¿Qué es el arte de vanguardia? El estilo vanguardista se refiere a la capacidad del arte moderno para la revolución social, política y cultural. Los artistas de vanguardia aspiraban a desafiar los criterios artísticos aceptados para desarrollar nuevos paradigmas de creación. Fue uno de los movimientos artísticos del siglo 20 con un objetivo social y político revolucionario, un deseo de deconstruir y reconstruir las instituciones sociales que se consideraban inextricablemente vinculadas a los estándares convencionales de estética.
Explorando el mundo del arte de vanguardia
A pesar de que el concepto de vanguardia implica una preocupación por abrir un camino, en prácticamente todos los casos esto fue motivado por el deseo de transmitir una imagen más precisa de la «realidad». Los artistas de vanguardia han creado arte que típicamente se ha interpretado de dos maneras. Por un lado, se considera que está íntimamente ligado a una agenda política o social progresista, con obras de arte transgresoras que sirven como plataforma para actividades políticas subversivas.
El arte de vanguardia, por otro lado, ha sido visto como la esfera de la experimentación artística pura, sin restricciones por ninguna preocupación social.
Estos dos significados tienen cada uno sus propios relatos históricos, clasificaciones y rúbricas analíticas, que con frecuencia chocan entre sí. Las pinturas de vanguardia se han conectado típicamente con un cierto movimiento, que va desde el impresionista hasta el realista, el expresionismo y el arte moderno, y así sucesivamente.
Parte del propósito y el significado de los artistas de vanguardia siempre ha incluido la identificación de un conjunto preciso y sistemático de objetivos para su trabajo, que generalmente está conectado con una red muy unida de colegas o camaradas que proporcionan la base para su creación.
Orígenes del arte de vanguardia
Inicialmente, «Avant-Garde» era una palabra militar francesa para lo que llamaríamos la punta de lanza de la infantería en inglés. Sin embargo, su uso más temprano en el arte es anterior al nacimiento de cualquier grupo de arte particularmente vanguardista por varias décadas. El término apareció por primera vez en referencia al arte francés solamente, con Henri de Saint-Simon, un pensador social francés, al que se le atribuye la acuñación del término.
Saint-Simon, cuyas teorías políticas y socialistas tenían una influencia sustancial, era un pensador importante en ese momento y creía que el poder social de las artes, junto con los científicos e industriales, ayudaría a los artistas a emerger como los nuevos gobernantes de la sociedad. Después de esto, «vanguardia» se convirtió en un término que se usaba con frecuencia cuando se hablaba de artistas, y muchos atribuyeron el estilo realista de Pinturas de Gustave Courbet como un importante punto de partida.
Saint-Simon escribió: «Los artistas te serviremos como vanguardia: la capacidad de los creativos es la más directa e inmediata: cuando queremos propagar conceptos entre la humanidad, los estampamos en piedra o lienzo. ¡Qué destino tan glorioso espera a las artes: ejercer una influencia constructiva sobre la civilización, realizar un deber espiritual genuino y avanzar audazmente en la vanguardia de todas las instalaciones mentales!»
Retrato de Henri de Saint-Simon por Godefroy Engelmann (c. 1825); Godefroy Engelmann, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, debido a la escasez de procedimientos de identificación literaria en ese momento, así como a los estrechos vínculos de trabajo de Saint-Simon con su aprendiz Olinde Rodrigues, las interpretaciones académicas sobre los orígenes reales de esta noción han diferido. En cualquier caso, es evidente que, si bien el concepto de arte de vanguardia se asoció más tarde con la estética y los procedimientos revolucionarios, Saint-Simon y sus alumnos no se preocuparon por tales cuestiones. El arte de vanguardia, según ellos, es aquel que sirve a los principios y principios del progreso social, «ejerciendo un poder constructivo sobre la sociedad».
Este concepto, que enfatizaba e incluso requería preocupación por el cambio social, siguió siendo una influencia constante en los artistas y comentaristas de vanguardia, incluso cuando sus enfoques se especializaron.
Precursores del estilo vanguardista
El concepto de arte de vanguardia surgió durante un período de agitación social, e inicialmente fue una de varias ideas en competencia para describirlo y abordarlo. Sin embargo, a principios de 1800, el saintsimonismo, que enfatizaba el papel de la clase económica y las ciencias en la regeneración de la sociedad, se había convertido en una influencia especialmente fuerte.
La teoría de Saint-Simon era inusual en el sentido de que ampliaba la idea de la clase media para incluir también a científicos, empresarios, banqueros y gerentes.
Fuente (1917) de Marcel Duchamp, fotografía de Alfred Stieglitz; Marcel Duchamp, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esta ampliación sirvió como modelo para la eventual inclusión de creativos de todos los campos como catalizadores del cambio. Las teorías de Saint-Simon ganaron fuerza hasta el final de su vida, cuando varios alumnos, incluido Barthélemy Prosper Enfantin, las llevaron a mediados del siglo XIX. Friedrich Engels y Karl Marx, los fundadores del comunismo, posteriormente aclamaron a Saint-Simon como un «socialista idealista», reclamando sus puntos de vista como una influencia para los suyos.
Saint-Simon también impactó la creación del anarquismo de Pierre-Joseph Proudhon.
La influencia de la Revolución Francesa
La noción de arte de vanguardia tomó forma en Francia durante principios y mediados del siglo 19. Estos 18 años estuvieron marcados por la agitación política, los movimientos social revolucionarios y las fuerzas antirrepresión. Revueltas y rebeliones estallaron en toda Europa en 1848, desde Italia hasta Escandinavia, Alemania y Hungría.
Entre sus efectos se encontraban el hambre y el desempleo extensos, la inequidad de la industrialización y las presiones de la gobernanza represiva. Las Revoluciones de 1848 también fueron conocidas como la primavera del Pueblo, enfatizando los fundamentos inclusivos y democráticos del grupo.
Tendencias y conceptos del arte de vanguardia
Surgido a finales de la década de 1960 y principios de la década de 1970, el estilo vanguardista condujo a la llegada de formas completamente nuevas de arte contemporáneo, que eran todas vanguardistas por definición. Pasando del realismo al Impresionismo, Expresionismo y Cubismo, los artistas de vanguardia aspiraban a definir un conjunto claro de objetivos para sus obras de arte que se desviaban enormemente de los valores tradicionales que se defendían anteriormente.
Como tal, el comienzo del arte de vanguardia condujo al comienzo del arte contemporáneo en la sociedad.
Como la noción clave para comprender la evolución del arte durante el siglo 20, el arte de vanguardia era idéntico a la noción del «movimiento». Según el filósofo moderno Alain Badiou, «más o menos todo el arte del siglo 20 ha reclamado el título a un papel de vanguardia».
Ocasionalmente, como con el cubismo de Georges Braque o el orfismo de Delaunay, un movimiento de vanguardia consistía en solo unos pocos individuos.
El surrealismo y el dadaísmo, por otro lado, surgieron como movimientos globales. Independientemente de su alcance y significado, los movimientos artísticos de vanguardia con frecuencia se situaron en contraste con las ortodoxias pasadas, ya fueran criterios estéticos o convenciones culturales y sociales.
Museos y Galerías
El rechazo de las ortodoxias sociales y artísticas anteriores fue una característica clave del arte de vanguardia. Como resultado, su éxito inicial dependía con frecuencia de un pequeño número de críticos y galeristas listos para desafiar las ortodoxias establecidas. Como señala la crítica de arte Rosalind McEver, «Avant-Garde es tanto un sustantivo como un adjetivo.
Se refiere a grupos de artistas y escritores del siglo 19 y principios del siglo 20 que hicieron y distribuyeron arte de manera diferente a sus pares; artistas que autoconscientemente generaron ‘ismos’, fueron apoyados por ellos mismos o por críticos en pequeñas revistas, y exhibieron y vendieron sus obras en galerías personales o exhibiciones dirigidas por artistas».
La fundación del Museo de Arte Moderno, la primera institución dedicada al arte moderno, cimentó el dominio del arte de vanguardia como un movimiento cultural mundial en 1929. La creación del Museo fue la prueba culminante del triunfo social y comercial del arte de vanguardia.
Barr, que fue motivado por Kahnweiler, también creó un paradigma que narraba la progresión del arte de vanguardia a través del tiempo, desde Cézanne hasta el cubismo (al que se le otorgó una gran prioridad), a arte abstracto. La creencia de Barr en enseñar al mundo sobre el arte de vanguardia «obligó a todo un grupo de personas al arte moderno». Al mismo tiempo, «la capacidad de una entidad para prescribir y regular historia del arte está claro».
Alienación y artistas de vanguardia
Los primeros grupos románticos del 19 fueron los primeros en resaltar el concepto del artista solitario y autónomo, frecuentemente representado como un tipo de héroe byrónico. A mediados del siglo 19, la imagen del creativo como un extraño de la civilización, rechazado y rechazado por una estructura social capitalista aburrida, no era novedosa.
A mediados del siglo 19, esto se había convertido en una sensación más prominente de alienación social.
llustración de Le rire (1887), mostrada por primera vez en 1883 en una exposición «Incohérents» de Arthur Sapeck (Eugène Bataille); Leonardo da Vinci, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Su estatus como parte de la élite era problemático para los autores y pintores franceses de mediados del siglo 91 como Manet, Flaubert, separándolos no solo de las organizaciones artísticas y sociales preexistentes, sino también produciendo dicotomías interiores fuertemente sentidas. Esta sensación de aislamiento se convirtió en una característica prominente de los artistas de vanguardia.
La vanguardia con frecuencia tenía como objetivo conmocionar a la audiencia para elevar la conciencia de la alienación que sustenta la realidad moderna.
La vanguardia destrozó las concepciones de la normalidad o cultivó intencionalmente un sentido de lo espeluznante (como en el surrealismo). Autónomo y solo, las excentricidades de aquellos dentro del estilo se convirtieron en el tema del arte y la fuerza impulsora detrás de él.
Anti-Arte
El desprecio por las ideas de la cultura convencional de atractivo estético o calidad era una consecuencia natural del sentimiento de alienación del artista de vanguardia de sus gustos y normas sociales. Algunos de estos pensamientos siempre han substenido las formulaciones de los artistas de vanguardia, desde las representaciones directas de Courbet de la vida de la clase trabajadora hasta la Impresionistas, que abandonó la ardua disposición y las técnicas de refinamiento de los artistas académicos modernos.
La noción de que el arte no tiene que ajustarse a las ideas convencionales de valor estético tal vez alcanzó su cenit durante la década de 1910, gracias a la actividad iconoclasta de los creativos dadaístas.
Mierda de artista (1961) de Piero Manzoni; Jens Cederskjold, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Trabajando en un período de guerra mundial y agitación, cuando todos los estándares sociales parecían estar en el aire, artistas como Marcel Duchamp comenzó a producir obras desprovistas de cualquier atributo estético reconocible, incluyendo, en el caso de Duchamp, la noción de que habían sido hechas por un artista. Sus readymades, que eran objetos utilitarios producidos en masa exhibidos como esculturas, como una rueda de bicicleta y un inodoro, eran realmente inquietantes en ese momento, especialmente para los espectadores que estaban bien versados en los avances del cubismo.
Prácticamente todas las innovaciones posteriores en el arte de vanguardia se basan en la premisa de que el arte no tiene que, o no debería tener que, adherirse a las ideas tradicionales de belleza o valor estético.
Arte conceptual, uno de los movimientos artísticos «neo-vanguardistas» más influyentes del siglo XX, se originó con la idea de que una obra de arte puede ser simplemente el registro de una noción, sin estar vinculada a ningún elemento o imagen específica, y mucho menos estéticamente agradable. Otros movimientos neo-vanguardistas, que surgieron después del nacimiento de la vanguardia, incluyeron el expresionismo abstracto, Nouveau Réalisme, Op Art, Arte Pop, Arte cinético y minimalismo.
Arte conceptual de vanguardia vs. versiones formales
La noción de vanguardia se basó primero en un sentido de insurrección política o social. Courbet anticipó que el artista progresista estaba en desacuerdo con los poderes dominantes de la sociedad, y a veces abiertamente, petulantemente y con claro disfrute enfrentó al sistema a una batalla frontal. La imagen del pintor como un extraño de la cultura, rechazado y malinterpretado por una sociedad aristocrática, no era única a mediados del siglo XIX.
Sin embargo, la conexión del arte de vanguardia con la transformación social siempre ha estado en conflicto con los objetivos sociales y financieros de ciertos artistas de vanguardia, por ejemplo, la clase media, materialista y no política. Claude Monet.
Cartel de cine constructivista ruso de los hermanos Stenberg; Stenberg Brothers, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
En sus obras, el término «Vanguardia» adquirió un significado más puramente formal, enfatizando la revolución artística aparte de cualquier objetivo político o social. A lo largo del siglo 20, la noción de la vanguardia como inevitablemente socialmente subversiva fue cada vez más cuestionada. Mientras Constructivismo ruso y el surrealismo tenía objetivos sociales importantes destinados a desafiar y cambiar las normas sociales, los movimientos artísticos del siglo 20 como el cubismo enfatizaron el formalismo. La ruptura con la práctica centenaria de la perspectiva lineal de Georges Braque y Pablo Picasso no tenía un motivo sociopolítico manifiesto.
Escritor y crítico de arte Clement GreEnberg se hizo un nombre en 1939 cuando publicó su ensayo más conocido, «Avant-Garde and Kitsch».
Publicado en partisan review, Greenberg afirmó que el verdadero arte de vanguardia era demasiado simple para ser utilizado como propaganda o moldeado hacia una causa específica, mientras que la idea de «kitsch» era perfecta para incitar creencias falsas. Como las teorías de Clement Greenberg más tarde se afiliaron a los movimientos del expresionismo abstracto y el cubismo, vinculó la vanguardia con una técnica de «arte por el arte». Para él, el arte no necesitaba defender su realidad por ningún motivo social ni proporcionar ningún propósito político.
La ciencia y el estilo vanguardista
Los avances científicos influyeron con frecuencia en los artistas de vanguardia, que combinaron motivos y nociones tecnológicas en sus invenciones creativas. Neoimpresionismo, fue uno de los primeros grupos artísticos de vanguardia en aceptar abiertamente las hipótesis científicas, informadas por la investigación académica sobre la iluminación por la retina. George Seurat se ha caracterizado como «un técnico de sus obras, diseccionando el conjunto en requisitos previos básicos que presentan las partes estructurales funcionales en la forma final, sin decoración».
La prominencia de la ciencia y la tecnología también ha influido en la forma en que se ven los artistas y las obras de arte.
Composición suprematista: Blanco sobre blanco (1918) de Kazimir Malevich, ubicado en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos; Kazimir Malevich, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los constructivistas rusos se consideraban a sí mismos como «ingenieros constructores», como lo ilustra el autorretrato de El Lissitzky, The Constructor (1924). Según Kuspit, «la mayoría de las piezas de arte de vanguardia, en realidad, parecen ser avances, y la mayoría están hechas a máquina en lugar de hechas a mano».
Estos conceptos tal vez alcanzaron su apogeo con el movimiento de arte concreto de mediados del siglo XX, y el concepto de la obra de arte como eliminado de la participación emotiva del artista también fue impactante en la creación de obras de arte conceptuales más adelante en el siglo.
Pinturas de vanguardia
Aunque el concepto de vanguardia implica una preocupación por probar algo nuevo en prácticamente todas las circunstancias, esto fue impulsado por el deseo de retratar una imagen más precisa de la verdad. Eso implicaba retratar la dura vida laboral que había sido prohibida en el lienzo académico para Gustave Courbet, mientras que implicaba adquirir los efectos de luz en la retina en el instante de la conciencia para los impresionistas. También significaba retratar los poderes científicos reales indetectables que trabajaban debajo del exterior de la realidad observable para los constructivistas.
Sin embargo, el deseo de representar la realidad de una manera frescamente exacta era el objetivo subyacente en todas las situaciones.
El estudio del pintor (1855) de Gustave Courbet
| Fecha de finalización | 1855 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 361 cm × 598 cm |
| Ubicación actual | Musée d’Orsay, París |
Esta obra de arte, que representa al artista reclinado con pincel y paleta en la mano, contemplando la escena que ha estado pintando, pretende ser una analogía para el estilo de vida del artista. La pieza fue titulada «una verdadera alegoría que recapitula siete años de mi vida artística y ética» por Courbet. Una modelo desnuda que simboliza una musa y un niño pequeño que significa inocencia enmarcan al artista, mientras que el espacio está lleno de numerosas personas conocidas. Charles Baudelaire, el famoso poeta y crítico, está sentado en un escritorio estudiando en la esquina más alejada, entre la élite cultural, mientras que diferentes individuos de todas las partes de la sociedad están sentados a la izquierda.
El artista declaró que quería mostrar «la sociedad en su mejor momento, peor y mediocre».
Como continuó diciendo: «Es como si todo el universo viniera a mí para ser retratado. A la derecha, todos los accionistas, con lo que me refiero a amigos, compañeros de trabajo y entusiastas del arte. El otro ámbito de la existencia cotidiana está en la izquierda, con las multitudes, el abatimiento, la pobreza, el dinero, los abusados y los abusadores, individuos que se ganan la vida con la muerte». Courbet, un pionero del realismo, definió el concepto declarando: «El realismo es democracia en el arte». «Consideró su destino como un movimiento de vanguardia continuo contra los poderes del academicismo en el arte y la rigidez en la sociedad», escribe la crítica de arte Linda Nochlin.
El estudio del pintor (1855) de Gustave Courbet, ubicado en el Musée d’Orsay de París, Francia; Gustave Courbet, Dominio público, vía Wikimedia Commons
SeguimientoTras la negativa de los jueces en la Exposición Universal de París de 1855 a mostrar esta pieza, Courbet lanzó El Pabellón del Realismo, su exposición personal, donde también exhibió El entierro en Ornans, que también había sido denegada. El espectáculo de Courbet, ayudado por su patrocinador, Alfred Bruyas, que también se ve en The Painter’s Studio, fue una resistencia a las ubicaciones oficiales.
«Las extensas ideologías sociales de mediados del siglo 19 no se interpretan en una forma pictográfica y estilística adecuadamente sofisticada hasta alrededor de siete años después de la Revolución de 1848, en The Painter’s Studio de Courbet: la obra de arte de Courbet es ‘Vanguardista’ si comprendemos la interpretación, en conceptos de su inferencia etimológica, como sugiriendo una unión de lo comunitario y creativamente progresista, «, dice Nochlin.
«The Painter’s Studio», en resumen, es una presentación vital de los ideales políticos más liberales en el lenguaje formal e iconográfico más sofisticado accesible a mediados del siglo 19.
Le Déjeuner sur l’herbe (1863) de Édouard Manet
| Fecha de finalización | 1863 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 208 cm x 264 cm |
| Ubicación actual | Museo de Orsay |
La impresionante imagen del paisaje de Manet, que representa a dos hombres completamente vestidos almorzando en el césped con una dama desnuda, causó notoriamente un gran revuelo cuando se mostró en el Salon des Refusés, una exposición de pinturas negada por el Salón oficial de París, en 1863.
Aunque Manet nunca se asoció completamente con los requisitos vanguardistas de los artistas impresionistas, una generación más joven de creativos lo vio como un modelo a seguir, y con creaciones como «Le Déjeuner sur l’herbe», sin duda siguió rompiendo muchas de las puertas por las que los creativos de vanguardia más tarde fluirían en su búsqueda de lo único.
Esta obra de arte era vanguardista de dos maneras, oponiéndose tanto a los principios estéticos de la época como a sus ideales morales y sociales capitalistas. En primera instancia, el enorme tamaño del lienzo en contraste con el tema aparentemente banal y contemporáneo de la obra de arte, la imagen retratada en una escala generalmente reservada para temas históricos y legendarios.
Le Déjeuner sur l’herbe (Almuerzo en la hierba) (1863) de Édouard Manet, ubicado en el Museo de Orsay en París, Francia; Édouard Manet, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Las características tonales de la pieza también eran inusuales, con la dura luz y la sombra contrastando con la aparente escena al aire libre (Manet notablemente nunca abrazó la emoción de los impresionistas por pintar en Plein aire) y llamando la atención sobre la piel blanca en masa de su sujeto principal.
Y gran parte de la pincelada de fondo parecía desordenada, casi a medio terminar, como si el arreglo estuviera atrayendo la atención como tal: una mera presunción o fabricación, abandonada antes de su finalización. Pero fue el tema de la obra lo que fue realmente impresionante. A las mujeres desnudas se les permitía entrar en el arte académico siempre y cuando fueran representadas en el contexto de una situación histórica, poniendo la desnudez a una distancia intelectual y moral.
La escena de Manet representaba a una persona desnuda sin el velo de la historia histórica, haciéndola más vívida y sorprendente para sus espectadores. Con esta actitud, despejó el camino para que las iniciativas de vanguardia de las próximas décadas se volvieran cada vez más temerosas de la desnudez y la desobediencia moral.
Impresión, amanecer (1872) de Claude Monet
| Fecha de finalización | 1872 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 48 cm x 63 cm |
| Ubicación actual | Museo Marmottan Monet |
Los impresionistas, liderados por Claude Monet, fueron el primer movimiento de vanguardia en alcanzar popularidad y reputación internacional. Monet retrata el amanecer en la ciudad portuaria de Le Havre, la casa familiar a la que había regresado para unas vacaciones, en esta pieza, de la que se derivó indirectamente el nombre de «impresionismo». El azul esencial y paleta de colores naranja, junto con la pincelada rápida y espontánea, tiene la intención de retratar la impresión visual generada por el paisaje en un punto específico en el tiempo, en lugar de resaltar cada detalle.
Este método revolucionario no fue acompañado por creencias sociales radicales en el caso de Monet, pero lo puso en una postura característicamente «vanguardista» de oposición a la cultura convencional y al mundo del arte.
En 1862, Monet se encontró con un grupo de jóvenes artistas en el taller del pintor Charles Gleyre, incluido Frédéric Bazille, Pierre-Auguste Renoiry Alfred Sisley. Estos pintores, junto con Morisot y Pissarro, constituyeron la base del estilo impresionista, que desarrolló sus conceptos durante muchos años, bajo la guía no oficial del artista mayor. Édouard Manet – antes de lograr el éxito financiero.
Impresión, Amanecer (1872) de Claude Monet, ubicado en el Museo Marmottan Monet en París, Francia; Claude Monet, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Monet y sus colegas fundaron su propio club para apoyar y mostrar su arte después de ser rechazados repetidamente por el Salón de París. Aunque estamos familiarizados con el enfoque de Monet y sus contemporáneos de capturar el mundo natural, fue innovador en ese momento transmitir los matices de un tema de una manera tan rápida e instintiva, como lo fue crear en el sitio como lo había hecho Monet para producir Impression, Sunrise.
Los avances formales del impresionismo, así como su inevitable antagonismo con las convenciones sociales y culturales prevalecientes, establecieron los parámetros para la evolución del arte de vanguardia durante el próximo siglo y medio.
Cuadrado negro (1915) de Kazimir Malevich
| Fecha de finalización | 1915 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 200 cm x 222 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
Esta conocida pieza consiste en un cuadrado negro sobre un fondo blanco. Cuando se ve de cerca, la pieza muestra pequeñas fisuras en la superficie causadas por el envejecimiento del pigmento, así como pinceladas y una huella digital. Sin embargo, fue la reducción del plano de la imagen a una sola forma geométrica esencial de la obra lo que lo distinguió como una excursión audaz hacia la abstracción y un evento vanguardista distinto. La imagen se mostró como si fuera un icono cristiano durante La última exposición futurista de pinturas en San Petersburgo en 1915, levantada y exhibida en la esquina del espacio como era típico en los hogares rusos.
Malevich se refirió a la pieza como «la etapa inicial de la invención pura en el arte», el «embrión de todos los potenciales». En sus obras futuras, el cuadrado negro se convirtió en un bloque de construcción implícito.
Mientras que los cubistas desafiaron la ley centenaria del plano de la imagen, Malevich consideraba que la pintura de vanguardia marcaba el comienzo de una nueva sociedad al liberarse de la responsabilidad de representar la realidad por completo. Malevich presionó por la «libertad de las cosas de los deberes del arte» en su artículo de 1915, «Del cubismo y el futurismo a Suprematismo: El nuevo realismo en la pintura», presentando el suprematismo -el movimiento que fundó- como una evolución del cubismo que no había ido lo suficientemente lejos. » Una superficie decorada es una forma viva y respirable.
Cuadrado Negro (Cuadrado Suprema ético negro) (1915) de Kazimir Malevich, ubicada en la Galería Tretyakov en Moscú, Rusia; Kazimir Malevich, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Las formas del suprematismo, el nuevo realismo artístico, ya dan testimonio del descubrimiento de estructuras de la nada por la razón instintiva. El esfuerzo cubista para deformar la verdadera forma y romper los artículos destinados a crear creaciones fabricadas de vida independiente». El trabajo de Malevich fue influenciado por el movimiento constructivista ruso y la atmósfera de agitación revolucionaria en los años anteriores, la Revolución Bolchevique de 1917.
El Cuadrado Negro de Malevich fue un ejemplo excepcional de inventiva vanguardista al reducir el plano de la imagen al mínimo de componentes formales y al relacionar sus obras con un tiempo social revolucionario.
El debate puede parecer intelectual, pero el tiempo es importante para el vanguardismo como juez de calidad. La palabra militar se refiere a los individuos que se despliegan por delante de las fuerzas regulares, aquellos que eventualmente serán seguidos por las masas. La importancia del arte de vanguardia se deriva en parte del hecho de que fue creado primero. El Cuadrado Negro de Malevich es un excelente ejemplo, sobre todo porque el propio Malevich data la pieza, que se considera que fue creada en 1915, reforzando la importancia de ser el primero.
Cuando Malevich reprodujo la pieza en la década de 1920, la abstracción geométrica había echado raíces; el valor estético de los modelos posteriores puede ser indistinguible, pero sus valores histórico-artísticos y, posiblemente, de mercado son bastante diferentes.
Cortado con un cuchillo de cocina Dada (1919) de Hannah Höch
| Fecha de finalización | 1919 |
| Medio | Collage de papel cortado |
| Dimensiones | 144 cm x 90 cm |
| Ubicación actual | Galería Nacional, Museo Estatal de Berlín |
Hannah Höch El collage pionero emplea recortes de periódicos y revistas para ilustrar la tontería y la depravación de la sociedad alemana actual. Según Anahid Nersessia, «el collage es un acto profundamente evocador de bricolaje, una reunión de objetos que vienen a significar el aspecto roto de la civilización de la que se recogen».
La pieza revela las polaridades y divisiones culturales del Berlín de la posguerra. Entre los recortes se encuentran fotografías de artistas como Käthe Kollwitz y Pola Negri, así como de intelectuales políticos y líderes como Karl Marx y Vladimir Lenin.
Un pequeño mapa de Europa en la esquina inferior derecha ilustra las naciones donde las mujeres tienen derecho a votar. Höch se destacó por sus collages agudamente políticos en los que saqueaba y recombinaba imágenes y textos de los medios de comunicación para criticar la cultura popular, los fracasos de la República de Weimar y los roles socialmente creados de las mujeres. El uso pionero de Höch del fotomontaje para cuestionar profundamente las convenciones sociales, culturales y estéticas la estableció como un personaje fundamental en el Dada temprano y una figura vanguardista sobresaliente en el sentido más socialmente involucrado de la palabra.
Exhibió esta pieza, así como otras, en la Primera Feria Internacional dadaísta en Berlín en 1920, donde su trabajo fue elogiado, a pesar del hecho de que sus colegas masculinos primero habían tratado de impedirle participar.
La práctica del fotomontaje se hizo muy popular y fue tomada prestada por grupos sucesivos desde el surrealismo hasta Fluxus a lo largo del siglo 20. Como señala Heidi Hirschl Orley, «las audaces colisiones y permutaciones de Höch de fragmentos de imágenes ampliamente circulantes conectaron su trabajo con el público y reflejaron la actitud desafiante y escéptica de la era de entreguerras, que se sentía como una nueva era para muchos. A través de sus experimentos extremos, creó un vocabulario estético vanguardista esencial que todavía resuena hoy en día».
Los tres músicos (1921) de Pablo Picasso
| Fecha de finalización | 1921 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 200 cm x 222 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
Desde principios de 1900, Pablo Picasso, uno de los creadores del movimiento cubista, ha estado haciendo obras de arte de vanguardia. Esta obra de arte de 1921, por otro lado, representa el contexto social radical con el que la vanguardia estaba frecuentemente conectada.
Se considera que la figura del arlequín de la mano derecha es Picasso, quien con frecuencia se representaba a sí mismo como el personaje travieso del teatro italiano, mientras que se cree que la persona central vestida de blanco es Guillaume Apollinaire, un notable crítico de arte de vanguardia y amigo cercano de Picasso.
La persona, vestida como Pierrot, toca un instrumento musical pero exuda un distanciamiento sombrío. Max Jacobs, el poeta y amigo cercano, se ve a la derecha vestido de monje, habiéndose unido a un monasterio benedictino en St.-Benoît-Sur-Loire. Cuando él y Georges Braque crearon el cubismo, a través de sus encarnaciones del cubismo analítico y sintético, Picasso saltó a la fama como un destacado artista de vanguardia. Como consecuencia, uno de los grupos más vanguardistas es el cubismo.
Las figuras se dividieron en formas geométricas, los colores fueron más brillantes y reducidos, y el collage se utilizó para crear un resultado inventivo que todavía influye en el arte de hoy. Si nos fijamos en una cronología de la historia del arte, se puede ver que la civilización visual occidental se puede dividir en dos períodos distintos: antes y después del cubismo.
Esta imagen contiene dos variantes, las cuales son vistas como el final y el clímax de la era del cubismo sintético de Picasso.
Las figurillas están pintadas, pero parecen recortes de papel ensamblados como rompecabezas de variados planos anchos de color y papel texturizado. Picasso retrató una colección de obras, incluidas estas dos, mientras estaba de vacaciones con sus familiares en Fontainebleau, que también destacó las imágenes de la Commedia dell’ Arte y la influencia del diseño teatral, ya que había estado operando con el reconocido productor dramático Sergei Diaghilev para los Ballets Rusos.
Número 1 (1949) de Jackson Pollock
| Fecha de finalización | 1949 |
| Medio | Esmalte y pintura metalizada sobre lienzo |
| Dimensiones | 172 cm x 264 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Contemporáneo |
Esta imagen masiva, con su frenético remolino de capas rítmicamente vertidas y líneas de pintura industrial, tipifica el método de «pintura por goteo» de Jackson Pollock, que dio lugar en América del Norte en la década de 1940 al movimiento de la pintura de acción. Colocando el lienzo en el suelo y salpicando pintura sobre él con una variedad de herramientas, Pollock intentó lograr un tipo de unificación con el trabajo en progreso para generar la energía emocional requerida para terminarlo: «Me siento más en paz en el piso. Me siento más cerca de la pintura, más una parte de ella, ya que puedo rodearla, trabajar desde los cuatro lados y estar físicamente en ella».
Muestra una magnífica variedad de diseño y accidente debajo de la aparente homogeneidad de su composición superficial. Greenberg vio el expresionismo abstracto, particularmente el trabajo de Pollock, como la cúspide del arte de vanguardia porque se había abierto paso hacia la abstracción independiente, libre de cualquier preocupación social. El trabajo de Pollock, según esta interpretación, encarna el arte de vanguardia en su significado formal más que filosófico.
La abstracción formal iniciada por Picasso y los cubistas alcanzó su apogeo en la década de 1940 con el advenimiento del arte estadounidense de vanguardia, el expresionismo abstracto. El método de Pollock representaba su creencia de que «los nuevos requisitos requieren nuevos enfoques». Muchos de los pintores de vanguardia que siguieron, y tal vez muchos anteriores, siguieron una pauta similar, pero el estilo de pintura por goteo de Pollock recordaba especialmente al movimiento japonés actual de Gutai.
Shozo Shimamoto y Jiro Yoshihara fundaron este grupo, que produjo obras experimentales que nublaron las líneas entre la actuación, las pinturas y las instalaciones artísticas. «Todos buscaron romper el pincel convencional y avanzar más hacia la pintura de acción y la creación de una manera diferente», dijo el galerista David De Buck, «por lo que Shimamoto literalmente arrojó recipientes, botellas de vidrio, tazas llenas de color sobre el lienzo».
Esto, y varios otros casos, demuestran la importancia de Pollock en la determinación de la dirección de la vanguardia a finales del siglo 20.
Imagen da Yagul (1973) de Ana Mendieta
| Fecha de finalización | 1973 |
| Medio | Impresión cromogénica |
| Dimensiones | 50 cm x 34 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno de San Francisco |
La artista está desnuda y envuelta en vegetación y flores blancas en este color fotografiada mientras descansa en una tumba indígena precolombina construida por el pueblo zapoteca. La vegetación que oscurece la parte superior de su torso parece estar viva como si estuviera brotando rápidamente de su figura. Ella se desvanece en la oscuridad, un símbolo de muerte y abundancia. Esta pieza fue parte de la serie de Mendieta, que incluyó más de 200 piezas, muchas de las cuales la tenían tirada en el suelo, imprimiendo su cuerpo o mezclándose con el medio ambiente, como la flora en esta toma.
La serie es considerada como un precursor en varios movimientos de vanguardia, incluido el arte corporal.
El trabajo de Mendieta, según la historiadora del arte Laura Roulet, «encapsula el alcance integral de los movimientos de vanguardia de la década de 1970: performance, conceptual, feminista y arte de identidad. Una gran parte de las obras de Mendieta requirieron navegar y superar límites, algunos de los cuales fueron impuestos por una industria del arte que todavía clasificaba el trabajo por género, raza, medio, Primer Mundo vs Tercer Mundo, y como arte alto o bajo».
Mendieta definió la serie de la siguiente manera: «He continuado una conversación entre el entorno y la figura femenina (basada en mi propia forma) y me siento abrumada por la sensación de ser expulsada del útero (naturaleza). Me conecto con el suelo a través de mis esculturas de tierra/cuerpo; Me convierto en un aumento del medio ambiente, y el medio ambiente se convierte en una consecuencia de mi cuerpo». «Mi arte es la forma en que restauro los vínculos que me unen al cosmos», dijo sobre la originalidad de su trabajo, que estaba vinculado al cambio estético y social.
Así concluye esta mirada al mundo de los artistas de vanguardia y sus obras de arte. A pesar de que la frase Vanguardia se aplicó inicialmente a los métodos creativos para hacer arte en el siglo XIX y principios del XX, ahora se usa para definir todas las obras de arte que empujan los límites del pensamiento innovador, y todavía se usa para caracterizar el arte que es revolucionario o representa la singularidad de la percepción. El concepto Avant-Garde afianza el concepto de que el arte debe evaluarse en gran medida en la calidad y singularidad de la visión y los conceptos del artista.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es el arte de vanguardia?
El chal de vanguardialenges lo que se considera la norma, principalmente en el mundo cultural. Algunos ven la vanguardia como una característica del modernismo. Muchos artistas se han identificado con el movimiento de vanguardia y siguen haciéndolo, rastreando sus raíces hasta el dadaísmo. La vanguardia también aboga por transformaciones sociales drásticas. San Simoniano invocó esta noción al afirmar que el poder de las artes es en realidad el medio más directo y rápido para una revolución social, política y económica.
¿Qué define el estilo artístico de vanguardia?
A pesar de que el término Vanguardia se aplicó por primera vez a los métodos creativos de hacer arte en el siglo XX, ahora se usa para describir todas las obras de arte que empujan los límites del ingenio, y todavía se usa para describir el arte que es innovador o simboliza la individualidad de la perspectiva. La filosofía de vanguardia sostiene que el arte debe juzgarse principalmente por la originalidad y el carácter distintivo de la visión y los pensamientos del creador. Los artistas de vanguardia intentaron crear nuevos paradigmas de producción desafiando los estándares artísticos convencionales. Fue uno de los movimientos artísticos del siglo XX con un objetivo sociopolítico radical.
¿Quiénes fueron importantes artistas de vanguardia?
La mayoría de los artistas influyentes que fueron clasificados como trabajadores en el estilo de arte de vanguardia eran conocidos por sus contribuciones dentro de momentos distintivos. Algunos de estos artistas incluyen a Marcel Duchamp, quien creó la infame Fuente (1917) durante la era Dada, Jackson Pollock, quien perfeccionó la técnica de goteo durante el expresionismo abstracto, y Georges Braque, fundador del cubismo, entre otros.
¿Qué significa el término vanguardia?
Originalmente una palabra militar francesa que se usaba para denotar la punta de lanza de la infantería en inglés, el término Avant-Garde apareció por primera vez en el mundo del arte y se refirió solo al arte francés. Al pensador socialista francés, Henri de Saint-Simon, se le atribuye la creación del nombre.
