Hoy en día, podríamos dar por sentado que los artistas hispanos son aquellos que viven y trabajan en países de habla hispana. Pero esa definición se complica por las carreras de artistas como Pablo Picasso, Paul Gaugin, Jean-Michel Basquiat y Félix Gonzales-Torres. Para entender este género, es necesario entender su historia.
Una breve cronología del arte hispánico
Las famosas obras de arte hispanas son un fenómeno global que abarca una variedad de artistas a través de una variedad de períodos. Los artistas mayas e incas sentaron sus bases junto con artistas españoles e ibéricos de los siglos 16 y 17, agregando ese estilo de conglomerado que se ha asociado con el arte latinoamericano.
El Siglo de Oro español (1492 – 1659)
Alrededor de 1500, debido a la unificación política y el surgimiento del Imperio español bajo los Habsburgo y los Reyes Católicos, España entró en una edad de oro artística. Pintores barrocos españoles como Francisco de Zurbarán (1598 – 1664) y Bartolomé Esteban Murillo (1617 – 1682) fueron celebrados por sus contribuciones.
El trabajo de Zurbarán fue más duro y Murillo era conocido por sus golpes más suaves.
Posible autorretrato de Francisco de Zurbarán dentro de San Lucas como pintor ante Cristo en la Cruz (1635 – 1640) de Francisco de Zurbarán; Francisco de Zurbarán, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Zurbarán, que fue influenciado por Caravaggio, fue el principal pintor de Sevilla a mediados de 1600. Era conocido por pintar monjas, monjes y mártires para órdenes religiosas españolas. Con la introducción de Pintura rococó, el estilo duro de Zurbarán cayó en desgracia, convirtiendo a Murillo en la estrella y obligando a Zurbarán a comenzar a hacer trabajos para ser exportados al nuevo mundo. La Sagrada Familia (1660) de Murillo muestra a un joven José jugando con el niño Jesús. Sus representaciones de imágenes religiosas católicas eran un tratamiento más realista del tema.
Murillo, cuya mayor influencia fue Diego Velázquez, ganó reconocimiento por sus pinturas que combinaban imágenes religiosas con escenas cotidianas.
El Nuevo Mundo (1492 – c. 1820)
Las Américas habían sido un formidable centro de comercio, mucho antes de la conquista española. Esta fue una edad de oro para las poblaciones nativas americanas que se extendió por las Américas. Mientras que Asia tenía coral, perlas y especias, el nuevo mundo tenía oro, plata y vegetación del nuevo mundo como el maíz y el agave.
De este intercambio nacieron nuevas culturas visuales.
La Sagrada Familia (c. 1600) de Bartolomé Esteban Murillo; Bartolomé Esteban Murillo, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La conquista española vio a los colonos españoles establecer unidades sociopolíticas llamadas encomiendas en lugares como Perú y México, donde podían controlar los puertos del Pacífico y obtener acceso a la porcelana, el jade, las perlas y el coral que se vertían en América del Sur. Si bien España no tenía mucho que ofrecer en el camino del comercio, trajeron su formación artística de renombre mundial.
Decenas de artistas españoles llegaron y cambiaron el curso de la cultura visual en el nuevo mundo. Inversamente, el arte nativo americano tuvo un enorme impacto en el arte europeo.
Una de las mayores influencias fue el nuevo color mundial Carmine utilizado por primera vez por Tolteks y Mishteks y más tarde por el mundo Aztek. Proviene del escarabajo escarabajo que vive en los cactus y produce un color rojo brillante. El vibrante carmín rojo-naranja es similar al carmesí y se ve en muchos pinturas de la época barroca. Se utiliza en las flores del corpiño de la Infanta, en todo el fondo y en la cruz de Santiago de su autorretrato marcada en Las Meninas (1656) de Diego Velásquez. Una brillantez que hubiera sido imposible sin las innovaciones del nuevo mundo.
Barroco del Nuevo Mundo
Gran parte de las primeras imágenes coloniales en América del Sur trataban sobre la conversión de los pueblos indígenas al cristianismo. A través del arte de conversión, los artistas nativos americanos fueron expuestos a las técnicas europeas y pronto los sudamericanos comenzaron a escribirse a sí mismos en la iconografía cristiana. No tenían la misma formación que los artistas inmigrantes, pero utilizaron lo que pudieron del arte europeo para desarrollar un nuevo estilo.
El estilo importado y exagerado del barroco español y portugués se transformó en lo que podríamos llamar ultrabarroco. Las riquezas del nuevo mundo proporcionaron los medios para realizar diseños ambiciosos que combinó influencias góticas, barrocas, rococó, islámicas y renacentistas con sensibilidades nativas americanas.
La Virgen del Apocalipsis (c. 1689) de Juan Correa, Miguel Cabrera y José de Ibarra; Miguel Cabrera, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Juan Correa (1646 – 1716) puede ser visto como el primer pintor mexicano verdaderamente grande. En La Virgen del Apocalipsis (c. 1689) la imaginería iconográfica representa una versión de la virgen María, pero al igual que con pinturas similares de la época como la venerada La Virgen de Guadalupe (1531), María se ha convertido en un símbolo de las ideas nativas y la práctica nativa en lugar de una herramienta directa para el catolicismo. En la obra de Juan Correa es evidente la aguda influencia de Zurbarán.
Inspirado por Murillo, Miguel Mateo Maldonado y Cabrera (1695 – 1768) fue uno de los pintores más famosos del México virreinal del siglo XVIII.
La Visitación (siglo 18) es una representación sincera de María e Isabel cuando aprenden que María va a ser la madre de Dios. En el fondo, José se toma de la mano con Zacarías, que es el esposo de Isabel. En las pinturas europeas de la visitación, José no está presente. En América del Sur, por alguna razón, José se convirtió en una figura mucho más prominente.
Escuela cuzqueña (siglos 16, 17 y 18)
La Escuela de Cuzco se desarrolló en y alrededor de Cusco a finales del siglo 16 a principios del siglo 18. Su imaginería católica romana era una mezcla de la iconografía barroca, rococó y nativa. Estos artistas se extienden por toda la región, desde Bolivia hasta Ecuador y Perú. Muchos de ellos no tenían formación formal, pero aprendieron técnicas manieristas del pintor jesuita italiano Democrito Bernardo Bitti (1548-1610).
Diego Quispe Tito (1611 – 1681) fue el artista más famoso que salió de este movimiento, en parte debido al hecho de que muchos de los artistas permanecen en el anonimato.
Virgen del Carmelo Salvando Almas en el Purgatorio (entre 1600 y 1699) por Diego Quispe Tito; Círculo de Diego Quispe Tito, Dominio público, vía Wikimedia Commons
San José con el Niño Jesús (siglo 19) muestra a José guiando al niño Jesús de la mano. A diferencia de gran parte de las imágenes religiosas europeas, José se muestra como un hombre joven y guapo. Habiéndose convertido rápidamente en un santo patrón en el nuevo mundo, muchas representaciones de José significaron paternidad y patrocinio. La iglesia católica aprovechó este desarrollo para enviar el mensaje de que estaban dispuestos a convertirse en el padre adoptivo del nuevo mundo.
Movimientos Independentistas
Después de la Revolución Francesa (1789 – 1799) Los ejércitos de Napoleón arrasaron España y se apoderaron de Madrid. De 1800 a 1833 España estuvo sumergida en guerras de independencia. Los Habsburgo perdieron el control de España en 1700, dando lugar a la dinastía Borbón. Sin embargo, la dinastía Borbón fue subsumida en la Revolución de Julio de 1830.
Inspirado por estos cambios, México finalmente obtuvo su independencia en 1821 después de 400 años de dominio español.
Autorretrato de José María Velasco Gómez (1894) de José María Velasco Gómez; Museo Nacional de Arte, dominio público, vía Wikimedia Commons
En el siglo 19, hubo un surgimiento de artistas como José María Velasco Gómez (1840 – 1912), quien celebró la herencia mexicana a través de pinturas como La Pirámide del Sol en Teotihuacán (1878). Así como Europa tenía derecho a grandes civilizaciones del pasado como los griegos y los romanos, el nuevo mundo se reconcilió con sus propias grandes civilizaciones.
Los Aztek y los Incas eran culturas vivas cuando la conquista buscó borrar sus culturas para dar paso al cristianismo. No fue hasta los siglos 19 y 20 que lugares como Teotihuacan, México, que fue construido por los Azteks, fueron excavados arqueológicamente, convirtiéndose en los principales símbolos de identidad nacional.
La Revolución Mexicana, que comenzó en 1910, buscó derrocar a la dictadura de Porfirio Díaz. Su final en 1920 tuvo un gran impacto en el arte hispano, y comenzó la misión de transformar el país.
Entrada del general Porfirio Díaz a Puebla (1902) by Francisco de Paula Mendoza; Museo Soumaya, dominio público, vía Wikimedia Commons
El gran estallido de creatividad que vino de la Revolución Mexicana significa un movimiento hacia el autorreconocimiento y la autorrealización del pueblo mexicano. Para 1925, México estaba experimentando un renacimiento artístico, libre de pretensiones europeas y de la moral católica.
La Ciudad de México se convirtió en un meca para artistas y reformadores atraídos por su vitalidad.
Al igual que las decoraciones de las iglesias de su pasado, los murales se hicieron populares por primera vez porque el nuevo mundo era una población en gran parte analfabeta. Los murales eran una forma de comunicar ideas sociopolíticas a la gente a través de imágenes. Hasta el día de hoy, los murales siguen siendo una característica clave de los vecindarios latinos de todo el mundo.
Artistas Hispanos
Los artistas hispanos han sido pioneros que no tienen miedo de hablar sobre las condiciones sociales de su tiempo. Tan diversos como son en el fondo o la ubicación geográfica, las culturas visuales de los artistas de habla hispana comparten una calidad visionaria. De principio a fin historia del arte, las famosas pinturas hispanas han incorporado su contexto cultural para crear arte que fue hermoso y significativo.
Diego Velázquez (1599 – 1660)
Diego Velázquez nació en el puerto interior de Sevilla, que se había hecho inmensamente rico ya que era el principal puerto de comercio con el nuevo mundo. También fue un importante centro religioso, desplegando decenas de pintores para hacer decoraciones para sus iglesias y monasterios.
Velázquez se convirtió en pintor de la corte del rey Felipe IV a finales de la década de 1620. Durante los 40 años de Velázquez como pintor jefe de la corte española, se hizo famoso en toda Europa por sus retratos reales. Cuando Velázquez tenía 57 años, completó Las Meninas (1656).
Las Meninas (1656 – 1657) de Diego Velázquez, ubicada en el Museo del Prado en España; Diego Velázquez, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El enorme lienzo muestra un grupo de figuras en el estudio de Velázquez en el palacio real de Madrid. En el centro de la pintura se encuentra la princesa de cinco años, la infanta Margarita, rodeada de miembros de su séquito. Por primera vez, Velázquez se incluyó entre los cortesanos, pero más que eso, se mostró en el acto de pintar.
En Las Meninas, Velázquez desafió las convenciones del retrato real.
Invirtió la composición e hizo que las figuras más importantes de la escena, los reyes de España, prácticamente ausentes, dibujados solo a través de un tenue reflejo en un espejo. Esto los colocó fuera de la imagen, en el lugar del espectador. Por esta razón, Las Meninas es una de las pinturas más debatidas y celebradas de la historia del arte.
Francisco Goya (1746 – 1828)
El pintor español Francisco Goya es visto como el último de los viejos maestros y su trabajo ayudaría a mover el arte occidental hacia el modernismo. Goya nació a finales del siglo 18 durante un período de grandes cambios para España. Las ideas de ilustración se estaban extendiendo por toda Europa y poniendo en tela de juicio las creencias tradicionales en torno a las cuales se organizaba la sociedad. Aunque había sido pintor de la corte de Carlos III, había mantenido su trabajo como pintor de la corte en Madrid bajo la ocupación francesa.
Goya pasó muchos años, tanto durante como después de la ocupación, creando la ahora famosa serie Desastres de la Guerra (1810-1820), que criticaba los horrores de la guerra y las atrocidades cometidas por ambos bandos.
Desastres de la Guerra No. 39: ¡Grande Hazana! Con Muertos! (entre 1810 y 1820) de Francisco Goya; Francisco de Goya, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Desastres de la Guerra No. 39: ¡Grande Hazana! Con Muertos! es uno de los temas más famosos de impactantes. No se publicó hasta unos 35 años después de la muerte de Goya. Goya no hizo estas imágenes para glorificar o justificar las acciones de España. En cambio, replanteó el conflicto como un montón de actos individuales de carnicería y barbarie.
Los desastres de la guerra rompen la narrativa del heroísmo y la valentía, que oscurecen los verdaderos horrores de la guerra.
El impacto de esta obra ha sido tan ampliamente sentido que muchos artistas que vinieron después de Goya volverían un ojo escéptico similar a la guerra. Picasso Guernica (1937) viene a la mente como una imagen que seguiría en esta tradición.
Pablo Picasso (1881 – 1973)
Gran parte de la vida artística de Pablo Picasso transcurrió en Francia, pero su compromiso con sus raíces españolas es digno de mención. En 1906, después de verlos en el Louvre, Picasso quedó fascinado con la cruda severidad de las antiguas cabezas ibéricas. Los párpados pesados y las enormes orejas ofrecían a Picasso una forma alternativa de pintar el mundo.
El alcance de esta influencia en Picasso se realizaría en 1936. Ese año, su país de origen, España, estaba siendo destrozado por una brutal guerra civil. En abril de 1937, en apoyo de los fascistas españoles, un escuadrón de aviones alemanes arrasód la ciudad comunista de Guernica, controlada por la oposición, con 5000 bombas, masacrando a más de 1500 civiles.
Picasso respondió haciendo «Guernica» (1937), quizás la pintura más importante del siglo 20.
Muestra un enorme desorden de extremidades destrozadas y desmembradas. La llamarada dentada en la parte superior del lienzo simboliza una explosión. Cargando el cadáver de su hijo muerto, la mujer a la izquierda de la pintura parece tener una cara que se disuelve debido a su dolor. Sus fosas nasales y ojos goteaban de su cabeza. Su boca con una lengua penetrante hace una imagen casi audible del sonido estridente de su llanto.
«Guernica» se mostró por primera vez en el Pabellón de España en la Exposición Universal de París de 1937.
Cuando España se enfrentó a la Segunda Guerra Mundial, con la Alemania nazi en un extremo y la Unión Soviética en el otro, la pintura llegó a simbolizar las profundidades bárbaras a las que la humanidad podía descender. Viajó más de cincuenta veces antes de ser finalmente devuelto a Madrid.
José Clemente Orozco (1883 – 1949)
En murales como La epopeya de la civilización americana (1932 – 1934), José Clemente Orozco integró historias y leyendas de los nativos americanos en su imagen de la identidad mexicana, trazando la trayectoria hasta el punto de la revolución mexicana. Esta estrategia influiría enormemente Arte chicano que surgió a principios del siglo 20.
En los murales épicos de Orozco, la yuxtaposición de las escenas de la antigua América con la de la América moderna, en la que cuestiona críticamente la narrativa lineal, involucra relatos populares del destino manifiesto, la ideología y el panamericanismo.
Los primeros cuatro paneles de su mural titulado Cortez and The Cross (1932-1934) representa a los conquistadores en una escena de destrucción, grandes rocas se amontonan hasta el cielo con escombros, una cruz ominosa, mientras que un montón de cadáveres desnudos yace debajo del gesto victorioso del blindado Cortez.
La epopeya de la civilización americana (1932 – 1934) de José Clemente Orozco; Wikipedia en inglés en la Wikipedia en inglés, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Orozco interrumpió el excepcionalismo estadounidense de la mentalidad de los colonos que borró otras culturas y centró la narrativa anglosajona como la historia de América. Yuxtapuso lo que estaba sucediendo en la década de 1930 con las imágenes de la inquisición española para cuestionar el desarrollo de los acontecimientos históricos.
Sin romantizar la identidad mexicana, Orozco presentó la historia estadounidense desde una perspectiva mexicana. Orozco describió a México como una víctima de la corrupción interna y externa. Se centró en la revolución campesina como emblema de la lucha popular.
La revolución representó el rechazo de la autoridad soberana de la conquista española y de los gobiernos liberales posteriores a la independencia de México. Como el único protagonista de piel oscura en la parte moderna de los murales de Dartmouth, la figura representaba la amenaza de violencia racial que fomentó los temores angloamericanos sobre la Revolución Mexicana.
Diego Riviera (1886 – 1957)
Diego Riviera había pasado los años de la revolución en París estudiando Cubismo, donde llegó a ser muy respetado por sus compañeros, que incluían a Picasso. Celebrado en su país natal por sus logros, regresó a México en 1921 después de la Revolución Mexicana.
Junto con José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, Riviera fue uno de los «tres grandes» artistas encargados de cubrir las paredes públicas con murales que contarían las historias reescritas de la historia del país.
Los murales de Riviera narraron la mitología nativa americana, la conquista española, las maravillas de la industrialización y el levantamiento de la clase trabajadora a través del uso audaz del color y las formas simplificadas. Una de las mejores obras del movimiento mural es La Historia de México (1929 – 1935), que se encuentra en el Palacio Nacional de la Ciudad de México.
Joan Miró (1893 – 1983)
Joan Miró nació en Barcelona, pero los paisajes y el entorno de la localidad catalana de Mont-roig fueron elementos cruciales de su obra. Made in Mont-roig, El campo labrado (1923), es quizás el primer ejemplo de miró pintura surrealista. Se refería a su patrimonio artístico en la pintura prehistórica latina.
Miró pintó las banderas catalana y francesa a ambos lados de un poste, mientras que la bandera española ondeó sola, tal vez mostrando su apoyo al régimen subyugado.
En 1934, España se había sumido en la agitación. La Revolución de Octubre se había extendido por todo el país, lo que había llevado a una recesión económica. Naturaleza muerta con zapato viejo (1937) se hizo en Francia mientras miles de personas eran masacradas en España.
Miró dijo que los elementos simbólicos de la pintura eran subconscientes. Más tarde se dio cuenta de que el tenedor en la manzana podría representar la bayoneta perforando el pecho del enemigo. Su uso del color y el tono evocan una respuesta claustrofóbica al trozo de pan viejo y manzana, una botella vacía y un zapato viejo.
Años más tarde, los críticos de arte se referirían a esta pintura como la propia versión de Miró del Guernica.
Salvador Dalí (1904 – 1989)
Nacido en la dramática costa del noreste de España, el trabajo de Salvador Dalí fue convincente porque pintó mundos imposibles, basados en lugares que conocía y amaba. Para entender perfectamente la pintura de Dalí, hay que conocer Cadaqués, el pueblo donde la familia Dalí pasaba sus vacaciones. Dalí dijo una vez: «No puedo separarme de este cielo, este mar, estas rocas».
El gran masturbador (1929) está basada en una roca reconocible en Cadaqués, pero sus distorsiones de la realidad son la interpretación de Dalí. Hay un saltamontes en la boca del protagonista. Se dice que la figura en la parte inferior izquierda de la pintura, cuya sombra conduce a otras dos figuras, representa un recuerdo de Dalí y sus padres caminando por la playa de Cadaqués.
Tras convertirse en uno de los artistas vivos más famosos, regresó a Cadaqués en 1929, donde pintaría algunos de sus mejores cuadros. Su nuevo enfoque en el arte religioso le llevó a pintar el Cristo de San Juan de la Cruz (1951) con su vista aérea del crucifijo y la costa de Cadaqués.
Frida Kahlo (1907 – 1954)
Frida Kahlo nació en la Ciudad de México en 1907. Con una madre nativa americana de Oaxaca, estaba extremadamente orgullosa de su herencia. En 1910, el año en que Frida cumplió tres años, la Revolución Mexicana explotó en todo el país. Una de las misiones intelectuales del México posrevolucionario fue la Escuela Nacional Preparatoria. En 1922, Frida se convirtió en una de las primeras estudiantes femeninas del Preparatorio.
A los 21 años, con la violencia de la independencia terminada, Frida se unió a la vitalidad creativa de la ciudad. Socializó con una comunidad de marxistas, comunistas, antiimperialistas, líderes, artistas y exiliados políticos.
Plagada de problemas de salud desde una edad temprana, murió a la edad de 47 años. Sin embargo, a lo largo de los años, sus pinturas surrealistas profundamente personales y simbólicas la convirtieron en un icono del arte, los movimientos feministas y políticos, y la cultura pop.
Frida Kahlo se ha convertido en uno de los artistas más famosos del siglo 20.
Arte chicano
Chicano se originó como un término despectivo que los mexicanos usaban para describir a los mexicanos que habían emigrado a América. A finales de la década de 1960, el movimiento de derechos civiles reclamó el término que comenzó a abarcar la nueva experiencia mexicoamericana.
El arte chicano se clasificó tradicionalmente como arte popular, y tiene sus raíces en las tradiciones murales mexicanas.
Carlos Almaraz fue uno de los pintores chicanos originales. Su pintura Echo Park (Falling Angels), (1974) representa formas abstractas que descienden a Echo Park, un importante lugar latino. Another Crash (Police) (1979) proviene de su colección de pinturas de accidentes automovilísticos que representaban la angustia del centro de la ciudad.
La pintura en pastel de Leo Limón, con sede en Los Ángeles, Mas Guegod (2000), que significa más juegos, representa símbolos aztecas que rodean una figura humeante. El pastel se convirtió en un medio común en el arte chicano debido a su asequibilidad.
En el arte chicano, estos artistas son capaces de representar sus propias realidades en lugar de tener ciertas identidades sobre ellos. Como estadounidenses que están algo excluidos de la americanidad, sus experiencias del centro de la ciudad, así como la violencia y la vitalidad que emergen, son lo que constituye lo que hoy conocemos como Arte Chicano.
Patssi Valdez (1951 – Presente)
Uno de los pintores chicanos más importantes, Patssi Valdez, surgió del colectivo chicano Asco, que es español para las náuseas. Asco salió del movimiento punk y operó desde 1972 hasta 1987. Al experimentar con temas expresionistas de vanguardia, Asco rompió los límites del arte chicano que hasta entonces se habían limitado a Murales y carteles.
Valdez fue la única mujer de los cuatro miembros fundadores. Su pintura, Blue Girl In A Yellow Dress (1995), se hace eco de las tradiciones establecidas por pintoras mexicanas como Frida Kahlo.
La composición de la pintura con sus ángulos sesgados nos pone en desacuerdo con la tradicional instantánea del patio trasero de una niña que está en su mejor momento dominical, con guantes blancos y los pequeños calcetines rosados antes de ir a misa.
Las críticas representativas de Valdez al género le dieron a su trabajo una ventaja que era claramente feminista. Sus pinturas se centran en espacios domésticos interiores y sus imágenes están saturadas de color que crea espacios oníricos y cargados de emociones.
Valdez describió sus pinturas como «fragmentos de ambientes que considero encarnaciones de mi experiencia chicana».
Evolución sin fin
Desde las antiguas formas de arte de las culturas azteca, inca y maya, hasta la Edad de Oro española y las escenas creativas contemporáneas de la Ciudad de México, San Diego, Los Ángeles o el área de la Bahía, el corazón del arte hispano late debido a las distinciones y conexiones inherentes que han existido a lo largo del tiempo.
Los pintores hispanos nunca descartan sus influencias culturales, sino que simplemente adaptan sus influencias anteriores a sus nuevos entornos. Estas evoluciones constituyen una necesidad para el estudio continuo de este género en constante cambio. Son estas metamorfosis las que nos permiten examinar qué es realmente el arte hispano.
Preguntas Frecuentes
¿De dónde viene el término hispano?
Los colonos angloamericanos se absolvieron de las barbaridades del Imperio español. La construcción del término hispano se basó en la distinción ideológica entre las dos colonias. Separó a personas que no eran blancas o anglosajonas y, con el tiempo, el término hispano se convirtió en sinónimo de ser antiamericano, sin tener en cuenta el hecho de que los límites entre los Estados Unidos y México eran invenciones europeas.
¿Qué son las pinturas de Casta?
Las pinturas de Casta son una parte importante de la historia del arte latinoamericano y demuestran el impacto de la cultura en el arte. Las pinturas de casta se utilizaron para transmitir la supremacía blanca, promoviendo la idea del dominio europeo en la jerarquía social y racial.
¿Qué tiene que ver el arte hispano con el arte africano?
Las famosas obras de arte hispanas a menudo incorporan muchas capas de influencia cultural. Los colonizadores españoles y portugueses trajeron consigo millones de esclavos africanos, lo que llevó a la integración de las antiguas tradiciones artísticas africanas en la región.
¿Quién es el más famoso de los pintores hispanos?
Las pinturas hispanas más famosas fueron hechas por Pablo Picasso. Puede que haya pasado la mayor parte de su tiempo en París, pero Picasso fue ante todo un artista español y siempre buscó inspiración en sus raíces españolas.
