¿Qué es el arte ingenuo y cuál es la definición de arte ingenuo? La pintura ingenua puede describirse como un estilo de arte poco sofisticado iniciado por artistas como Henri Rousseau. El arte ingenuo se caracteriza típicamente como arte visual realizado por alguien que no tiene la capacitación y educación formal que recibe un artista calificado. Cuando un artista profesional imita este estilo, el producto se conoce con frecuencia como primitivismo.
Una exploración del arte ingenuo
A diferencia del arte popular, la obra de arte ingenua no siempre surge de un trasfondo cultural o tradición generalizada separada; de hecho, al menos en las economías industrializadas, el conocimiento del patrimonio artístico local ha sido inevitable desde la Revolución de la Imprenta, cuando se extendió a través de la impresión masiva y otros medios.
Los artistas ingenuos son conscientes de las normas de bellas artes, como los puntos de vista específicos y las reglas de composición, pero no pueden o no quieren emplearlas por completo.
La de Henri Rousseau El repaso del león (circa 1907), es un ejemplo de arte ingenuo; Museo Metropolitano de Arte, dominio público, vía Wikimedia Commons
El arte outsider, por otro lado, se refiere a piezas de un entorno similar pero con poco contacto con la comunidad artística convencional. La definición de arte ingenuo, así como sus límites con otras categorías como el arte forastero, ha sido una fuente de debate. El arte ingenuo se refiere a obras de bellas artes, como esculturas y pinturas, creadas por un artista autodidacta, mientras que el arte popular se refiere a productos con uso funcional. Sin embargo, esta distinción ha sido cuestionada.
Otra frase que se puede usar, particularmente en el contexto de las pinturas y la construcción, es «provincial», que se refiere al trabajo de artistas que han recibido alguna instrucción formal pero cuya producción no cumple con las normas urbanas o judiciales accidentalmente.
Características de las pinturas ingenuas
El arte outsider creado por alguien sin formación profesional o título a veces se conoce como arte ingenuo. Si bien esto era cierto antes del siglo 20, actualmente existen academias para la pintura ingenua. El arte ingenuo es ahora una forma de arte bien establecida con galerías de todo el mundo. Los elementos formales de la pintura tienen una conexión incómoda con los rasgos del arte ingenuo, particularmente el incumplimiento de los tres principios de la perspectiva.
- El tamaño de las cosas se reduce proporcionalmente a su distancia.
- Los colores se desvanecen a medida que te alejas de ellos.
- Con la distancia, la nitidez de los detalles disminuye.
Los resultados incluyen que los efectos de la perspectiva son geométricamente incorrectos. En todos los planos de la composición, no hay ningún debilitamiento en el fondo, y hay muchos patrones. Los detalles, especialmente aquellos en el fondo que deberían oscurecerse, recibieron el mismo nivel de atención.
Se dice que la simplicidad, en lugar de los matices, es un sello distintivo del arte ingenuo.
El Arca de Noé (antes de 1942) de Alfred Wallis; Alfred Wallis, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, debido a que se ha convertido en un estilo tan conocido y reconocido, muchos especímenes pueden clasificarse como pseudo-nave o Primitivismo. Dado el auge del autodidactismo como método de escolarización en los tiempos actuales, la ingenuidad estricta es rara de ver entre artistas contemporáneos.
Es posible que los artistas vivos no siempre acepten categorizaciones ingenuas, pero es probable que esto cambie a medida que se disponga de señales más dignificantes.
Movimientos
Nadie sabe cuándo llegaron a la escena los primeros pintores ingenuos, pero desde las primeras manifestaciones del arte hasta los días de la «Obra Maestra Moderna», los artistas ingenuos nos dejaron indicios innegables de su actividad creativa. En cualquier caso, desde la publicación del Der Blaue Reiter, un almanaque en 1912, se puede decir que el arte ingenuo ha tenido un estatus «oficial» en las crónicas del arte del siglo 20. Los editores del almanaque, Franz Marc y Wassily Kandinsky mostró seis copias de las obras de Henri Rousseau, relacionándolas con otros ejemplos artísticos.
La mayoría de los expertos creen, sin embargo, que la pintura ingenua fue «descubierta» en 1885 cuando el pintor Paul Signac reconoció el potencial de Henri Rousseau y comenzó a organizar exhibiciones de su trabajo en varias galerías famosas.
Tigre en una tormenta tropical (¡Sorprendido!) (1891) de Henri Rousseau, ubicada en la National Gallery de Londres, Inglaterra; Henri Rousseau, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los pintores del Sagrado Corazón
A Wilhelm Uhde, un crítico de arte y coleccionista alemán, se le atribuye la organización de la primera exposición de arte ingenua, que se celebró en París en 1928. André Bauchant, Camille Bombois, Henri Rouseau, Séraphine Louis y Louis Vivin estuvieron entre los participantes.
Los artistas del Sagrado Corazón eran su nombre colectivo.
Kosovski Boj (la batalla de Kosovo) de Janko Brašić; Slobodan Štetić, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Grupo tierra
Desde 1929 hasta 1935, el Grupo tierra fue un grupo de pintores, arquitectos y pensadores croatas que trabajaron en Zagreb. El grupo tenía una inclinación marxista y se inspiró parcialmente en «Neue Sachlichkeit», que resultó en formas más estilizadas y la creación de pinturas ingenuas. Edo Kovaevi, Krsto Hegedui, Omer Mujadi y Oton Postrunik estuvieron entre los pintores del grupo, así como el escultor Frano Krini y el arquitecto Drago Ibler.
El grupo de la Tierra buscó soluciones a los problemas sociales.
Fiesta de los Malakans de Niko Pirosmani, ubicado en el Museo Sighnaghi de Georgia; Orfeus, dominio público, vía Wikimedia Commons
Su plan de estudios enfatizó el valor de la expresión creativa autónoma mientras se oponía a la imitación irreflexiva de las tendencias extranjeras. Creían que en lugar de crear arte por el bien de crear arte, debería representar las realidades de la vida y las necesidades de la comunidad moderna.
Escuela Hiebine
De alrededor de 1930, una frase atribuida a pintores ingenuos croatas que trabajaron en o alrededor de la región de Hlebine, cerca de la frontera húngara. El asentamiento tenía solo unos pocos callejones retorcidos fangosos y edificios de un piso en ese momento, pero generó una cosecha tan maravillosa de pintores que se convirtió casi en sinónimo de pinturas ingenuas yugoslavas.
Hlebine es un pequeño municipio atractivo en el norte de Croacia que formó el telón de fondo para una colección de auto-agricultores para establecer un estilo distintivo y bastante innovador de pintura en la década de 1920.
Los jugadores de dominó (Juego de Domino) de José Rodríguez Fuster; Soydcuba, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Los principales intelectuales de la época, como el poeta Antun Gustav Mato y la figura más famosa de la literatura croata, Miroslav Krlea, abogaron por un estilo estético nacional distinto libre de influencias occidentales. Estas ideas fueron retomadas por Krsto Hegedui, un conocido artista de Hlebine que fundó la Escuela de Arte de Hlebine en 1930 en busca de la «expresión creativa rural» nacional. Ivan Generali fue el primer maestro de la Escuela Hlebine, así como el primero en crear un estilo personal distinto y lograr un alto nivel de excelencia artística.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la siguiente generación de artistas de Hlebine prefirió concentrarse en representaciones estilizadas de la vida en el campo basadas en la imaginación. Generali siguió siendo la figura dominante, alentando a nuevos pintores, como su hijo Josip Generali.
Pinturas ingenuas notables
La simplicidad infantil de la técnica y la visión caracteriza el arte ingenuo. Como resultado, los modernistas que quieren alejarse de lo que consideran la falsa sofisticación del trabajo producido dentro del sistema convencional lo han elogiado.
Henri Rousseau es el artista ingenuo contemporáneo más conocido; por lo tanto, comenzaremos con una de sus piezas.
El sueño (1910) de Henri Rousseau
| Fecha de finalización | 1910 |
| Medio | Pintura al óleo |
| Dimensiones | 204 cm x 298 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
La joven ha sido llevada a una jungla, donde un músico local le da una serenata soplando un instrumento de metal. Yadwigha, medio velada en las sombras de la selva, se acerca al músico, contemplando una vista de la hermosa vegetación de la jungla que incluye pétalos de loto, loros, primates, un elefante, dos leones y una serpiente. Un concepto de Jardín del Edén es sugerido por la serpiente que se acerca a la escena en la esquina inferior derecha de la imagen. Una serpiente rosa se desliza a través de los arbustos, su forma serpentina imita los contornos de la pierna y la cadera de la mujer.
En esta obra de arte, el modelo desnudo se sienta en un sofá, combinando lo hogar y lo exótico. «The Dream» demuestra por qué los surrealistas apreciaron la pintura de Rousseau debido a su increíble atención al detalle, color brillante y una mezcla absurda de imagery.
El sueño (1910) de Henri Rousseau, ubicado en el Museo de Arte Moderno de nueva York, Estados Unidos; Henri Rousseau, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La vegetación de la selva fue pintada en al menos 22 tonos diferentes de verde. Guillaume Apollinaire, poeta y crítico, quedó cautivado por la obra de arte. «La pintura rezuma belleza, eso es seguro», exclamó. Este año, no creo que nadie se ría».
Debido a la monotonía del tema, una dama acostada desnuda en un sofá en los trópicos, esta imagen es claramente un sueño.
Sin embargo, no está claro si la obra de arte representa el sueño de Yadwigha o Rousseau. Sin embargo, parte de la alegría de la imagen es lo libre que es interpretarla. Rousseau se inspiró en sus excursiones al museo de historia natural de París y al Jardin des Plantes, lo que resultó en la exuberante jungla, los animales salvajes y el misterioso trompista que se ve en esta pieza. «Cuando estoy en estos invernaderos y veo la flora inusual de otros lugares, parece que estoy entrando en un sueño», dijo el artista sobre sus visitas.
El barco de la muerte (1942) de Alfred Wallis
| Fecha de finalización | 1942 |
| Medio | Aceite en la tarjeta |
| Dimensiones | 23 cm x 35 cm |
| Ubicación actual | Kettle’s Yard, Cambridge, Inglaterra |
El punto principal de la Nave de la Muerte de Alfred Wallis es una gigantesca nave negra con vapor gris oscuro ondulante. Mientras el barco se mueve sobre aguas blancas heladas, se ven cinco marineros vestidos con trajes y gorras negras. Esta imagen, apropiadamente titulada, es un excelente ejemplo del tipo de obras que Wallis creó al final de su vida. Expresan la intensa melancolía del artista en ese momento.
Wallis estaba haciendo estas pinturas en medio de la soledad, sufriendo de deterioro de la vista y una grave degeneración mental.
St Ives (circa 1928) de Alfred Wallis; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Se desconoce la fecha exacta en la que Wallis completó estas últimas mejoras. Fueron creados cuando Wallis era residente de la casa de pobres Madron o justo antes de que se institucionalizara allí, un destino que había temido durante mucho tiempo. Death Ship desacredita la noción de que Wallis era incapaz de producir un grado profundo e intrincado de simbolismo a través de su trabajo como artista «ingenuo». El barco es un presagio de muerte y devastación, un retrato metafórico en lugar de literal de los temas en el arte de Wallis.
Es una amalgama de los que Wallis había experimentado durante su tiempo en el mar y alrededor de las costas de St. Ives.
La columna rota (1944) de Frida Kahlo
| Fecha de finalización | 1944 |
| Medio | Óleo sobre masonita |
| Dimensiones | 39 cm x 30 cm |
| Ubicación actual | Museo Dolores Olmedo, Xochimilco |
Los autorretratos de Frida Kahlo generalmente se centran en el dolor físico y psicológico después de que resultó gravemente herida en un accidente de tráfico cuando tenía dieciocho años. A medida que su salud se deterioró, este tema resurgió y se hizo mucho más intenso al final de su vida. Sus imágenes gráficas de sí misma en agonía proporcionan una mirada sorprendente a sus batallas con dificultades físicas y angustia.
La obra de arte de Kahlo, «The Broken Column», fue creada poco después de someterse a una cirugía de columna. Este fue solo uno de los varios tratamientos médicos que tuvo que pasar durante su vida para rectificar los problemas causados por su lesión anterior.
En contraste con los moldes de yeso que había usado anteriormente, Kahlo se vio obligada a usar un corsé de acero mientras pintaba. Kahlo se ve en la imagen contra un entorno desolado y fragmentado que parece haber pasado por tanta agitación y tragedia como el artista. Su columna vertebral se representa como una columna de piedra jónica destrozada y destrozada debido a una fisura profunda y dentada a lo largo de su cuerpo casi desnudo.
Su columna vertebral parece estar a punto de colapsar, especialmente en la base. Las uñas de diferentes tamaños penetran en todo su cuerpo y cara, exacerbando su dolor. Las lágrimas corren por sus mejillas en torrentes.
Además de la faja elástica de soporte médico que usa, Kahlo se pintó desnuda al principio, pero luego agregó una cubierta blanca de aspecto quirúrgico para cubrir su mitad inferior. Sus pechos están descubiertos, y su sensualidad brilla a pesar de la mutilación de su cuerpo. La representación de clavos y sábanas también tiene fuertes connotaciones de martirio cristiano emblemático. La cara de Kahlo tiene una sensación de poder y resistencia al respecto, a pesar del dolor por el que está pasando. VísperaAunque su cuerpo ha sido mutilado y torturado, está claro que su espíritu no ha sido dañado.
Eso concluye nuestra mirada al estilo infantil y poco sofisticado conocido como arte ingenuo. El término se utiliza para describir pinturas creadas en culturas más o menos avanzadas que carecen de habilidades de representación tradicionales. Los colores son brillantes y antinaturalistas, la perspectiva no es científica y la percepción es infantil o literal.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es el arte ingenuo?
El término arte ingenuo fue acuñado en el siglo XIX (antes de eso, las imágenes con un aspecto ingenuo pueden clasificarse con mayor precisión como arte popular o simplemente como obras no profesionales), y el primer gran defensor fue probablemente el estadounidense Edward Hicks. Sin embargo, no fue hasta principios del siglo 20 que la pintura ingenua se puso de moda. Henri Rousseau fue el primer pintor ingenuo en recibir grandes elogios de la crítica, y sigue siendo el único que es considerado un gran maestro, pero muchos otros se han ganado el respeto en arte contemporáneo.
¿Qué es el primitivismo?
La frase se usa con frecuencia indistintamente con Ingenuo, sin embargo, esto puede ser engañoso porque el primitivismo puede referirse a pinturas del período prerrenacentista, así como al arte de tribus incivilizadas. Arte popular y pintor dominical son dos palabras más que ocasionalmente se usan indistintamente. Muchos novatos no pintan de una manera ingenua; por lo tanto, estos tienen su propio conjunto de problemas.
