Diego Rivera, típicamente considerado el pintor mexicano más importante del siglo 20, fue un personaje más grande que la vida que pasó tramos considerables de su carrera fuera de México, en Europa y los Estados Unidos. Diego Rivera fue considerado como una figura crucial en el movimiento artístico muralista en México y uno de sus pioneros. La obra de Diego Rivera fue influenciada por una variedad de orígenes, incluidos maestros contemporáneos europeos y la historia precolombina de México. Las pinturas de Diego Rivera, creadas en el estilo de pintura al fresco de Italia, trataron grandes temas adecuados a la grandeza de su forma de arte preferida: la inequidad socioeconómica, la interacción entre el medio ambiente, el comercio y la innovación, y el patrimonio y el destino de México.
Biografía de Diego Rivera
| Nacionalidad | Mexicano |
| Fecha de nacimiento | 8 de diciembre de 1886 |
| Fecha de fallecimiento | 24 de noviembre de 1957 |
| Lugar de nacimiento | Guanajuato, México |
Los murales de Diego Rivera eran su medio preferido, que apreciaba por su enorme magnitud y accesibilidad pública, la antítesis polar de lo que él veía como la naturaleza elitista de las obras de arte en museos y galerías.
Diego Rivera sigue siendo una de las personas más queridas de México.
Es aclamado tanto por su participación en el renacimiento creativo de la nación y la revitalización de la forma de arte muralista, como por su enorme personalidad, más de 50 años después de su fallecimiento. Pero, ¿dónde murió Diego Rivera y por qué? Echemos un vistazo a la biografía de Diego Rivera.
Niñez
Diego Rivera y su hermano gemelo nacieron en Guanajuato en 1886. Su gemelo pereció cuando él tenía dos años, y la familia se mudó a la Ciudad de México poco después. El potencial creativo de Diego fue alimentado por su familia, que lo inscribió en la Academia de Bellas Artes de San Carlos cuando tenía unos 12 años de edad.
Bajo la dirección de un personal predominantemente ortodoxo, dominó las habilidades convencionales de pintura y escultura.
Retrato de Diego Rivera (1914) de Amedeo Modigliani, ubicado en una colección privada; Amedeo Modigliani, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Gerardo Murillo se convertiría en una influencia motivadora detrás del Movimiento de Arte Muralista Mexicano en los primeros años del siglo 20, en el que Rivera participó, y fue uno de sus compañeros de clase en la escuela.
Formación temprana
Los dos estudiantes participaron en una exposición organizada por los editores de la revista Savia Moderna en 1905 con una selección de otros pintores prometedores. Diego Rivera terminó sus estudios en 1905 y más de 20 de las pinturas de Diego Rivera se exhibieron en la exhibición anual de arte de la Academia de San Carlos al año siguiente. La Era (1904) es una de sus pinturas de este período que demuestra Impresionismo en la interacción de luces y sombras, así como el uso característico del color por parte del artista. Rivera obtuvo fondos del gobierno para estudiar en Europa en 1907.
Rivera estudió el arte de Diego Velázquez, El Greco, Francisco Goya y los pintores flamencos en el Museo del Prado en España, que sirvió de marco firme para su obra posterior.
Rivera conoció a los destacados exponentes de la vanguardia madrileña, en particular Ramón Valle-Inclán y Ramón Gómez de la Serna, en el taller del pintor del realismo español Eduardo Chicharro. Rivera y Valle-Inclán volaron a Bélgica y París en 1909, donde conoció a la artista rusa Angelina Beloff, quien se convertiría en la compañera de Rivera durante los próximos 12 años.
Mural Sueño de una Tarde Dominical en la Alameda Central (1947) de Diego Rivera, con Rivera y Frida Kahlo de pie junto a La Calavera Catrina; Diego Rivera, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Rivera luego realizó su exposición debut en la Academia de San Carlos cuando regresó a la Ciudad de México en 1910. El regreso a casa de Rivera se programó para corresponder con el inicio de la Revolución Mexicana, que perduraría hasta 1917. A pesar de la agitación política, la exposición de Rivera fue un gran éxito, y las ganancias de la compra de sus pinturas le permitieron regresar a Europa.
Rivera regresó a París y se convirtió en un devoto seguidor del cubismo, que veía como un estilo de arte realmente revolucionario.
Mural de explotación de México por conquistadores españoles (1929 – 1945) de Diego Rivera, ubicado en el Palacio Nacional, Ciudad de México; Murales_Rivera_-_Ausbeutung_durch_die_Spanier_1.jpg: Wolfgang Sauberderivative work: ecelan, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons
Las turbulentas asociaciones de Rivera con los otros participantes del movimiento llegaron a un punto crítico después de un violento altercado con Pierre Reverdy, el crítico de arte. Esto finalmente culminó en una ruptura permanente con el grupo y el final de sus amistades y relaciones con Braque, Picasso, Juan Gris, Gino Severini, Fernand Leger y Jacques Lipchitz. Rivera luego dirigió su atención a Cézanne y pintores neoclásicos como Ingres, así como a un resurgimiento de arte representacional.
Rivera recibió otra beca para dedicarse al arte en Italia, donde replicó bizantino, etrusco y Obras renacentistas, con un enfoque especial en los murales de los siglos 14 y 15 del Renacimiento italiano.
Rivera regresó a México en 1921 después de que José Vasconcelos fuera nombrado como el nuevo Ministro de Educación en México, dejando atrás a su compañero.
Período de madurez
Rivera llegó a México con una visión estética reavivada, moldeada por sus estudios de obras de arte clásicas y antiguas. Bajo la guía del plan de estudios del programa del Ministerio de Educación, se le dio la oportunidad de viajar y estudiar varios sitios antiguos precolombinos. El primero de los murales de Diego Rivera, Creación (1922), fue creado para la Escuela Nacional Preparatoria y exhibe una considerable presencia del arte occidental.
Rivera estuvo activo en la política local inmediatamente después de unirse al Partido Comunista Mexicano en 1922. Estaba pintando frescos en la Escuela Nacional de Agricultura de la Ciudad de México en ese momento.
Durante este último proyecto, se comprometió con Tina Modotti, una fotógrafa italiana que había posado para sus pinturas; el romance le hizo divorciarse de Lupe Marin, su esposa en ese momento. Rivera viajó a la Unión Soviética en 1927 para asistir a las festividades del 10º aniversario de la Revolución de Octubre, que encontró tremendamente inspiradoras. Enseñó arte monumental en la Escuela de Bellas Artes de Moscú durante nueve meses. Se casó con el artista Frida Kahlo, quien era 21 años más joven que él, y fue nombrado jefe de la Academia de San Carlos a su regreso a México.
Recreación de El hombre en la encrucijada (renombrado El hombre, controlador del universo), creado originalmente en 1934 por Diego Rivera; Wolfgang Sauber, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Sus puntos de vista educativos radicales lo convirtieron en opositor entre el cuerpo estudiantil y docente conservador, y fue expulsado del Partido Comunista por cooperar con el estado al mismo tiempo. Rivera obtuvo el respaldo de Dwight W. Morrow, quien lo contrató para crear un fresco en el Palacio Cortés de Cuernavaca que conmemora la historia de la ciudad.
Morrow, un fanático de la obra de Diego Rivera desde hace mucho tiempo, le ofreció al artista un viaje a los Estados Unidos con todos los costos cubiertos. Rivera permaneció en los Estados Unidos durante cuatro años.
Allí, el prolífico artista pintó murales durante todo el día en Nueva York, San Francisco y Detroit, honrando los tremendos poderes del trabajo, la industria, la educación y el arte. Fue un gran éxito en Nueva York, pero también provocó mucho debate. El viaje estadounidense de Rivera llegó a su fin en 1933, cuando John D. Rockefeller, Jr. ordenó la eliminación del mural Man at the Crossroads, que había creado originalmente para el vestíbulo del Rockefeller Center, debido a la negativa de Rivera a eliminar la imagen de Lenin y lo que los Rockefeller consideraron una representación inflamatoria de David Rockefeller.
Últimos años y muerte
Rivera y Kahlo tenían una casa estudio en una hermosa estructura de estilo Bauhaus en la Ciudad de México que todavía se puede visitar hoy cuando Rivera llegó a México. Rivera pintó en el Palacio Nacional de vez en cuando desde 1929 hasta 1945, produciendo algunas de sus obras muralistas más icónicas allí. Él y Kahlo ayudaron a León Trotsky y su esposa a obtener asilo político en 1937; los Trotsky residieron con ellos en la zona de Coyoacán durante dos años.
Rivera y Kahlo se separaron un par de años después, pero se reunieron en San Francisco al año siguiente, mientras Diego Rivera trabajaba en la Exposición Internacional Golden Gate.
Los dos tuvieron una relación ferozmente intensa y tumultuosa, como se ve en sus obras de arte muy íntimas. La pareja permaneció junta hasta que Kahlo murió en 1954. Diego Rivera continuó creando murales en sus últimos años, a menudo en paneles móviles. También pintó muchos retratos al óleo, en su mayoría de la burguesía mexicana, niños y turistas de los Estados Unidos. TesLas piezas electrónicas no son necesariamente dignas de mención, y a veces tienen un aspecto kitsch que recuerda Arte pop.
La Tumba de Diego Rivera en La Rotonda de los Personajes Ilustres, dentro del Panteón de Dolores en la Ciudad de México; Thelmadatter, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, fueron extremadamente rentables a lo largo de su vida, lo que permitió al artista agregar a su impresionante colección de artefactos precolombinos. Su obra de arte se conserva ahora en el Museo Anahuacalli, una estructura inspirada en el Gran Templo de Tenochtitlan y construida por el propio Rivera. Rivera se volvió a casar en 1955 con Emma Hurtado, su comerciante desde 1946, a pesar de ser viudo y sufrir de cáncer.
Rivera murió en México en 1957 a la edad de 70 años, después de un viaje a la Unión Soviética con la esperanza de tratar su enfermedad. Su solicitud de que sus cenizas fueran enterradas junto a las de Kahlo fue denegada, y fue puesto en la «Rotonda de Hombres Famosos» de México.
Legado
Rivera consideraba al artista como un artesano a disposición de la gente, que necesitaba utilizar un lenguaje visual que fuera fácil de entender. Esta noción tuvo un impacto significativo en el arte público estadounidense, inspirando proyectos como el Proyecto Federal de Arte de las Obras, en el que los artistas pintaron imágenes de la vida cotidiana en Estados Unidos en instalaciones gubernamentales.
Rivera influyó en pintores tan variados como Thomas Hart Benton, Ben Shahn y Jackson Pollock con su visión estética social y políticamente amplia, su enfoque narrativo y su utilización del simbolismo.
Exhibición de diversos artículos incluyendo el retrato de Dolores del Río en la casa Diego Rivera en San Ángel, Ciudad de México; AlejandroLinaresGarcia, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Pinturas de Diego Rivera
Rivera creó una obra increíble utilizando la fachada de instituciones académicas y otras áreas municipales en los Estados Unidos y México como su lienzo, reviviendo la curiosidad en el arte muralista y ayudando a recrear la idea del arte público en América al sentar las bases para el Programa Federal de Arte de la década de 1930. Los principales temas e influencias en las obras de diego rivera fueron la historia y la cultura mexicanas.
Rivera, quien adquirió una gran colección de artefactos precolombinos, pintó representaciones panorámicas de la historia y la vida cotidiana mexicanas de una manera fuertemente influenciada por la civilización precolombina, desde sus raíces mayas hasta la Revolución Mexicana y el presente posrevolucionario.
Rivera, un marxista de larga data que fue miembro del Partido Comunista Mexicano y tuvo estrechas relaciones con la Unión Soviética, es un modelo de artista con conciencia social. Las pinturas de Diego Rivera representaban a los agricultores mexicanos, trabajadores estadounidenses e íconos revolucionarios como Emiliano Zapata y Vladimir Lenin, expresando su apoyo descarado a los problemas políticos de izquierda. Sus ideas comunistas francas e intransigentes ocasionalmente chocaban con las preferencias de los benefactores ricos, causando una enorme controversia tanto dentro como fuera del mundo del arte.
Vista de Toledo (1912)
| Fecha de finalización | 1912 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 112 cm x 91 cm |
| Ubicación actual | Fundación Amparo R. de Espinosa, Puebla |
Principalmente, el material se basa en una obra maestra del pintor griego El Greco del mismo nombre. Rivera examinó meticulosamente su trabajo y admiró el estilo expresivo en el que trabajaba en ese momento. Vista de Toledo de El Greco fue pintado en 1599, pero sigue siendo curiosamente actual incluso después de todos estos años. Ambas composiciones incluyen un paisaje urbano desde un punto de vista distante, y los pintores eligieron lugares en las afueras de la ciudad que son muy similares.
La interpretación de El Greco nos emocionaría con una escena caótica del cielo, pero la versión de Rivera es un poco más tranquila, con un río que corre alrededor de la parte inferior de la imagen, proporcionando un contrapunto al cielo en la parte superior.
También hace ambas cosas en un tono azul muy plano, lo que se suma a la sensación relajante general del trabajo. El positivismo continúa en la versión mexicana, con los tejados y las paredes de cada estructura iluminados significativamente, posiblemente indicando el estilo común utilizado en esta región del mundo. Toledo es una hermosa ciudad con un entorno encantador que se complementa con una arquitectura antigua y atractiva.
Mural de la ciudad azteca de Tenochtitlan de Diego Rivera, ubicado en el Palacio Nacional, Ciudad de México; Diego Rivera, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El Greco nació en Grecia, pero pasó gran parte de su vida en España, lo que ilustra por qué muchas de sus obras más famosas se encuentran actualmente en el Museo del Prado de Madrid. Rivera prácticamente nos proporcionó la misma área a la mañana siguiente, una vez que las nubes se habían levantado y el sol brillaba, mientras que su interpretación estaba inmersa en el estilo de El Greco de colores dramáticos, oscuros y sombríos.
En un gesto simbólico, la catedral en la parte superior se eleva hacia el cielo, mirando hacia abajo en las estructuras en los niveles inferiores de la ciudad. El artista se sienta en un banco en primer plano y nos informa de ello con algunas flores en primer plano.
Rivera también emplea una actitud casual hacia el detalle que difiere de la de los artistas del realismo del siglo anterior, y su paleta conserva un vínculo con las obras de Cézanne, con tonos rosas, naranjas y amarillos.
Paisaje zapatista – La guerrilla (1915)
| Fecha de finalización | 1915 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 145 cm x 125 cm |
| Ubicación actual | Museo Nacional de Arte, Ciudad de México |
En 1915, Diego Rivera completó su obra maestra. Elogió la obra de arte como un retrato preciso de la actitud mexicana en ese momento. Un sombrero, un sarape, una correa de cartucho, un arma de fuego, las tierras altas de México y una caja de munición de madera se representan en la obra de arte zapatista. El elemento central se desplaza a medida que sus planos se cruzan de maneras interesantes. La sombra de la pistola es blanca, los rojos en la imagen tienen un tono particular y los azules están magníficamente representados, al igual que en México.
Luego se le pide a la audiencia que determine la cara en la pieza por este ojo que todo lo ve. Esta obra de arte es tan secreta como un zapatista.
Mural del mercado azteca de Tlatelolco de Diego Rivera, ubicado en el Palacio Nacional, Ciudad de México; Diego Rivera, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Hay grupos verdes de bosques muy concurridos en los lados izquierdo y derecho de la obra de arte. Sobre la oscuridad, los árboles están pintados en un verde viridio oscuro. Un pedazo de papel en blanco se sujeta al fondo azul con un clavo en la esquina inferior derecha. La técnica del trampantojo se utiliza para pintar el pedazo de papel. Este pedazo de papel es una declaración de México que se remonta a miles de años atrás.
Los cubistas de Rivera produjeron otras hermosas piezas de arte después de que terminó el zapatista, pero nunca creó ninguna obra de arte tan buena como la zapatista. Demostró que era uno de los artistas cubistas más efectivos con esta imagen.
Debido a su popularidad, Rivera se convirtió en una figura importante en las disputas teóricas en el París de la guerra. Rivera representó a los zapatistas en París durante la brutal lucha de la revolución mexicana. Aunque la imagen no era muy conocida en ese momento, se le dio una nueva interpretación una década después. Emiliano Zapata, un conocido campesino del ejército guerrillero, y sus partidarios son el tema del título de la obra de arte. Dado que el título se agregó más tarde, es difícil establecer si Rivera estaba pensando en Zapata en 1915.
Maternidad – Angelina y el niño (1916)
| Fecha de finalización | 1916 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 132 cm x 86 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Alvar y Carmen T. de Carrillo Gil |
La Virgen con el Niño es un tema constante de la historia del arte, y la maternidad es una interpretación modernizada y cubista de ella. Angelina Beloff, la esposa de Derecho Común de 12 años de Rivera, abraza a su hijo pequeño que sucumbió a la influenza pocas semanas después de su nacimiento.
La actitud distintiva de Rivera hacia el cubismo, evitando la paleta sombría y monocromática utilizada por pintores como Pablo Picasso o Georges Braque en favor de tonos vibrantes que evocan los utilizados por pintores futuristas italianos como Giacomo Balla y Gino Severini, está brillantemente ilustrada en esta obra.
Creación (1923)
| Fecha de finalización | 1923 |
| Medio | Fresco |
| Dimensiones | 3,6 metros |
| Ubicación actual | Museo de San Idelfonso, Ciudad de México |
La obra muralista es una obra masiva que abarca más de mil pies cuadrados. La obra de Diego Rivera fue la primera en ser ordenada por el gobierno. Entre 1922 y 1923, Rivera creó esta imagen. El tema principal del dibujo fue un fuerte énfasis en la fe, así como en sus creencias. La pintura se realiza con técnicas antiguas, incluida la cera fundida, que se utiliza para aplicar los colores. El dibujo comprende una gran tubería que está oculta dentro del marco, así como diferentes diseños que representan algo.
Las figuras humanas a cada lado del marco de color profundo, que evoca un altar, son los aspectos más destacados del dibujo.
La representación del sol está en la posición más alta por encima de todos los detalles. La Trinidad Divina está simbolizada por tres manos que apuntan lejos del sol en direcciones separadas. Todas las manos parecen estar apuntando hacia abajo a los rasgos humanos esbozados. Otra obra de arte detrás del altar representa a un hombre extendiendo sus manos como si intentara alcanzar a todos los demás. La representación de una persona con las manos completamente extendidas está justo debajo del sol.
Eva y Adán están sentados en lados opuestos del altar en la parte inferior de la imagen. Eva y Adán son seres humanos que se dice que son los primeros humanos por los cristianos. Están desnudos, contrastando con el resto del grupo, para reflejar la idea cristiana de rebelión. Las nueve imágenes distintas a ambos lados del altar son todas indicativas de varias cualidades y virtudes cristianas como se cree en las creencias religiosas. Significan amor, optimismo y creencia, comenzando desde la izquierda.
Los individuos de la derecha significan sabiduría, justicia y la creencia en el propio poder.
La imagen y su simbolismo son únicamente religiosos y no tienen connotaciones políticas. La ilustración también representa los valores vivos que se enseñan en la fe cristiana. El artista estaba insatisfecho con esta pintura, ya que exhibía muchas técnicas italianas.
El hombre, controlador del universo (1934)
| Fecha de finalización | 1934 |
| Medio | Fresco |
| Dimensiones | 485 cm x 114 cm |
| Ubicación actual | Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México |
La imagen representa a la especie humana «en la encrucijada» de fuerzas e ideologías que refuerzan u oponen: ciencia, industria, comunismo y capitalismo, como su título sugiere. La pintura representa a un trabajador heroico rodeado por cuatro maquinillas de afeitar en forma de hélice en el medio, revelando el compromiso de Rivera con el comunismo.
Detalle de El hombre, controlador del universo (1934) de Diego Rivera, que muestra a León Trotsky, Friedrich Engels y Karl Marx, y ubicado en el Palacio de Bellas Artes; Pintura: Diego Rivera; foto: Éclusette, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Contrasta con una representación ridícula de las mujeres de la sociedad con una representación compasiva de Lenin rodeado por comunistas de varias razas de la derecha. El estado mexicano ordenó esta obra de arte, que es una réplica más pequeña pero casi idéntica del mural de Rockefeller, Man at the Crossroads, para el Rockefeller Center.
Un año antes de esta pieza, la obra de arte de la ciudad de Nueva York fue demolida debido a las críticas sobre la imagen de Rivera de Lenin y su posterior falta de voluntad para borrar la imagen.
Retrato de Lupe Marin (1938)
| Fecha de finalización | 1938 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 171 cm x 122 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno, Ciudad de México |
La vida política y social de Diego Rivera fue tan vibrante como su carrera laboral, ya que se convirtió en un artista mundialmente conocido. Diego Rivera, como muchos otros jóvenes académicos en la década de 1920, era un idealista marxista, por lo que era natural que eligiera compañeros que compartieran sus ideales. Diego Rivera se unió públicamente al Partido Comunista Mexicano hacia fines de 1922, después de que la Revolución Bolchevique Rusa en 1917 había transformado el marxismo en comunismo.
Su primera esposa, con quien se casó en 1923, era una comunista a la que conoció a través de otra joven comunista conocida.
Lupe Marín compartía algo más que sus ideales políticos con Diego. Era una belleza inusual rebosante de emociones irracionales. Desafortunadamente, su feroz envidia de Diego Rivera era demasiado para su naturaleza apasionada. Cuando Diego Rivera prestó la más mínima atención a otras damas, ella rompió sus bocetos en un ataque de ira en varias ocasiones. Diego Rivera, sin duda, inflamó a Lupe por su propia diversión en la salida. Ella aplastó una valiosa estatua y se la sirvió en su sopa, a pesar de que estaba celosa de su entusiasmo por la escultura precolombina.
Rivera demuestra su importante deuda creativa con el patrimonio pictórico europeo en este impresionante cuadro de Lupe Marín, de quien había estado distanciado durante la década anterior.
Rivera presenta su figura parcialmente en reflejo mediante el uso de un espejo en el telón de fondo, una técnica utilizada por artistas como Claudio Monet, Diego Velázquez y Paul Gauguin, que más tarde utilizaría en su retrato de 1949 de su hija Ruth. El modelo’Las manos expresivas y la coloración de la pintura recuerdan a otro héroe creativo, El Greco, mientras que la estructura y la composición recuerdan el trabajo de Paul Cézanne.
Sueño de una tarde de domingo en el Parque Alameda (1947)
| Fecha de finalización | 1947 |
| Medio | mural |
| Dimensiones | 15 metros x 1,7 metros |
| Ubicación actual | Museo Mural Diego Rivera |
¿Podría ser que al artista, un hombre grande que se llamaba a sí mismo «el sapo» y se definía a sí mismo como «feo», no le gustaba mirarse a sí mismo? Los autorretratos de Diego Rivera siempre incluyen ojos saltones y una sonrisa un tanto sarcástica. El desenfado del pintor es visible incluso en una inserción aparentemente inofensiva de un autorretrato de Diego Rivera, como el que se incorporó subrepticiamente en este vasto fresco.
Diego Rivera se muestra como un niño, con su esposa Frida de pie detrás de él como adulto, aludiendo a la inexperiencia de Rivera en su relación.
Compare esto con el retrato de amor de Frida de su unión en un lienzo de 1931. Cientos de figuras de los 400 años de historia de México se congregan en el parque más grande de la Ciudad de México para un paseo marítimo. El lado más oscuro del sueño se revela por los globos de colores, los invitados inmaculadamente vestidos y los vendedores de productos diversificados: un conflicto entre un hogar indígena y un oficial de la ley; un hombre disparando un arma en la cara de alguien que está siendo aplastado por un caballo en medio de una pelea; y un esqueleto nefasto sonriendo al espectador.
Este es un sueño complicado al estilo del surrealismo. Los sueños fueron el tema principal de Surrealistas como Salvador Dalí. Debido a que los sueños son tan íntimos y únicos, los artistas pudieron yuxtaponer objetos aparentemente inconexos, como relojes y hormigas en el caso de Dalí.
A pesar de que Rivera nunca se unió formalmente a los surrealistas, emplea este método en esta pieza, en la que improvisa un cuadro compuesto por varias figuras históricas.
Preguntas Frecuentes
¿Quién fue Diego Rivera?
Rivera fue un conocido defensor de Muralismo mexicano, un movimiento patrocinado por el gobierno destinado a elogiar la historia, el patrimonio y los principios posrevolucionarios del país a través de murales a gran escala en entornos públicos. Rivera produjo vastos ciclos murales que se basaron en enfoques de pintura modernista para transmitir puntos de vista heroicos de la historia y el presente de México que llamaron la atención de críticos y observadores de todo el mundo, empleando un método de frescos de siglos de antigüedad. El trabajo y las ideas de Rivera fueron notablemente bien recibidos por artistas y espectadores en los Estados Unidos.
¿Cuándo murió Diego Rivera?
El 24 de noviembre de 1957, Diego Rivera murió de insuficiencia cardíaca. Falleció por la mañana en su casa en México. Tenía 70 años en ese momento. En la década de 1940, Rivera fue diagnosticado con diabetes. Dos años antes, la información sobre su enfermedad se había escapado, y viajó a Moscú para recibir tratamiento con médicos soviéticos.
