diádocos. Los seléucidas del Cercano Oriente, los ptolomeos egipcios y los antígonidos macedonios nacieron en estos países. Otras tierras formaron ligas, como las ligas aquea y etolia.
Estos reinos y alianzas eventualmente se desintegraron en reinos más pequeños enriquecidos con características culturales griegas.
Cultura helenística
Las influencias griegas combinadas con la cultura nativa durante estos reinos dieron como resultado una amplia gama de técnicas y temas en el arte helenístico. La curiosidad histórica que definió esta época también fue una influencia significativa en la valor del arte generado. Las bibliotecas de Pérgamo y Alejandría proporcionaron a los artistas acceso a este patrimonio, lo que, junto con su comprensión de las obras de arte anteriores, les proporcionó una base desde la cual trabajar con la invención y la inventiva.
A medida que las religiones locales se secularizaron más como resultado de la influencia griega, y a medida que esas religiones afectaron a Grecia, los artistas descubrieron nuevos métodos para representar a sus propios dioses. Eros, por ejemplo, se muestra como un niño, mientras que Afrodita se representa desnuda. La presencia de ancianos y niños, individuos de diversas razas (especialmente africanos) y esculturas grotescas demuestran que la diversidad no se limitaba a la influencia religiosa frente a la secular.
Debido a que no todas las figuras eran olímpicas, deidades u oradoras, los artistas tuvieron que idear una amplia gama de posiciones para reflejar efectivamente estas nuevas personalidades escultóricas. Con estas estatuas helenísticas, los escultores buscaron construir la posición en un giro en espiral para que el observador pudiera ver algo interesante desde todos los ángulos.
Nike alada de Samotracia (ca. 190 a. C.), hecho de mármol pariano y encontrado en Samotracia en 1863. Actualmente ubicado en el Museo del Louvre en París, Francia; Museo del Louvre, dominio público, vía Wikimedia Commons
A veces estas posturas parecían servir a un propósito, mientras que otras veces las razones parecían ser insignificantes o contenidas dentro de un solo movimiento, como un sátiro inspeccionando su cola. Hay relativamente pocas pinturas de la cultura helenística que han sobrevivido.
Lo que ha sobrevivido son mosaicos que se cree que son réplicas exactas de los frescos originales. Los estudiosos podrían concluir de estos mosaicos que los artistas helenistas utilizaron el movimiento de torsión, características fuertemente expresivas y representaciones precisas de la naturaleza. Una obra de arte de paisaje en una colección inacabada de imágenes de la Odisea demuestra que la obra de arte fue creada por un artista talentoso utilizando pinceladas disciplinadas y experiencia en luz, sombra y la capacidad de retratar la distancia en color.
También hay retratos helenísticos de momias egipcias Fayum, que demuestran cuánto afectaron los helenistas al arte egipcio. Estos retratos representaban humanos vivos, no momias, con detalles precisos, realistas y realistas.
Venus de Milo (Afrodita de Milos) (c. 130-100 a. C.), descubierta en 1820 en la isla egea de Milos. Actualmente ubicado en el Museo del Louvre en París, Francia; Rodney, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Son similares a los estilos de retrato de mediados del siglo 19. Mientras que la arcilla y la cerámica estaban en declive, los orfebres de bronce y orfebres de la época se destacaron en la creación de vasijas, joyas y figuras con un intrincado trabajo decorativo. Monstruos míticos, personas africanas, dioses y coronas estaban entre los sujetos. Muchos de los objetos de orfebrería estaban engastados con piedras y joyas caras.
El soplado de vidrio fue descubierto por los helenistas, que fueron capaces de desarrollar nuevos tipos de arte. El vidrio moldeado se utilizó para hacer joyas en Italia, y los joyeros idearon y mejoraron el cameo.
HEstatuas y esculturas ellenistic
Después de 293 aC, la escultura cayó considerablemente. Después de eso, hubo un período de estasis, con un resurgimiento relativamente corto después de 153 aC, pero nada a la altura del punto de referencia de calidad de los períodos anteriores. La escultura se volvió cada vez más realista y expresiva a lo largo de este período, con un énfasis en transmitir extremos de expresión. Aparte de la precisión física, el escultor helenístico se esfuerza por representar la personalidad de su sujeto, abarcando temas como la angustia, el sueño y la vejez.
La gente común, las madres, los niños, la vida animal y las escenas domésticas se convirtieron en temas apropiados para las estatuas helenísticas, que fueron financiadas por familias ricas para decorar sus residencias y jardines. Un ejemplo notable es «Un niño con espina» (101 dC).
Laocoonte y sus hijos (también conocido como el Grupo Laocoonte) (ca. 200 a. C.), encontrado en las Termas de Trajano en 1506. Actualmente ubicado en los Museos Vaticanos en la Ciudad del Vaticano, Italia; Museos Vaticanos, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Los artistas ya no se sentían obligados a mostrar a los individuos como estándares de belleza o perfección corporal, y se crearon representaciones precisas de mujeres y hombres. El reino de Dioniso, una utopía pastoral llena de sátiros y ninfas, se había mostrado con frecuencia en pinturas y figuras de jarrones anteriores, pero rara vez en esculturas de tamaño completo. The Old Drunkard (siglo I dC) en Munich representa a una anciana, demacrada y demacrada, agarrando un frasco de alcohol contra sí misma.
Retratos
Como resultado, la época es notable por su retrato. El Fauno Barberini (1799) de Múnich, por ejemplo, representa a un sátiro dormido con una postura cómoda y una expresión preocupada, tal vez la presa de los sueños. Temas similares se reflejan en el Sátiro en reposo, El torso belvedere (1430) y El hermafrodito dormido (1620).
«Demóstenes» (384-322 aC) de Polieuktos es otro retrato helenístico bien conocido que lo representa con una cara bien ejecutada y puños cerrados.
Privatización
Otra tendencia de la era helenística se puede notar en su arte: la privatización, como se demuestra en la reintroducción de patrones públicos anteriores en la escultura ornamental. Bajo las influencias de Arte romano, el retrato está teñido de realismo. Nuevas ciudades helenísticas surgieron en todo Egipto, Siria y Anatolia.
El Altar de Pérgamo, ubicado en el Museo de Pérgamo; © Raimond Spekking
Esto requirió la instalación de esculturas que representan deidades y personajes griegos en santuarios y espacios públicos. La escultura, como la cerámica, se convirtió en un negocio como resultado, con uniformidad y cierta degradación de la calidad.
Como resultado de estos factores, han perdurado considerablemente más estatuas helenísticas que esculturas clásicas.
Segundo Clasicismo
Los desarrollos del «segundo clasicismo» se repiten en las estatuas helenísticas. Esto comprende la escultura desnuda en redondo, lo que permite que la escultura se aprecie desde todos los lados; cortinas y las ilusiones de transparencia de la ropa, así como la flexibilidad de las posiciones.
Como resultado, «Venus de Milo» (entre 150 y 125 aC), a pesar de emular una figura tradicional, se diferencia por la curva de sus caderas.
Barroco
El grupo de estatuas que presentaba múltiples figuras fue una invención helenística, muy probablemente del siglo III, que eliminó los conflictos épicos de los relieves de santuarios más antiguos de sus paredes y los creó como esculturas de tamaño natural.
Su estilo se conoce comúnmente como «barroco», debido a sus posiciones corporales extravagantemente deformadas y emociones dramáticas en sus rostros. «El Grupo de Laocoonte» (1506), que se discute más adelante, se considera como un ejemplo clásico de la era barroca helenística.
Escena del Sarcófago de Alejandro, que muestra a Alejandro en la batalla de Issos (333 a. C.); Ronald Slabke, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Pergamon
Pérgamo no se identificó solo a través de su arquitectura. También fue el hogar del famoso estilo barroco de escultura de Pergamene. Imitando épocas anteriores, los escultores representan situaciones traumáticas que se vuelven emotivas utilizando diseños tridimensionales e hiperrealismo fisiológico.
Un ejemplo es el «Fauno Barberini» (1799).
Galos
Para conmemorar su triunfo contra los galos, Atalo I creó dos series de grupos: el primero, unNointed en la Acrópolis de Pérgamo, contiene la famosa masacración gala de sí mismo y su esposa, la segunda, dada a Atenas, está formada por pequeñas estatuas de amazonas, seres divinos y gigantes.
La «Artemisa Rospigliosi» del Louvre (siglos 1 – 2 dC) es probablemente una réplica de uno de ellos.
El llamado Ludovisi Gaul y su esposa. Mármol, copia romana de un original helenístico de un monumento construido por Atalo I de Pérgamo después de su victoria sobre los galos, ca. 220 a. C.; Museo nazionale romano di palazzo Altemps, dominio público, vía Wikimedia Commons
Esto se debe a que las copias de la Galia moribunda eran abundantes durante el período romano. El estilo Pergamene se caracteriza por la representación de las emociones, la audacia de los detalles y la agresividad de los movimientos.
Gran Altar
Estas características se muestran en los frisos del Gran Altar de Pérgamo (siglo 2 aC), que fue adornado bajo la dirección de Eumenes II con una gigantomaquia que alcanza los 110 metros de longitud, retratando poesía en piedra escrita específicamente para la corte.
Es ganado por los olímpicos, cada uno de su lado, sobre los gigantes, la mayoría de los cuales se transforman en monstruos terribles como serpientes, aves rapaces, leones o vacas. Gaia corre en su ayuda, pero ella es impotente para ayudar y debe ver cómo se retuercen en agonía bajo los golpes de los dioses.
Coloso de Rodas
Rodas fue una de las pocas ciudades-estado que logró permanecer completamente independiente de cualquier poder helenístico. Después de sobrevivir a un asedio de un año, los rodios erigieron el Coloso de Rodas (280 a. C.) para celebrar su triunfo.
Los griegos fueron capaces de construir enormes esculturas debido a los avances en la fundición de bronce. Muchas de las enormes estatuas de bronce fueron destruidas, y la gran cantidad se fundió para recuperar el material.
El Fauno Barberini, también conocido como el Sátiro Durmiente (siglo 2 aC helenístico o siglo 2 dC). Copia romana de un bronce anterior; Glyptothek, dominio público, vía Wikimedia Commons
Laocoonte
Descubierto en Roma en 1506 y notado instantáneamente por Miguel Ángel, comenzó a tener un tremendo efecto en las obras de arte renacentistas y barrocas. Laocoonte, asfixiado por las serpientes, lucha duro para liberarse sin mirar a sus hijos muertos.
La agrupación es una de las pocas esculturas antiguas no arquitectónicas que pueden estar vinculadas a las registradas en textos antiguos.
Rococó
Las características barrocas del arte helenístico, particularmente la escultura, se han comparado con una tendencia contemporánea conocida como rococó. Wilhelm Klein inventó el término «rococó helenístico» a principios del siglo XX.
En contraste con las intensas estatuas barrocas, el movimiento rococó enfatizó temas alegres como sátiros y ninfas. El grupo escultórico, «La invitación a la danza», fue un ejemplo destacado del movimiento.
El grupo central de las esculturas de Sperlonga con el Cegamiento de Polifemo, reconstrucción del elenco del grupo; Carole Raddato de FRANKFURT, Alemania, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Las imágenes alegres de Afrodita y Eros también eran comunes. Más tarde, se creyó que el deseo de temas «rococó» en las estatuas helenísticas podría estar relacionado con un cambio en el uso de la escultura en general. El coleccionismo de esculturas personales se hizo más frecuente a finales de la era helenística, y parece haber habido una inclinación por los elementos «rococó» en este tipo de colección.
Neo-Ático
Los estudiosos consideran el estilo neoático de escultura como una respuesta a la extravagancia barroca, una reversión a una forma de tradición clásica o una continuación del estilo habitual para las estatuas de adoración a partir del siglo II.
Los estudios de estilo comenzaron a especializarse en la producción de réplicas para el mercado romano, lo que favoreció las obras tradicionales en lugar de las helenísticas.
Mosaicos y pinturas de la época helenística
Las pinturas y los mosaicos fueron los principales medios en la helenística Arte griego. Sin embargo, ningún caso de pinturas en paneles escapó a la conquista romana. Los medios relacionados y lo que parecen ser réplicas o extensiones sueltas de obras de arte en una gama más amplia de materiales podrían dar alguna noción de cómo eran.
Paisaje
El mayor uso del paisaje en mosaicos y pinturas helenísticas es quizás la característica más notable. El paisajismoEn estas obras de arte se representan personajes realistas reconocidos, así como motivos mitológicos y sacro-idílicos.
Los frisos de paisajes se utilizaban con frecuencia para representar escenarios de la poesía helenística. Estos escenarios que representan los cuentos de autores helenísticos se utilizaron en la casa para resaltar la conciencia y la educación de la familia sobre el mundo de la literatura.
El mosaico del Nilo de Palestrina (c. 100 a. C.), un mosaico de suelo romano y helenístico que representa el Egipto ptolemaico; Autor desconocidoAutor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El término «Sacro-idílico» se refiere a los aspectos más destacados de la obra de arte, que son los asociados con temas religiosos y pastorales. Este estilo, que apareció por primera vez en el arte helenístico, combina elementos santos y profanos para crear una escena de ensueño. el Mosaico del Nilo de Palestrina (siglo 1 aC) exhibe una narración imaginativa con un esquema de color y componentes cotidianos que retratan el Nilo en su tránsito del Mediterráneo a Etiopía.
Los telones de fondo helenísticos también se pueden encontrar en obras de Pompeya, Cirene y Alejandría.
Además, se pueden observar motivos florales y extremidades en techos y paredes esparcidas de una manera desorganizada pero tradicional, imitando un estilo griego tardío, particularmente en el sur de Rusia. Además, las pinturas «Cubiculum» desenterradas en Villa Boscoreale muestran vegetación y un paisaje rocoso en el fondo de pinturas realistas de grandes estructuras.
Pinturas murales
Durante el período pompeyano, las pinturas murales se hicieron más frecuentes. Estos murales de pared no solo aparecieron en templos o tumbas. Las pinturas murales se utilizaban con frecuencia para embellecer la vivienda. En Priene, Thera, Olbia, Pantikapaion y Alejandría, las pinturas murales estaban muy extendidas en residencias privadas.
Solo unos pocos especímenes de murales de pared griegos han sobrevivido a los siglos. Los de las tumbas imperiales macedonias en Vergina son los más espectaculares en términos de demostrar cómo eran las obras de arte griegas de alta calidad.
Pintura mural que representa una escena de banquete de la tumba de Agios Athanasios, Tesalónica (siglo 4 aC); Autor desconocidoAutor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons
A los artistas griegos se les atribuye la introducción de representaciones clave en el hemisferio occidental a través de sus obras de arte. El punto de vista tridimensional, la utilización de luces y sombras para transmitir la forma y la realidad de Trompe-l’oeil fueron tres características clave del estilo helenístico de la pintura. A excepción de los paneles de madera y los puestos en piedra, existen muy pocos ejemplos de pinturas en la cultura helenística.
Las pinturas de piedra más conocidas se pueden encontrar en la tumba macedonia en Agios Athanasios.
Técnicas y Medios
Excavaciones mediterráneas recientes han mostrado las tecnologías utilizadas en la pintura helenística. El secco y se utilizaron métodos de frescos en el arte mural durante este período. La técnica del fresco necesitaba capas de yeso rico en cal para ser aplicadas a las superficies y cimientos de piedra antes de que pudieran ser decorados.
Pintura mural que representa a Hades secuestrando a Perséfone (340 a. C.); Autor desconocidoAutor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El método secco, por otro lado, no requería una base y en su lugar empleaba goma arábiga y témpera de huevo para crear características de finalización en mármol u otra piedra. Los frisos de mampostería en Delos son un ejemplo de esta técnica.
Ambas técnicas hicieron uso de materiales disponibles localmente, fabricaron pigmentos artificiales y materiales orgánicos como colorantes.
Descubrimientos modernos
Hallazgos recientes incluyen tumbas de cámara en Vergina (1987), en el antiguo reino de Macedonia, donde se descubrieron varios frisos. Los arqueólogos descubrieron un friso de estilo helenístico que retrata una cacería de leones en la Tumba II, por ejemplo. Este friso descubierto en una tumba supuestamente perteneciente a Felipe II es notable por su estructura, la ubicación de los personajes en el espacio y su representación precisa de la naturaleza.
Otros frisos, como un simposio y una fiesta o una procesión militar, conservan una historia realista y pueden repetir eventos reales.
Pintura al fresco romano, conocida como «Cubiculum» (dormitorio), de la Villa de P. Fannius Synistor en Boscoreale (50-40 aC). Ubicado en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York; Museo Metropolitano de Arte, CC0, vía Wikimedia Commons
También están los nabatae recién reparados.un fresco del siglo 1 en la Casa Pintada de Jordania. Debido a que los nabateos interactuaron con los egipcios, romanos y griegos, los insectos y otras criaturas representadas en los murales representan el helenismo, mientras que diferentes variedades de vides están vinculadas con el dios griego Dioniso. Los últimos hallazgos arqueológicos en el cementerio de Pagasae, en las afueras del Golfo Pagasético, han revelado varias obras únicas.
Las obras excavadas pueden estar vinculadas a numerosos artistas griegos de los siglos III y IV, que representan acontecimientos del reinado de Alejandro Magno. Una colección de pinturas murales fue descubierta en Delos en la década de 1960.
Los restos de frisos descubiertos fueron claramente construidos por una colonia de pintores que existió durante la época helenística tardía. Las pinturas enfatizaron la decoración del hogar, lo que implica que el régimen de Delian se mantendrá lo suficientemente fuerte y estable como para que este trabajo sea apreciado por los residentes durante muchos años venideros.
Mosaicos
Ciertos mosaicos dan una excelente comprensión de la «gran pintura» de la época. Estos mosaicos son reproducciones de frescos que se han perdido por los estragos del tiempo. Esta forma de arte se ha utilizado principalmente para embellecer paredes, pisos y columnas.
Técnicas y Medios
La evolución de las obras de arte de mosaico durante la Era Helenística comenzó con los mosaicos de guijarros, que se representan mejor en el siglo 5 aC en el sitio de Olynthos. Los mosaicos de guijarros se crearon organizando pequeños guijarros blancos y negros de diferentes tamaños en un panel rectangular o circular para representar imágenes de la mitología.
Para producir la imagen, se colocaron guijarros blancos en colores ligeramente diferentes sobre un fondo azul o negro. Las piedras negras se utilizaron para enmarcar las imágenes.
Una forma de arte muy avanzada se puede ver en los mosaicos del sitio de Pella del siglo 4 aC. Los mosaicos de este sitio muestran el uso de piedras que han sido teñidas en un espectro más amplio de tonos y tonalidades. También demuestran el uso temprano del alambre de plomo y terracota para generar curvas y características más definidas en las imágenes de mosaico. Finalmente se agregaron más materiales después de este escenario. Guijarros cortados con precisión, piedras rotas, vidrio y cerámica horneada, conocidas como teselas, son ejemplos de este mayor uso de elementos en mosaicos a partir del siglo III aC.
Detalle del mosaico de Alejandro (c. 100 a. C.), encontrado en la Casa del Fauno en Pompeya; Autor desconocidoAutor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esto mejoró el método de mosaico al permitir a los artistas crear más claridad, detalles considerables, un ajuste más fino y un espectro más amplio de colores y tonos. Independientemente del orden cronológico en que aparecieron estos métodos, no hay datos que impliquen que el teselado evolucionó a partir de mosaicos de guijarros. La gran mayoría de los mosaicos se creó e instaló en el sitio.
Algunos mosaicos de piso, sin embargo, emplean el proceso «emblemata», en el que los paneles de imagen se fabrican fuera del sitio en bandejas de terracota o piedra. Estas bandejas se colocaron en el lugar en la cama de ajuste.
Se emplearon lechadas de colores en mosaicos de opus vermiculatum en Delos, aunque esto no es frecuente en otros lugares. El mosaico de Dog and Askos en Alejandría es un ejemplo de lechada colorida que se utiliza. Las lechadas y teselas en Samos son de colores. El estudio científico ha proporcionado información valiosa sobre las lechadas y teselas en uso en mosaicos helenísticos. Como característica distintiva del tratamiento superficial, se detectaron tiras de plomo en mosaicos.
Los mosaicos aquí están desprovistos de tiras de plomo. Las tiras de plomo eran populares en los mosaicos en el estilo opus teselado en Delos. Estas tiras se utilizaron para delinear bordes ornamentales, así como elementos decorativos geométricos. Las tiras fueron especialmente populares en los mosaicos de opus vermiculatum de Alejandría. Debido a que las tiras de plomo estaban presentes en ambos tipos de superficies, no pueden ser la característica distintiva principal de una u otra.
Mosaico de Tel Dor
Un mosaico de imágenes de tipo helenístico virtuoso poco común fue descubierto en la costa levantina. Los investigadores creen que este mosaico fue hecho in situ por artesanos itinerantes basados en una investigación técnica del mosaico.
Más de 200 fragmentos del mosaico han sido desenterrados en el titular de Tel Dor desde el año 2000, pero la demolición del mosaico original no está clara. Los excavadores creen que la razón es un terremoto o una reurbanización urbana.
Detalle del mosaico de Tel Dor (c. siglos 1 – 2), ubicado en el Museo Ha-Mizgaga en Israel; Bukvoed, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Aunque la estafa arquitectónica originalEl texto no está claro, los paralelismos estilísticos y técnicos apuntan a una fecha del período helenístico tardío, posiblemente a finales del siglo II a.C. Los estudiosos descubrieron que el mosaico original incluía un rectángulo centrado con iconografía desconocida, flanqueado por una sucesión de fronteras artísticas que consistían en una perspectiva serpenteante. También fue acompañado por un borde de máscara y guirnalda después de analizar los fragmentos recuperados en la ubicación original.
Mosaico de Alejandro
Otro ejemplo es el Mosaico de Alejandro (100 aC), que representa al joven vencedor y al Gran Rey Darío III enfrentándose durante la batalla y es una obra de arte de un piso en la Casa del Fauno de Pompeya. Se cree que es una réplica de un cuadro mencionado por Plinio como creado por Filoxeno de Eretria para el rey Casandro de Macedonia hacia finales del siglo IV aC, o tal vez de una obra de Apeles contemporáneo con Alejandro.
El mosaico nos permite evaluar la paleta de colores, así como la composición del conjunto a través del movimiento de giro y las expresiones faciales.
Mosaico de caza de ciervos (300 a. C.)
El emblema está rodeado por un exquisito diseño floral que está rodeado de representaciones estilizadas de olas. La obra es un mosaico de guijarros compuesto por piedras recogidas de costas y riberas y colocadas en cemento. El mosaico, como tal vez fuera a menudo el caso, representa técnicas de pintura. Las figuras brillantes contra el fondo más oscuro podrían ser una referencia a una pintura de figuras rojas. El mosaico también emplea sombreado, en sus representaciones de los músculos y capas de los individuos.
La obra de arte es tridimensional como resultado de esto, así como el uso de figuras superpuestas para crear profundidad.
El mosaico de Stag Hunt (finales del siglo 4 aC) de Pella, Grecia. Lo más probable es que represente a Alejandro y Hefestión; Autor desconocidoAutor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sosos
La era helenística es también un período de desarrollo del mosaico, en particular con las creaciones de Sosos de Pérgamo, que fue prominente en el siglo 2 aC. Su interés en ilusión óptica y los impactos del medio se pueden ver en varias creaciones que se le atribuyen, incluido el Piso no barrido en el Museo del Vaticano, que representa las sobras de una comida, y la Cuenca de la Paloma en el Museo Capitolino, que se conoce gracias a una reproducción descubierta en la Villa de Adriano.
Con esto concluye nuestra mirada al arte griego helenístico. La era helenística abarcó 300 años y estuvo marcada por las invenciones, la globalización y la conexión cultural a través de un idioma compartido y una educación estandarizada. Las familias reales vivieron en magnificencia y prosperidad durante todo el período helenístico. Los palacios cuentan con comedores opulentos, cámaras adornadas y magníficos jardines. Una extensa riqueza rodeaba las casas señoriales y los palacios de la aristocracia, la élite política y los comerciantes, que organizaban celebraciones y simposios para mostrar sus riquezas de forma regular. Una sociedad rica con famosos mecenas de las artes que encargaron proyectos públicos de escultura, así como lujos privados para demostrar su dinero y posición social.
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Preguntas Frecuentes
¿Qué es un helenista?
Es posible que se pregunte qué es exactamente un helenista. Un helenista es un individuo que vivió durante el período helenístico y era griego en dialecto, punto de vista y modo de vida, pero no era necesariamente griego en el linaje. Los helenistas trabajaron durante años para promover la antigua tradición griega a las personas que conquistaron y para demostrar la superioridad de su civilización.
¿Cuál es la definición de helenismo?
Es posible que se pregunte cuál es la definición del helenismo. El período helenístico comenzó con la desaparición de Alejandro Magno en 323 a. Durante este período, el arte comenzó a apartarse de los principios clásicos tradicionales, con pintores de la época inyectando sus piezas con nuevas elecciones estilísticas. Las joyas se volvieron más ornamentadas, las esculturas se volvieron más expresivas (casi teatrales) y los edificios desafiaron las convenciones al crecer más. Durante estos reinos, las influencias griegas junto con la cultura nativa dieron como resultado una amplia gama de estilos y temas en el arte helenístico. El interés histórico que marcó esta época tuvo un tremendo impacto en el valor del arte que resultó. El arte helenístico representaba a individuos de diferentes edades, desde bebés hasta ancianos.
