Artistas de todo el mundo, así como sobrevivientes, han utilizado obras de arte del Holocausto para expresar sus sentimientos sobre el evento traumático. Sin embargo, la sola presencia de arte del Holocausto podría causar estrés en algunas personas. Los sobrevivientes del Holocausto crearon obras significativas que documentan o responden a sus circunstancias, como diarios, dibujos del Holocausto, pinturas del Holocausto e incluso arte de graffiti del Holocausto. Estas obras de arte del Holocausto representan las atrocidades que presenciaron en guetos y campos de concentración.
¿Qué fue el Holocausto?
Los nazis masacraron a casi seis millones de judíos europeos durante la Segunda Guerra Mundial. El término «Holocausto» se refiere a esta atrocidad. Numerosos factores contribuyeron al Holocausto. La voluntad y la capacidad de los nazis para aniquilar a la población judía es su motivo principal. Sin embargo, su deseo de sangre no apareció de la noche a la mañana. Es importante evaluar la ideología nazi antisemita en el contexto más amplio del antisemitismo histórico, el racismo contemporáneo y el nacionalismo.
A pesar de ser un tema delicado, tiene un lugar en el ámbito del arte debido a la capacidad del arte para calmar las heridas del pasado.
Comprender el significado del arte del sobreviviente del Holocausto
Las obras de arte del Holocausto en exhibición examinan una variedad de reacciones al Holocausto, que van desde las respuestas intensamente emocionales de las víctimas hasta el método más periodístico de los artistas oficiales de guerra que documentan las escenas de Bergen-Belsen después de su lanzamiento en abril de 1945.
Algunos de los artistas crearon sus dibujos del Holocausto en los campos y barrios marginales, mientras que otros utilizaron el arte de los sobrevivientes del Holocausto para representar sus experiencias posteriores a la liberación.
Muchos de los sobrevivientes que se establecieron en Gran Bretaña después de la Segunda Guerra Mundial gravitaron hacia la producción de arte del Holocausto como una forma de hacer frente a su tragedia. Muchos de ellos hicieron que fuera difícil hablar, y en los años posteriores a la guerra, no siempre se les instó a hacerlo. Sus pinturas del Holocausto reflejan el legado perdurable de pérdida, desesperación y marginación del pueblo judío.
Varias mujeres pudieron hacer arte mientras estaban encarceladas durante el Holocausto. Mientras que algunos artistas trabajaban en secreto, otros fueron comisionados por los nazis para hacer obras de arte a cambio de comida. Las pintoras utilizaron aspectos como la idealización, el naturalismo, la comedia y la sátira en sus creaciones, revelando su deseo de escapar del entorno en el que sufrían. Al mismo tiempo, sus dibujos y pinturas muestran cómo preservaron su humanismo y compasión a pesar de las atrocidades que soportaron.
La vida comunitaria, la limpieza y el saneamiento, las cercas de alambre y la nutrición son temas e imágenes comunes. Muchas de las obras creadas eran de naturaleza periodística, preocupadas por conmemorar tanto la posición de los artistas como los temas de las obras.
Los nombres en esta imagen están tomados de la Base de Datos Central yad Vashem de nombres de víctimas de la Shoah. Esta obra conmemora a una pequeña fracción de los que perecieron en Auschwitz en 1941; Dzeni, CC0, vía Wikimedia Commons
Lama Sabachthani [Why Have You Forsaken Me?] (1943) de Morris Kestelman
| Fecha de finalización | 1943 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 117 x 153 |
| Ubicación actual | Museo Imperial de la Guerra |
Morris Kestelman se crió en el East End de Londres en un hogar de inmigrantes judíos. Kestelman recibió una beca en la Escuela Central de Arte en 1922 y luego asistió al Royal College of Art. Kestelman trabajó en decorados teatrales y vestuario, además de arte abstracto.
Al enterarse de la muerte del pueblo judío que llegó a Inglaterra a principios de la década de 1940, fue uno de los primeros creativos en reaccionar, nombrando su obra Lama Sabachthani después del Salmo 22: «Dios mío, Dios mío, ¿por qué me has abandonado?»
Lama Sabachthani [Why Have You Forsaken Me?] (1943) de Morris Kestelman; Kestelman, Morris (RA), Dominio público, vía Wikimedia Commons
La agitación emocional impregna la imagen, que representa a un número de judíos que parecen estar angustiados por haber sido abandonados o abandonados por Dios. Están rodeados de desastres y pérdidas, de pie entre edificios en llamas y montículos de restos insepultos. Las mujeres dominaron esta obra de arte al colocarse inmediatamente en primer plano. Algunos levantan los brazos con dolor, suplicando a Dios que los salve, mientras queLos que parecen haber renunciado desesperados. Esta pieza es una reacción creativa británica inusual y muy instantánea a las noticias de crímenes confirmados contra judíos en la Polonia incautada.
«¿Quién entendió qué y cuándo?» es un tema difícil de responder para los estudiosos del Holocausto. ¿La investigación del título está dirigida también a las naciones más allá de Europa?
Prisioneros cargando cemento (1944) por Bill Spira
| Fecha de finalización | 1944 |
| Medio | Tinta sobre papel |
| Dimensiones (cm) | 11 cm x 17 cm |
| Ubicación actual | Museo Imperial de la Guerra |
Bill Spira fue un caricaturista de Austria que escapó a París poco antes de que comenzara la Segunda Guerra Mundial. Después de un breve encarcelamiento en Francia, comenzó a trabajar como falsificador para el Comité de Rescate de Emergencia, que ayudó a artistas y académicos que huían de la persecución nazi. En 1942, Spira fue transportado y encarcelado en muchos campos de concentración, como Blechhammer. Los cautivos de Blechhammer fueron empujados en una marcha de la muerte a Terezn en enero de 1945, donde Spira permaneció hasta que el campo fue liberado por las tropas soviéticas en mayo.
Prisoners Carrying Cement es una de una colección de dibujos animados creados por Spira mientras estaba encarcelado en Blechhammer. Él y otros artistas intercambiaron sus creaciones por comida, ropa y otras necesidades con prisioneros de guerra, empleados civiles y las SS.
Las caricaturas de la colección del Museo Imperial de la Guerra (IWM) fueron entregadas al museo por los familiares de un oficial británico que también fue encarcelado en Blechhammer y había obtenido los bocetos a cambio de cigarrillos.
Mujeres con rocas (1945) de George Mayer-Marton
| Fecha de finalización | [1945 |
| Medio | Acuarela sobre papel |
| Dimensiones (cm) | 57 x 79 |
| Ubicación actual | Museo Imperial de la Guerra |
George Mayer-Marton se crió en Gyor, Hungría, y fue soldado en el ejército austrohúngaro durante toda la Primera Guerra Mundial. Se dedicó a la pintura en Múnich y Viena desde 1919 hasta 1924. Se mudó a Inglaterra en 1938 para evadir la Alemania nazi, mientras que sus padres se quedaron en Gyor. Mayer-Marton no se enteró de la muerte de sus padres hasta 1945, cuando creó Women with Boulders después de enterarse de que habían sido transportadas desde el gueto de Gyor y ejecutadas.
Su obra de arte representa una escena desolada con dos personajes femeninos solitarios. Las rocas se asemejan a las piedras colocadas en las tumbas judías para proteger el cadáver mientras espera la resurrección.
Marcha de la muerte (1945) de Jan Hartman
| Fecha de finalización | [1945 |
| Medio | Gouache sobre papel |
| Dimensiones (cm) | 22 x 30 |
| Ubicación actual | Museo Imperial de la Guerra |
Para evitar el bombardeo alemán anticipado de Praga, Jan Hartman se trasladó al campo checoslovaco en septiembre de 1938 junto con sus padres y su hermano mayor Jiri. A pesar de los esfuerzos de su familia para huir de Checoslovaquia, Hartman y su hermano fueron enviados al campo de Terezin en 1942.
Los hermanos fueron detenidos en Czestochowa, Auschwitz-Birkenau y Buchenwald en los años siguientes cuando se separaron. Después de su rescate en la primavera de 1945, Jan y Jiri se unieron. Años más tarde, Jan Hartman descubrió que sus padres habían perecido en Auschwitz. Comenzó una serie de obras poco después de regresar a su casa que capturaron sus impresiones de los campamentos:
«Supongo que fue en el 45, debo haberlos producido tan pronto como pude, ya que era mi forma personal de transmitir lo que había visto. En ese momento, todavía podía hacerlo, pero no podía hacerlo ahora ya que no recordaba cómo era. En otras palabras, era un método para transmitir evidencia de la misma manera que lo hago verbalmente ahora».
Belsen 1945 (1945) de Edgar Ainsworth
| Fecha de finalización | [1945 |
| Medio | Lavado de tinta |
| Dimensiones (cm) | 65 cm x 82 cm |
| Ubicación actual | Museo Imperial de la Guerra |
Un anciano y desnutrido con la espalda a un pilar se representa en el centro de la composición, descansando sobre una pequeña elevación en el suelo sobre un montículo de cadáveres y usando un solo zapato. Parece que tal vez tiene algo en sus manos. Otro hombre de espaldas al observador está bebiendo de una taza mientras se apoya en el pilar detrás de él. Un grupo de tres personas está de pie a la izquierda de la composición, observando cómo un hombre y una mujer levantan un cuerpo que se ha encogido por los hombros y las extremidades.
Parecen bastante sanos y están bien vestidos, lo que plantea la posibilidad de que sean civiles alemanes que fueron hechos para enterrar a los muertos en Belsen después de que el campo fuera liberado.
Un dibujo de una dama acunando la espalda de un niño es visible sobre la cabeza del personaje principal. Sobre los difuntos, pequeñas nubes de puntos negros que se asemejan a moscas flotan. Las personas vivas experimentan hambre y frío, que es la única distinción entre ellos y los muertos. Nadie habla ya que las moscas están constantemente zumbando y están presentes en todas partes. Los pasantes caminan solos. Son conscientes de que dejar de fumar significa morir, a pesar de que muchas personas lo hacen de inmediato. Son los muertos. Es difícil conectar cualquiera de las partes del cuerpo con los otros colores porque las manos, las cabezas, las piernas y los cuerpos están dispersos por todas partes en el espectro.
Uno de los pozos de la muerte, Belsen (1945) de Leslie Cole
| Fecha de finalización | [1945 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 62 x 90 |
| Ubicación actual | Museo Imperial de la Guerra |
Una gran fosa común que comprende los cadáveres desnutridos de los prisioneros de Belsen vistos desde un extremo. Más víctimas están siendo arrojadas al pozo por los guardias de las SS que están siendo vigilados por soldados británicos. El complejo de Belsen puede estar claramente en la distancia. Una de las cinco trincheras que ya se han llenado bajo supervisión británica se muestra por esto. Hubo más trincheras anteriores que los alemanes habían cavado y llenado.
Los cuerpos que se arrojan son de apariencia esquelética ya que eran enfermos de tifus y hambre.
Si el pozo no se llenaba adecuadamente, los guardias de las SS se veían obligados a entrar en el pozo y proporcionar algún tipo de orden, ya que no eran demasiado cautelosos con los muertos. Leslie Cole insistió en que vería los desarrollos de la Segunda Guerra Mundial de primera mano. Cole finalmente se ganó la vida como artista de guerra después de que la WAAC rechazara su solicitud. Viajó extensamente, capturando los efectos de la guerra en Malta, Alemania, Grecia y el Lejano Oriente. La miseria humana era con frecuencia un tema en el arte de Cole.
Lavandería humana (1945) de Doris Zinkeisen
| Fecha de finalización | [1945 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 80 x 100 |
| Ubicación actual | Museo Imperial de la Guerra |
Esta es una de las varias piezas creadas por Zinkeisen mientras era artista de la Cruz Roja. Los médicos alemanes y las tropas capturadas recortaron el cabello de los prisioneros, los lavaron y les aplicaron polvo antipiojo antes de transferirlos a un hospital improvisado establecido por la Cruz Roja, que estaba alojado en un granero con aproximadamente 20 camas.
Las interacciones forzadas entre los ex prisioneros desnutridos y débiles y el fuerte equipo médico que los atiende son lo que crea tensión en la composición.
Human Laundry, Belsen – abril de 1945 (1945) de Doris Zinkeisen; Doris Zinkeisen, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Podemos ver una fila de mesas de madera, las tres primeras de las cuales tenían a una persona con bajo peso sentada o durmiendo en ellas. Una persona que lava cada una de las estatuas es un hombre o una mujer que lleva un uniforme blanco. Cada mesa tiene un cubo de metal en la base, y se puede ver a una dama saliendo de la habitación mientras sostiene un cubo en cada mano. Para el acristalamiento se utiliza vidrio laminado de baja reflectación. Hay un tablero trasero. Es un tablero trasero centrado en la espuma que se mantiene unido por placas de metal y recubierto con cinta de papel.
Posiblemente la pieza más poderosa creada por cualquiera de los artistas modernos es «Human Laundry».
El contraste entre las figuras bien alimentadas y más redondas del personal hospitalario alemán y los cuerpos demacrados de sus víctimas sirve como un excelente motivo para Zinkeisen. Aunque el artista alude posteriormente a «los prisioneros alemanes», en realidad, eran enfermeras y profesionales médicos enviados para ayudar desde un hospital militar alemán cercano. Antes de ser llevados al vecino hospital temporal de la Cruz Roja, los prisioneros del campo tuvieron que ser limpiados y despiojados para detener la propagación del tifus.
Un niño del campo de concentración de Belsen (1945) de Eric Taylor
| Fecha de finalización | [1945 |
| Medio | Acuarela |
| Dimensiones (cm) | 58 x 47 |
| Ubicación actual | Museo Imperial de la Guerra |
Taylor dijo una vez: «Cuando el campo de concentración de Belsen fue tomado, dibujé a los muertos y a casi todos los sobrevivientes, y personalmente observé todas las otras realidades horribles de la guerra. Cualquier intento de poner en palabras el impacto total de este evento en mi trabajo, en mi opinión, parece disminuir lo que estoy tratando de transmitir en mis esculturas o pinturas. Significa mucho».
Al comienzo del Segundo Mundo War, Eric Taylor, ya era un conocido pintor y grabador. Se matriculó en la Artillería Real y en los Ingenieros Reales en 1939.
A Young Boy From Belsen Concentration Camp (1945) de Eric Taylor; Eric W. Taylor, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Uno de los varios pintores que vieron el campo poco después de su liberación, fue uno de los primeros revolucionarios en llegar a Bergen-Belsen. Fue un desafío representar la depravación humana a una escala tan grande, y las fotos más poderosas de Taylor se concentran en personas solitarias, retratando la adormecida condición emocional que tantos sobrevivientes compartieron. La mirada del joven parece lamentar el fallecimiento de tantos amigos y familiares invisibles.
Nos vemos obligados a ver su envejecimiento como resultado de la desnutrición y la enfermedad como espectadores.
Notas de Belsen Camp (1945) de Mary Kessell
| Fecha de finalización | [1945 |
| Medio | Crayón sanguíneo sobre papel |
| Dimensiones (cm) | 20 x 25 |
| Ubicación actual | Museo Imperial de la Guerra |
Kessell fue una de las tres pintoras militares reconocidas que trabajaron fuera de Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial. Cuatro meses después de la liberación del campo, llegó allí, y su perspectiva era muy diferente de la de artistas como Cole, Zinkeisen y Taylor. Cuando visitó, Belsen se había convertido en un centro para personas desplazadas que esperaban su regreso a sus hogares, muchos de los cuales eran sobrevivientes de Belsen:
«Los niños se ríen, te adoran y te agarran de la mano mientras todos comienzan a vivir una vez más. Todo lo que vi me sorprendió; fue emocionante y realmente conmovedor. Se descubren relaciones, y los convoyes que salen de la plaza principal de sus respectivas naciones se engalanan con banderas y vegetación».
Notes From Belsen Camp (1945) de Mary Kessell; Kessell, Mary, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Kessell creó una serie de tiernas y convincentes ilustraciones de niñas y mujeres. Para explicar mejor lo que vio y experimentó en ese momento, también mantuvo un diario detallado sobre sus aventuras en Alemania. Ella representa a una refugiada siendo izada y llevada hacia el transporte y una oportunidad de supervivencia en Notes from Belsen.
Lo que parece ser una imagen de tristeza realmente tiene un trasfondo esperanzador.
El carro de la muerte – Lodz Ghetto (1980) de Edith Birkin
| Fecha de finalización | 1980 |
| Medio | Acrílico sobre tabla dura |
| Dimensiones (cm) | 91 x 71 |
| Ubicación actual | Museo Imperial de la Guerra |
En esta imagen inquietante, la gente arrastra cadáveres de sábanas blancas a lo largo de una calle de la ciudad a un carro tirado por caballos. Desde ventanas y entradas, otros individuos observan mientras que sus rasgos se asemejan principalmente a cráneos. Cuando Polonia estaba bajo la ocupación nazi en 1941, Birkin y sus familiares fueron trasladados de su casa en Praga al gueto de Lódz. Sus padres fallecieron un año después de mudarse aquí.
Birkin fue llevada a Auschwitz en 1944 y luego trasladada a un campo diferente en el este de Alemania, donde fue utilizada como mano de obra esclava en una fábrica de armas subterránea. Fue enviada al campo de Bergen-Belsen en marzo de 1945, pero fue liberada al mes siguiente. Más tarde, hizo su hogar en Gran Bretaña.
Los sentimientos sombríos, solitarios y desesperados que tantas personas en el gueto experimentaron están representados por los rasgos de ojos abiertos y los azules púrpura oscuro en esta imagen.
Birkin declaró: «Desarrollé un lenguaje visual que me permitió traducir mis ideas al lienzo. Quería representar lo que era ser una persona en el cuerpo desnutrido y de aspecto extraño, aislado de sus seres queridos para siempre». El gueto de Lódz, que fue construido para judíos en Polonia y estaba amurallado con alambre de púas, fue el segundo más grande después de Varsovia. En el gueto en 1942, 100 empresas producían productos básicos, como telas para uniformes del ejército alemán.
Los habitantes del gueto soportaron condiciones de trabajo espantosas, enfermedades y hambrunas, pero gracias a su producción, duró hasta agosto de 1944, cuando fue el último en Polonia en ser destruido.
Benjamin (1982) de Shmuel Dresner
| Fecha de finalización | 1982 |
| Medio | Acrílico en papel de periódico |
| Dimensiones (cm) | 94 cm x 37 cm |
| Ubicación actual | Museo Imperial de la Guerra |
Shmuel Dresner nació en 1928 en Varsovia. Cuando él y los otros ciudadanos judíos de Varsovia fueron empujados al gueto, tenía 12 años. Dresner fue aprehendido y detenido como trabajador esclavo en muchos campos. Dresner llegó a Inglaterra en 1945 y pasó algunos años en centros de tratamiento, donde comenzó a pintar. Benjamin (1982) es un monumento al amigo cercano del artista, a quien había conocido mientras ambos estaban encarcelados durante la Segunda Guerra Mundial.
Representa a Benjamin como alegre y positivo a pesar de haber estado detenido en un campo durante dos años.
La positividad de Dresner le ayudó a hacer frente a la pérdida de su padre en 1943. Benjamin y Dresner fueron convocados un día para ofrecerse como voluntarios para la deportación. Benjamín estaba ansioso por seguir adelante porque creía que los convocados antes serían trasladados en tren. Dresner se ocultó por razones desconocidas.
Posteriormente descubrió que todos los que habían viajado en tren, incluido Benjamin, habían sido asesinados. Dresner trabajó durante muchos años para construir elementos visuales que se relacionaran con sus recuerdos. La obra se centra en los recuerdos de Benjamin. Dresner utiliza paralelismos con el daño y la violencia a través de los papeles rasgados y quemados a partir de los cuales elabora la imagen, pero evita descripciones detalladas de su angustia y miseria.
El arte del Holocausto hecho por sobrevivientes del genocidio ilustra las diversas reacciones humanas a la opresión y la aniquilación de la cultura y la vida de uno, ya sea que se haga de una manera humorística, fantástica o realista. Los dibujos del Holocausto, así como las pinturas del Holocausto, a menudo fueron hechas por personas en situaciones en las que no se disponía de suministros de arte adecuados. Sin embargo, el arte de los sobrevivientes del Holocausto ha seguido educando y tocando a las masas debido a su contenido altamente emotivo.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es el arte del graffiti del Holocausto?
EURO M organizó una serie de actividades en Barcelona para conmemorar el Día Internacional de Conmemoración de las Víctimas del Holocausto. Uno de los eventos, organizado por Nuria Ricart, un Bellas artes instructor en la Universidad de Barcelona, fue creado para dar a conocer ese periodo de la historia a través de una intervención en el espacio público. Desarrolló un compromiso transitorio en Barri Gotic en Barcelona con jóvenes alumnos de la división creativa de la escuela secundaria pública Moisès Broggi junto al artista urbano Roc Black Block. Tras un discurso ante el alumnado del historiador Jordi Guixé, se permitió a 12 estudiantes ayudar al artista en la creación de un mural del Holocausto.
¿Dónde se pueden ver las obras de arte del Holocausto?
Un lugar donde puedes ver estas obras de arte por ti mismo es el Museo de Auschwitz-Birkenau. La colección de arte del Museo asociada con el campo de Auschwitz-Birkenau es excepcional y la más grande del mundo de su tipo. Debido a su importancia histórica y emocional, el arte del campamento es extremadamente significativo, ya que tiene un mensaje global que todos los que lo ven pueden comprender. Estas obras artísticas, creadas bajo un tremendo riesgo, son un registro extraordinario y evocador de un período histórico. Encarnan los sentimientos que seguían a los convictos a diario, que son difíciles de recrear hoy en día.
