Como miembros de las épocas culturales más influyentes del siglo 20, los artistas de la década de 1960 fueron parte integral de la aparición de movimientos que remodelaron y desarrollaron nuevos lenguajes y estilos estéticos. A medida que crecían numerosas críticas al sistema educativo, las manifestaciones estudiantiles, el movimiento hippie y los movimientos artísticos de la década de 1960 intentaron alterar el mundo. El pop evolucionó para representar una nueva forma de vida luchando contra la alta cultura tradicional. En términos de arte visual, los estilos de arte de la década de 1960, incluido el arte psicodélico, el arte pop, el minimalismo y el arte conceptual, surgieron como las ideas más importantes y cambiantes de la época.
Obras de arte de la década de 1960
La década de 1960 trajo un nuevo tipo de imágenes pop y la utilización de materiales industrializados al arte, los bienes producidos en masa, el consumismo y el creciente impacto de la cultura pop estadounidense, su música rock n’ roll y la floreciente industria. Los movimientos artísticos de la década de 1960 no solo abrazaron lo nuevo, sino que también se rebelaron contra el viejo status quo.
Para muchos historiadores del arte, la rebelión de la década de 1960 está inextricablemente ligada a las ideas y acciones revolucionarias de los grupos de vanguardia y sus artistas alrededor del cambio del siglo 20.
La naturaleza rebelde de los artistas de la década de 1960
Según numerosos puntos de vista, los dos períodos comparten una sensación de disrupción y una imaginación fértil impulsada por la exuberancia tecnológica. Sobre todo, las obras de arte de la década de 1960 y su estilo principal Pop Art aspiraban a rebelarse contra el drama emotivo y el espíritu del expresionismo abstracto.
Los artistas reforzaron el concepto de expresión artística utilizando imágenes de la cultura popular, a pesar de la afirmación del movimiento expresionista de representar el alto arte.
Campbell’s Soup Cans (1962) de Andy Warhol, ubicada en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos; Gorup de Besanez, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Varios post-pictóricos pintores de abstracción, también rebelándose contra las obras de arte del expresionismo abstracto, borró la emoción al eliminar cualquier evidencia de la mano del artista. Los artistas de la década de 1960 acentuaron las superficies planas, la vitalidad y la abstracción de bordes duros al eliminar las pinceladas.
El crecimiento de la cultura y la tecnología consumistas vio un aumento en la utilización de materiales comerciales en el ámbito del arte.
Los movimientos conceptuales y minimalistas utilizaron materiales producidos en masa como el hormigón, el ladrillo, el acero y el neón para producir esculturas y obras de arte de instalación que enfatizaban la idea y la técnica por encima del resultado. Esto planteó otro desafío a las instituciones del mundo del arte. La noción del objeto de arte, su presencia y su lugar fueron redefinidos.
Movimientos artísticos importantes de la década de 1960
Los siguientes movimientos son considerados como perlas de obras de arte de la década de 1960 porque no dejaron nada sagrado y promovieron la vida de una manera que se rebeló contra las nociones tradicionales. Alteraron el concepto del objeto, y los materiales, y desarrollaron la palabra efímero, que está íntimamente relacionada con el desarrollo de Happening y Movimiento de arte de performance.
El arte pop está inextricablemente ligado a la historia de los estilos artísticos de la década de 1960, por lo que comenzaremos por ahí.
Arte Pop
El movimiento es considerado como el período más crucial que define el arte contemporáneo debido a sus avances. Artistas de arte pop transformó la apariencia de la pintura al traer un nuevo tipo de estética corporativa mediante el uso de imágenes de medios populares y cosas encontradas. Estos conceptos influyeron no solo arte visual pero también diseño gráfico, ropa y una forma específica de vivir.
La creencia de Andy Warhol de que «a largo plazo, todos algún día serán mundialmente famosos durante 15 minutos» afectó el estatus de celebridad de numerosos artistas y su equipo en la comunidad artística de la década de 1960.
Edición especial de latas multicolores de sopa Campbell de Andy Warhol; Foto: Jonn Leffmann, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Arte Operacional
El Movimiento Op art se basa en una respuesta al ingrediente esencial de la producción creativa, a saber, la percepción visual. Los artistas de Op art de la escena artística de la década de 1960 impactaron la creación del arte cinético y la escena en expansión del arte de la ilusión óptica al integrar el arte abstracto y geométrico y experimentar con los elementos más fundamentales del arte, como la línea, el color y el contraste.
Bridget Riley es una de las pintoras más influyentes de esta época.
Arte minimalista
El minimalismo fue la primera tendencia artística de importancia internacional que surgió en Estados Unidos. Creó una nueva forma de ver y disfrutar de las obras de arte al enfatizar la pureza y la simplificación de sus obras. El rechazo de la emoción del artista, junto con el deseo de crear productos que no se parecieran al arte superior, dieron lugar a creaciones geométricas.
Los artistas minimalistas intentaron deconstruir los conceptos tradicionales de pintura y escultura.
Sin título (1988 – 1991) de Donald Judd, ubicado en el Billy Rose Art Garden en el Museo de Israel, en Jerusalén, Israel; Talmoryair, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
El empleo de materiales industriales prefabricados, la repetición de patrones geométricos y la atención al espacio real utilizado por la obra de arte dominaron el trabajo de sus artistas notables, incluidos Carl Andre, Donald Judd y Robert Morris.
Arte conceptual
El movimiento artístico conceptual priorizó la premisa de la obra de arte sobre todo lo demás. Diversas formas y movimientos en el arte se afirma que caen dentro de esta descripción, incluyendo la performance, los acontecimientos y el concepto de lo efímero aparente en land art.
Los diseñadores conceptuales rechazaron las nociones de lo atractivo, poco común y hábil como medidas del arte, citando el concepto de readymade propuesto por el famoso artista dadaísta Marcel Duchamp.
La fotografía de Alfred Stieglitz de Fountain (1917) de Marcel Duchamp; Marcel Duchamp, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Muchos aludieron al movimiento como la época de desmaterialización del arte, ya que redujo las obras de arte a un mínimo esencial. La importancia del arte de la década de 1960 se vio reforzada por el advenimiento de movimientos clave como el movimiento de arte negro y el arte feminista en la década de 1970. Debido a sus volátiles eventos políticos, los estilos artísticos de la década de 1960 se consideran un tiempo de transición entre la creación artística contemporánea y moderna.
Artistas importantes de la década de 1960
Cuando identificamos el tiempo como el período Pop, artistas como Peter Blake, Joseph Kosuth, Andy Warhol, Donald Judd, Roy Lichtenstein, Sol LeWitt y Robert Rauschenberg inmediatamente vienen a la mente. Le debemos el concepto de vida y arte fusionándose como nunca antes a estos artistas.
Las obras de arte pop más reconocidas se inspiraron en técnicas de serigrafía industrial, gráficos de tiras cómicas y anuncios, y legendarias estrellas de música y cine.
Roy Lichtenstein (1923 – 1997)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 27 de octubre de 1923 |
| Fecha de fallecimiento | 29 de septiembre de 1997 |
| Lugar de nacimiento | Manhattan, Estado de Nueva York |
Lo icónico Movimiento Pop Art conmocionó al mundo y dejó una impresión duradera en el arte del siglo 20, motivado por el materialismo y una sociedad de fabricación en masa. Comenzó a mediados de la década de 1950 en el Reino Unido y se extendió a los Estados Unidos, influyendo en el curso del arte.
Roy Lichtenstein fue uno de los primeros pintores pop estadounidenses en alcanzar el reconocimiento mundial.
Lichtenstein, escultor, pintor e impresor, es considerado como uno de los artistas más destacados del nuevo género audaz, cuyo propósito principal era acercar el arte a la población en general y desafiar las barreras que separan las bellas artes y la cultura dominante. Roy Lichtenstein se trasladó a Nueva Jersey en 1960 para convertirse en profesor asociado de arte en Douglass College. Durante el mismo período, creó sus primeras pinturas pop, que presentaban motivos de dibujos animados y métodos inspirados en la estética de la impresión comercial.
Roy Lichtenstein frente a su exposición en el Stedelijk Museum de Ámsterdam, Países Bajos; Eric Koch, CC0, vía Wikimedia Commons
En 1961, creó Look Mickey, su primera obra de arte libre de expresionismo, inspirada en una imagen de una de sus series infantiles Little Golden Book. Look Mickey es significativo por su humor sardónico y mérito artístico, además de ser el primer ejemplo del uso por parte del diseñador de globos de habla, imágenes cómicas y puntos Ben-Day como base para una obra de arte. Los críticos de arte ven la pintura como innovadora como una continuación del Pop Art y como una obra de arte del arte contemporáneo en general. En 1961, Lichenstein conoció a Ivan Karp, un marchante de arte.
Karp eligió representar a Lichtenstein después de que el artista le mostrara numerosas obras. En 1962, tuvo una exposición individual de su trabajo en la Galería Leo Castelli, dondeLe valió elogios de la crítica y una reputación en el mundo del arte.
Algunas de las obras más famosas de Lichenstein se inspiraron en culturas populares, como imágenes comerciales, cómics militares y retratos pin-up, así como géneros de pintura clásicos que incluyen paisajes, bodegones e interiores.
Andy Warhol (1928 – 1987)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 6 de agosto de 1928 |
| Fecha de fallecimiento | 22 de febrero de 1987 |
| Lugar de nacimiento | Pittsburgh, Pensilvania |
Fue el comienzo de la década de 1950 cuando la industria del arte fue testigo del nacimiento de un nuevo movimiento que se convertiría en uno de los más grandes del siglo 20. El arte pop, influenciado por las imágenes de la cultura popular, al mismo tiempo elogió y condenó las decisiones de consumo y la replicación masiva, disfrutando de una inmensa popularidad a lo largo de los siguientes 50 años y más allá.
Andy Warhol, un artista estadounidense, fue una figura clave en la creación del nuevo movimiento.
Fue una gran mente maestra de su tiempo, generando algunas de las imágenes más famosas del siglo 20, redefiniendo numerosos conceptos e introduciendo otros nuevos que rápidamente establecieron nuevas normas. Su estilo de vida y arte, que celebraban el consumismo y la sociedad de fabricación en masa, continúan cautivando a creativos y aficionados de todo el mundo más de 30 años después de su fallecimiento.
Retrato del artista estadounidense Andy Warhol en su exposición dedicada a las travestis negras en los Estados Unidos, noviembre de 1975; Desconocido (Mondadori Publishers), Dominio público, vía Wikimedia Commons
Warhol obtuvo aceptación mundial por sus imágenes de botellas de refrescos, latas de sopa, billetes de dólar y pinturas icónicas de celebridades como Elvis Presley, Jimmy Carter, Mick Jagger, Prince y Elizabeth Taylor, trabajando en una variedad de medios que incluyen pintura, dibujo a mano, grabado, serigrafía, escultura, fotografía, cine y música.
Andy tomó un tren expreso a la ciudad de Nueva York poco después de graduarse para buscar una carrera en las artes. Fue también en este período que omitió la «a» de su apellido y comenzó su carrera como ilustrador corporativo. En septiembre de 1949, fue asignado para escribir un artículo para la revista Glamour titulado Success is a Job in New York.
También fue comisionado por prominentes publicaciones de moda como «Vogue», «Glamour», «Tiffany & Co.» y «Harper’s Bazaar», lo que lo ayudó a convertirse en uno de los artistas estadounidenses más buscados de la década de 1950.
Donald Judd (1928 – 1994)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 3 de junio de 1928 |
| Fecha de fallecimiento | 12 de febrero de 1994 |
| Lugar de nacimiento | Excelsior Springs, Misuri |
Donald Judd, un artista de posguerra de Estados Unidos, es sinónimo de Arte minimalista. A pesar de sus severas objeciones a la vaguedad del término, el artista es reconocido como uno de los minimalistas más influyentes en la historia del arte. Abordó su trabajo para producir esculturas que adquirieron una existencia tangible y física directa, sin hacer grandes comentarios filosóficos.
Judd logró construir un lenguaje visual disciplinado que buscaba objetos distintos e inequívocos como su principal medio de articulación evitando los principios tradicionales de la escultura pictórica.
Después de una breve incursión en la pintura, Judd cambió al medio de la xilografía a fines de la década de 1940. Las características lineales de su medio recién elegido alejaron su enfoque de las representaciones y lo llevaron hacia la abstracción. A principios de la década de 1960, había abandonado por completo el plano de imagen bidimensional y comenzó a centrarse en las formas tridimensionales, con la materialidad jugando un papel crucial. La obra de arte de Judd a menudo se conoce como literalista debido a la ambición del artista de construir objetos que pudieran valerse por sí mismos.
Sin título (1991) de Donald Judd, fabricado en aluminio esmaltado. Ubicado en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos; © 2019 Judd Foundation/Artists Rights Society (ARS), Nueva York. Foto: John Wronn, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Las esculturas del artista se encuentran en el suelo, abandonando los aspectos fundamentales de la escultura clásica (incluida su ubicación en un zócalo), obligando a los espectadores a abordarlas desde el punto de vista de su existencia corporal.
Judd empleó procedimientos y técnicas vinculadas con la Escuela Bauhaus para distinguir sus obras de las creadas por artistas que trabajan bajo los principios del Expresionismo Abstracto, dando a sus creaciones un valor sin emociones, casi aspecto industrial. Otra característica distintiva suya fue la serialización de sus obras, una táctica que reflejaba las realidades de la posguerra y el rápido aumento del consumismo.
El trabajo de Judd fue visto como un esfuerzo hacia la accesibilidad del arte, con las esculturas siendo accesibles a una gama más amplia de individuos debido al uso de elementos producidos.
Sol LeWitt (1928 – 2007)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 9 de septiembre de 1928 |
| Fecha de fallecimiento | 8 de abril de 2007 |
| Lugar de nacimiento | Hartford, Connecticut |
Sol LeWitt popularizó el arte conceptual con su declaración de que la idea es la parte más esencial de la obra de arte, como uno de los personajes principales en la formación de la nueva estética de la década de 1960 que estaba en oposición al expresionismo abstracto. Jugó un papel decisivo en el establecimiento del minimalismo y el arte conceptual en la era de la posguerra.
LeWitt vio la creatividad como un esfuerzo intelectual y utilitario, creyendo que el concepto en sí mismo podría constituir la obra de arte, desplazando al artista al papel de productor de esa idea.
Si el único deber de un artista es crear una obra, puede delegar la creación a otros u optar por nunca crear nada en absoluto. Alguien le había dejado un libro con la fotografía en serie de Eadweard Muybridge, estudios consecutivos de humanos y animales en movimiento, que más tarde resultaría ser el más influyente en su trabajo. Sus obras sobre lienzo con gruesas capas de pintura al óleo, así como piezas tridimensionales construidas como Serial Project en la segunda mitad de la década de 1960, o varias esculturas construidas con cubos blancos, fueron influenciadas por el serial de Muybridge.
Pirámide de cuatro lados de Sol LeWitt, ubicada en el Jardín de Esculturas de la Galería Nacional de Arte en Washington, D.C., Estados Unidos; David de Washington, DC, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Su trabajo debut, Wall Drawing #1, se mostró en la Paula Cooper Gallery de Nueva York en 1968. Era una red de líneas paralelas en 4 cuadrantes hechas con un lápiz negro sobre una pared blanca, similar a muchas otras que seguían a esta. La existencia de los diseños de pared se definió como una colección de instrucciones que podrían aplicarse nuevamente. Después de completar el primero por sí mismo, LeWitt rápidamente reunió un equipo de asistentes para llevar a cabo sus ideas. En este sentido, el concepto de su obra trascendió el arte mismo.
A principios de la década de 1960, Sol LeWitt comenzó a producir sus obras tridimensionales, denominadas las estructuras, centrando su investigación en el cubo.
Los contornos reducidos del cubo abierto, construido de madera y lacado a mano, sirvieron de base para las esculturas. A partir de 1969, construyó con materiales industriales como aluminio y acero, y posteriormente, en la década de 1980, utilizó bloques de hormigón y cemento.
Peter Blake (1932 – presente)
| Nacionalidad | Inglés |
| Fecha de nacimiento | 25 de junio de 1932 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | Dartford, Reino Unido |
Mientras Andy Warhol es conocida como la persona que popularizó el arte, muchas personas consideran a Peter Blake como el fundador del movimiento. Aparte de los lienzos, es conocido por su interés en las imágenes de la cultura dominante, que incorpora en sus collages. Blake saltó a la fama como uno de los artistas pop británicos más conocidos a finales de la década de 1950.
Creó pinturas que se asemejaban a collages. Las imágenes de la literatura existente, los periódicos y anuncios, y el entretenimiento de la sala de conciertos se incluyen en la carrera y las obras del artista.
Blake frecuentemente representaba luchadores, y varias de sus obras parecen publicidad o carteles. Blake comenzó a pintar retratos tipo collage de cantantes y estrellas de cine en 1959, así como a crear ensamblajes a partir de materiales reutilizados, postales y otros artefactos. Junto con sus collages, Blake experimentó con el arte de la imitación, creando collages pintados, imitando paneles pin-up y puertas de cubículos, expandiendo, repintando temas de postales y produciendo reproducciones de carteles. Originalmente se asoció con el naciente estilo de arte pop británico en el espectáculo Young Contemporaries de 1961.
On the Balcony (1957) es una obra temprana clave que se ha convertido en una obra icónica del arte pop británico, demostrando el interés de Blake en mezclar motivos de la cultura pop con bellas artes. La pintura, que parece ser un collage pero está completamente pintada, representa a un joven a la izquierda del arreglo agarrando El balcón (1868) de Édouard Manet, insignias y publicaciones periódicas, amotras cosas. Se inspiró en el cuadro de Honoré Sharrer Obreros y pinturas, que representaba a los trabajadores agarrando grandes pinturas. Blake creó varias portadas de discos.
En 1967, creó la obra de arte de los Beatles para el álbum «Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band». Se convirtió en una pieza icónica de arte pop, ampliamente replicada, y la obra de arte más conocida de Blake.
Joseph Kosuth (1945 – presente)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 31 de enero de 1945 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | Toledo, Ohio |
Joseph Kosuth fue uno de los pioneros del arte conceptual en la década de 1960, apoyando la premisa de que el arte debe estar libre de toda evidencia de habilidad y artesanía para que las ideas se divulguen de la manera más directa, rápida y simple posible. Preocupado por las analogías entre lo óptico y lo verbal, y motivado por las teorías de la comunicación del filósofo Ludwig Wittgenstein, Kosuth buscó comprender la relación entre las frases y sus significados, así como su efecto directo sobre los objetos que representan.
Su trabajo con frecuencia incorpora frases intrigantes de la literatura, la psicología, la filosofía y la historia, lo que permite a la audiencia reflexionar sobre temas como el empobrecimiento, el racismo, la soledad, la alienación, el propósito de la vida y la identidad propia.
Hasta 1967, Kosuth se dedicó al arte en la Escuela de Artes Visuales. Kosuth eligió investigar filosofía y antropología en la Nueva Escuela de Investigación Social después de cuestionar el valor de las imágenes en la transmisión de conceptos y nociones y estudiar el uso del lenguaje.
Comenzó a crear piezas intrincadas a la edad de 20 años para declarar el arte conceptual y su comprensión del arte como una noción y significado fundamental. Su serie de instalaciones One and Three (1965) proporcionó un examen directo de sus aspiraciones al ensamblar las cosas, imágenes de esas cosas y una copia ampliada de la descripción del diccionario.
Su ejemplo inicial, y el más famoso, de esta serie pregunta: «¿Qué hace exactamente una silla en nuestras mentes: el artículo o la palabra?»
Como un trabajo que enfatiza la relación entre el lenguaje, la imagen y el significante, desafía al espectador con el uso de palabras para describir o identificar objetos, investigando cómo el lenguaje juega un papel vital en la comunicación del significado y convirtiéndose en la contraparte hablada o escrita para el elemento.
Una ola de radicalismo se extendió por la década de 1960. La década alteró la escena social y política, y sus consecuencias aún se pueden sentir hoy, desde las manifestaciones estudiantiles globales que buscan la democratización hasta el movimiento contracultural que transformó el país. A mediados de la década de 1960, los puntos de vista de Greenberg, Pollock y sus contemporáneos se habían institucionalizado y distanciado de la periferia, que seguía impulsando los objetivos formalistas del arte, tanto en su producción como en su influencia crítica en la sociedad. Lo que era vanguardia en Occidente ya no requería un pincel y lienzos, sino que los movimientos artísticos de la década de 1960 se rebelaron contra la tradición al mezclar temas, símbolos y temas comunes, así como nuevas formas de medios, en las tradiciones artísticas.
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Preguntas Frecuentes
¿Qué definió el arte de la década de 1960?
Durante la década de 1960, la literatura, las obras de arte, la danza y la actuación pasaron por un momento emocionante de desarrollo y transformación. El arte pop y las ocurrencias, por ejemplo, introdujeron una nueva atención pública a la expresión creativa. Las nociones tradicionales de escritura de ficción fueron desafiadas por artistas literarios.
¿Qué era un estilo de arte popular de la década de 1960?
Debido a sus innovaciones, el movimiento pop art es reconocido como el momento más crucial en la definición del arte moderno. Los pintores pop cambiaron la apariencia de la pintura al introducir un nuevo tipo de estética corporativa a través del uso de imágenes de la cultura de masas y objetos encontrados. Estas ideas influyeron no solo en el arte visual, sino también en las artes gráficas, la ropa y una forma de vida.
