Las estatuas y esculturas neoclásicas surgieron por primera vez en la segunda mitad de la década de 1700 y fue un estilo reaccionario que quería deshacerse de algunos de los elementos de diseño más frívolos del estilo rococó anterior. Las esculturas del neoclasicismo fueron fuertemente influenciadas por el trabajo de los antiguos griegos y romanos. Los avances en el campo de la arqueología descubrieron magníficas obras de arte de la antigüedad clásica que los arquitectos contemporáneos de la época querían emular.
Una introducción a las esculturas del neoclasicismo
Durante la década de 1700, los arqueólogos comenzaron a desenterrar civilizaciones antiguas que revelaron arquitectura y obras de arte que fueron muy admiradas por su atención al detalle y la simetría armoniosa en general. Los artistas de la época se estaban volviendo desdeñosos de lo demasiado ornamentado. Estilo rococó y quería volver a los conceptos e ideas que los imperios grecorromanos habían defendido a través de su trabajo.
Características de las estatuas neoclásicas
Las esculturas neoclásicas son reconocibles debido a su encarnación de la simetría. Las esculturas muestran proporciones perfectas y equilibrio de composición. Hay un sentido general de armonía de la forma y es muy evidente que los artistas se esforzaron mucho en crear obras de arte que reflejaban una profunda comprensión de la forma y la anatomía humanas.
Pescador napolitano con una concha (1861) de Jean-Baptiste Carpeaux; Jean-Baptiste Carpeaux, CC0, vía Wikimedia Commons
Las estatuas neoclásicas variaron en tamaño desde dimensiones reales hasta esculturas que han sido esculpidas en escala monumental. El tono del tema siempre fue serio, exudando un estado de ánimo profundamente contemplativo. Las esculturas del neoclasicismo variaron en temas de actualidad, desde héroes históricos hasta figuras mitológicas, deidades y personas contemporáneas famosas de la época.
Mientras que algunas esculturas podían mostrar características idealizadas, muchas mostraban una representación extremadamente naturalista del tema.
Famosas esculturas neoclásicas
Las estatuas neoclásicas fueron influenciadas principalmente por las de los imperios grecorromanos del pasado antiguo. Por lo tanto, no carecían de modelos potenciales para su propio trabajo. Muchos ejemplos existían desde la antigüedad clásica, aunque la mayoría de ellos ya eran réplicas romanas de estatuas griegas aún más antiguas. Ahora echaremos un vistazo más profundo a algunos de los mejores ejemplos de esculturas de neoclasicismo que se hayan creado.
Cupido dormido (1827) de Bertel Thorvaldsen; Sailko, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Mercurio adjuntando su talaria (1740) por Jean-Baptiste Pigalle
| Escultor | Jean-Baptiste Pigalle (1714 – 1785) |
| Año de creación | 1740 |
| Altura | 58 cm |
| Ubicación | Louvre París |
Jean-Baptiste Pigalle nació en París en 1740, hijo de un carpintero que trabajó para el rey de Francia, Luis XIV. Después de su aprendizaje con Robert le Lorrain, se convirtió en alumno de Lemoyne. Luego ingresó al Prix de Rome, un concurso organizado por la Academia Francesa en el que el primer premio era estudiar en Roma de forma gratuita durante cuatro años. No ganó la competencia, pero decidió que se quedaría en Roma de todos modos.
Sin ninguna financiación disponible para él, caminó de París a Roma, y allí trató en vano de ganarse la vida durante cuatro años solo para pagar su alojamiento.
Durante ese tiempo logró vender algunas esculturas a personas como Guillaume Coustou, así como al embajador francés en Italia. En 1741 regresó a París y se dispuso a intentar recibir la aprobación de la Academia Francesa de Pintura y Escultura.
Mercurio adjuntando su talaria (1740) de Jean-Baptiste Pigalle; Jean-Baptiste Pigalle, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Entonces, Pigalle esculpió una versión de terracota de Mercurio adjuntando su Talaria y la presentó a la academia esperando su aprobación. Se cree que Pigalle podría haberse inspirado en los grabados de Jacob Jordaens, especialmente su cuadro del siglo 17 titulado Mercurio y Argus.
Su escultura mostraba un gran sentido de potencial dinámico en la figura agachada y exudaba vitalidad y energía hasta tal punto que se convirtió en sinónimo de velocidad. La academia respondió pidiéndole que recreara la escultura usando mármol en lugar de terracota. Lo hizo y fue aceptado como miembro de la academia en julio de 1744.
La escultura obtuvo éxito al instante e incluso recibió una crítica positiva por parte de Voltaire, quien fue citado diciendo que era comparable en calidad a las mejores esculturas griegas.
Retrato de Pedro el Grande (1770) por Marie-Anne Collot
| Escultor | Marie-Anne Collot (1748 – 1821) |
| Año de creación | 1770 |
| Altura | 30 cm |
| Ubicación | Museo Estatal Ruso, San Petersburgo |
Marie-Anne Collot nació en 1748 en Francia y fue escultora de estilo neoclásico. Fue alumna de Etienne Falconet, así como de su nuera. Su primer trabajo fue como modelo para el taller perteneciente a Jean-Baptiste Lemoyne cuando solo tenía 15 años. Después de eso, comenzó a estudiar en el taller de Etienne Falconet. Con el tiempo se convirtió en su amiga íntima, así como en la estudiante favorita.
Sus primeras esculturas fueron bustos de amigos de su tutor, como el filósofo Diderot, que fueron esculpidos en terracota.
En 1766 acompañaría a Falconet a Rusia por invitación de Catalina la Grande. Catalina la Grande deseaba que se creara una estatua ecuestre de Pedro el Grande que estaría situada en la Plaza del Senado en San Petersburgo. Esta famosa estatua era conocida como el Jinete de Bronce.
Retrato de Pedro el Grande (1768-1770) por Marie-Anne Collot, un estudio para la estatua ecuestre del Jinete de Bronce de Pedro el Grande en San Petersburgo; Marie-Anne Collot, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Mientras estaba allí, comenzó a esculpir retratos de la gente noble de la corte rusa. Quedaron impresionados por el talento del joven de 18 años. Catalina la Grande terminó rechazando los tres intentos en la cabeza del zar que habían sido esculpidos por Falconet. María Ana había creado su propia versión de la cabeza de Pedro el Grande a partir de yeso, y fue esta versión la que Catalina la Grande terminaría utilizando para el diseño de la estatua. El busto ahora reside en el Museo Estatal Ruso en San Petersburgo.
Catalina la Grande también pidió que un busto de Pedro el Grande fuera esculpido en mármol. El busto de mármol se encuentra ahora en el Museo Estatal del Hermitage, también en San Petersburgo.
Jinete de bronce (1782) por Étienne Maurice Falconet
| Escultor | Étienne Maurice Falconet (1716 – 1791) |
| Año de creación | 1782 |
| Altura | 6 m |
| Ubicación | San Petersburgo, Rusia |
El jinete de bronce fue esculpido por Étienne Maurice Falconet, un escultor francés. Está situado en la Plaza del Senado y representa al zar de Rusia, Pedro el Grande. Presentado al público en 1782, fue encargado para ser construido por Catalina la Grande. El nombre de la escultura inspiraría una de las obras más importantes de la literatura en Rusia, un poema de Alexander Pushkin titulado El jinete de bronce.
Para la gente de San Petersburgo, la estatua es una representación simbólica de su amada ciudad, la segunda más grande de toda Rusia.
El jinete de bronce (1782) de Étienne Maurice Falconet, Plaza del Senado, San Petersburgo, Rusia; Andrew Shiva / Wikipedia, la enciclopedia libre
Un hecho fascinante sobre la escultura se encuentra debajo de la escultura en sí. La Piedra del Trueno es el nombre dado al enorme pedestal de la estatua. Se dice que es la piedra más grande movida por los humanos y originalmente pesaba alrededor de 1500 toneladas antes de ser cortada a su tamaño actual para transportar la piedra masiva desde su fuente original.
Varios incendios estallaron durante la fundición de la estatua en 1775 cuando el moho se rompió y el bronce fundido escapó.
Más tarde tendría que ser remodelado y fundido una vez más. La estatua tardó doce años en total en completarse. La excavación del pedestal de piedra gigante comenzó catorce años antes de que finalmente se revelara. Miles de personas asistieron a la ceremonia de inauguración, excepto el propio escultor que había abandonado Rusia cuatro años antes debido a un conflicto causado por un malentendido entre los dos. La cara de la estatua fue esculpida por Marie-Anne Collot, una joven estudiante de Lemoyne y Falconet.
Invierno (1787) de Jean-Antoine Houdon
| Escultor | Jean-Antoine Houdon (1741 – 1828) |
| Año de creación | 1787 |
| Altura | 144 cm |
| Ubicación | Museo Metropolitano de Arte, New York |
Jean-Antoine Houdon fue una figura clave entre los escultores de esculturas neoclásicas. Nacido en Francia en 1787, fue muy conocido por sus estatuas neoclásicas de figuras prominentes en la historia contemporánea. Es conocido por sus estudios de personas como Napoleón, George Washington y Voltaire. Se convertiría en uno de los escultores franceses más conocidos del siglo 18, a pesar de apenas ser reconocido en su vida por sus logros escultóricos.
A veces, el escultor también había experimentado con estilos rococó y manierista, pero su estilo se caracteriza principalmente por el neoclasicismo sin pretensiones.
Invierno (1787) de Jean-Antoine Houdon; Jean-Antoine Houdon, CC0, vía Wikimedia Commons
Se cree que la composición original de esta figura puede remontarse a 1781. Es considerada como una de sus figuras desnudas más llamativas y fue una de una serie de figuras colgantes que quiso esculpir que representaban las diversas estaciones, o más bien dos de las estaciones más extremas, invierno y verano. Una pequeña versión de Winter esculpida en terracota se encuentra en el Musée Fabre, Montpellier, y podría ser el primer estudio que Houdon creó sobre el tema.
La temporada Winter ha sido representada como una figura femenina desnuda con un chal sobre su cabeza y torso, pero en el proceso ha dejado el resto de su cuerpo expuesto a los elementos y desnudo.
En contraste, su escultura de Verano se representa usando un turno y sosteniendo una regadera y una gavilla de trigo. En el Salón de 1783, se exhibieron versiones de mármol de Invierno. La versión de bronce se fundiría en una etapa posterior en 1787. Con esta escultura, Houdon pudo revelar las características atractivas de la hermosa forma femenina, pero también pudo transmitir al espectador una sensación de la amarga dureza de la estación fría.
Psique revivida por el beso de Cupido (1787) de Antonio Canova
| Escultor | Antonio Canova (1757 – 1822) |
| Año de creación | 1787 |
| Altura | 155 cm |
| Ubicación | Museo del LouvreParís |
El coronel John Campbell encargó a Antonio Canova que creara Psyche Revived by Cupid’s Kiss en 1787. Se considera que es un punto culminante de la escultura neoclásica, pero también muestra características del romanticismo, el movimiento emergente en ese momento. La escultura captura un momento muy emotivo cuando el dios Cupido despierta a Psique con un beso. Lucio Apuleyo había escrito una novela titulada El de oro que se cita como la fuente de inspiración para la historia.
Existen dos versiones de la escultura, una de las cuales fue adquirida por Joachim Murat en 1800. Esta fue la versión principal o más temprana de la escultura.
Psique revivida por el beso de Cupido (1787) de Antonio Canova; Kimberly Vardeman de Lubbock, TX, USA, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Cuando Murat falleció, la estatua fue trasladada al Museo del Louvre en París. La segunda versión fue adquirida en 1796 por un noble ruso llamado Príncipe Yusupov. Más tarde se alojaría en el Museo del Hermitage en San Petersburgo. Hay una réplica a escala real de esta versión que se encuentra actualmente en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York.
La técnica de tallado de Canova le permitió crear un contraste entre los elementos que los rodeaban y la apariencia suave y realista de su piel de mármol.
La roca sobre la que se posan es de textura áspera, y la tela que se cubre sobre la piel resalta aún más la diferencia entre la textura de la tela y el acabado suave y sedoso de la piel. El uso de líneas finas y curvas se emplea de una manera que agrega una sensación de realismo y textura al cabello y las alas de las figuras.
Dr. Anthony Addington (1790) por Thomas Banks
| Escultor | Thomas Banks (1735 – 1805) |
| Año de creación | 1790 |
| Altura | 76 cm |
| Ubicación | Museo Victoria y Alberto |
Thomas Banks fue originalmente un aprendiz de un albañil con sede en Londres, pero al mismo tiempo, también trabajó junto a Peter Scheemakers, que era escultor de profesión. Luego se inscribió en las clases de vida de la Academia St. Martin’s Lane. Mientras tomaba clases durante un período posterior en la Royal Academy School en 1772, se encontró en la prestigiosa posición de ser el primer escultor en ganar el estipendio que pagaría por tres años de estudio en Roma. Se mudó allí con su esposa y juntos terminarían quedándose durante siete años.
Su trabajo es considerado como una de las esculturas neoclásicas más originales de Gran Bretaña. Fue elogiado no solo por seguir la moda del renacimiento clásico, sino que tenía una profunda comprensión del espíritu del estilo.
Dr. Anthony Addington (1790) por Thomas Banks; Thomas Banks, CC0, vía Wikimedia Commons
Su busto del Dr. Anthony Addington puede parecer muy realista y lleno de expresión, pero en realidad, fue modelado a partir de una máscara de la muerte del médico. Cuando todavía estaba vivo, el médico trabajó en el campo del tratamiento de enfermedades de la mente. Entre sus pacientes se encontraban figuras prominentes de la sociedad como el rey Jorge III. Se cree que su hijo encargó la creación del busto en honor a su padre. Thomas Banks había alcanzado cierto nivel de fama a través de sus esculturas ideales y monumentos funerarios, y el busto del Dr. Anthony Addington fue uno de los pocos retratos que esculpió.
La furia de Athamas (1794) de John Flaxman
| Escultor | John Flaxman (1755 – 1826) |
| Año de creación | 1794 |
| Altura | 220 cm |
| Ubicación | Museo Ickworth, Suffolk |
John Flaxman es considerado como uno de los escultores más destacados de su tiempo. La Furia de Athamas fue un trabajo de amor para el escultor y le tomó tres años completarlo. Fue encargado por el 4º conde de Bristol, Frederick Augustus Hervey, e iba a ser creado para su hogar en Suffolk, pero se encontró con otro destino cuando las tropas napoleónicas lo tomaron mientras se dirigía a Inglaterra. Se decía que era un trabajo de amor, ya que el trato no era financieramente bueno para él. Solo el mármol le costó quinientas libras para comprar, mientras que solo le habían pagado un total de 600 libras.
La escultura se basó en las obras del escritor romano Ovidio.
La furia de Athamas (1794) de John Flaxman; Dominio público, enlace
En el cuento mítico, un rey llamado Athamas mata a su hijo, un tema bastante trágico y aterrador para una escultura. La escultura representa a Athamas llevado a la locura debido a los celos de Hera. Se le representa agarrando a Learchus, su hijo, justo antes de arrojarlo a su muerte. Se puede ver a Ino, la segunda esposa de Athamas, tratando de intervenir lanzándose contra el rey loco. Esta escultura grupal estaba montada sobre un pedestal hecho de madera que había sido pintada de blanco.
El mecenas de la escultura había mostrado inicialmente interés en una obra anterior de Flaxman, que era un bajorrelieve de Zethus y Anfión y fue esculpida en terracota. Su idea era encargar una versión en mármol de la escultura. Sin embargo, Flaxman fue capaz de convencer al conde de que aceptara un grupo.
Sin embargo, esta decisión probablemente terminaría trabajando en su contra, ya que no se le pagó extra por el mármol de mayor tamaño que el grupo requeriría, y después de sus gastos y costos de materiales solo se fue con cincuenta libras.
Hebe (1796) de Antonio Canova
| Escultor | Antonio Canova (1757 – 1822) |
| Año de creación | 1796 |
| Altura | 160 cm |
| Ubicación | Galería Nacional de Berlín |
Antonio Canova nació en Venecia en 1757 y su carrera artística comenzó muy temprano en la vida. Cuando era niño le enseñaron a esculpir y pintar, y tenía solo trece años cuando se convirtió en alumno de Giuseppe Torretto. Comenzó a recibir su primer trabajo por encargo tres años más tarde a la edad de solo dieciséis años. Sus mecenas en este momento eran en su mayoría senadores de la República de Venecia. Durante la ocupación napoleónica, muchas obras de arte habían sido devueltas a Francia y fue nombrado supervisor de la tarea.
Una de sus esculturas neoclásicas más famosas es la sorprendentemente hermosa estatua de Hebe hecha en 1796. En este buen ejemplo de escultura neoclásica, se puede ver a Hebe caminando con gracia desde los cielos, llevando su copa, un símbolo de la diosa de la juventud. Su gesto femenino representa la encarnación de su espíritu generoso, mientras brota de la copa que contiene el elixir juvenil de la vida.
Su cuerpo elegantemente fluido ha sido esculpido en mármol, lo que enfatiza y realza el metal del que están hechos los contenedores.
Hebe (1796) de Antonio Canova; Antonio Canova, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La ropa en su cuerpo está creada para parecer como si estuviera revelando lo que se pretendía ocultar, las prendas se envuelven alrededor de sus piernas, acentuando su forma en el proceso. El wor del escultork se creó hacia los últimos años de una tradición en la que las apariencias estéticas del conjunto se apreciaban y valoraban más que la ejecución efectiva de elementos individuales. También fue todavía un período en el que los escultores podían retratar nociones elementales no plásticas como la brisa que se insinúa a través del movimiento aludido de la tela.
Estatua de Aquiles (1822) por Richard Westmacott
| Escultor | Richard Westmacott (1775 – 1856) |
| Año de creación | 1822 |
| Altura | 18 pies |
| Ubicación | Parque Hyde |
Richard Westmacott comenzó su carrera artística estudiando con su padre en Londres. En 1793 se trasladó a Roma para seguir estudiando con el escultor neoclásico italiano Antonio Canova. Allí dedicó su tiempo a estudiar la escultura clásica y su trabajo a lo largo de su vida reflejó su preferencia personal por el tema pagano en lugar del cristiano dominante de la época. Ese mismo año ganó un concurso organizado por la Academia Florentina de las Artes.
Estatua de Aquiles (1822) de Richard Westmacott; Loco Steve de Bromley, Reino Unido, CC BY-SA 2.0, vía Wikimedia Commons
Su escultura la Estatua de Aquiles representa al héroe mitológico griego de la Guerra de Troya. Fue ordenado para ser construido por el rey Jorge III y fue construido para conmemorar a Arthur Wellesley, político y soldado, así como al primer duque de Wellington. La estatua de 18 pies fue inaugurada el 18 de junio de 1822.
La escultura fue la primera en exhibirse en Hyde Park y está situada cerca de la Puerta de la Reina Isabel. Fue encargado por las Damas de Inglaterra, una sociedad de clase alta de patriotas ingleses.
El escultor Richard Westmacott utilizó 33 toneladas de bronce para hacer la escultura, que obtuvo de cañones que habían sido capturados durante las campañas francesas dirigidas por Wellington. La cabeza de la estatua está inspirada en el duque y se dice que el cuerpo se basa en una figura romana situada en Monte Cavallo en Italia. Aunque la escultura fue originalmente representada completamente desnuda, se agregó una hoja de higuera debido a la indignación pública poco después de que se dio a conocer.
Jasón con el vellocino de oro (1828) de Bertel Thorvaldsen
| Escultor | Bertel Thorvaldsen (1770 – 1844) |
| Año de creación | 1828 |
| Altura | 242 cm |
| Ubicación | Museo Thorvaldsen, Copenhague |
Bertel Thorvaldsen fue un escultor nacido en Copenhague en 1770. Cuando solo tenía once años ya era miembro de la Real Academia Danesa de Arte. En la academia, recibió numerosos premios, uno de los cuales era una suma de dinero que le permitiría viajar a Roma, donde podría continuar su educación. Fue en Roma donde abriría un gran taller del que ganó mucha fama a través del suministro de obras de arte a sus mecenas en toda Europa.
Thorvaldsen creó por primera vez una versión a tamaño real de Jason con el vellocino de oro en 1803, esculpido en arcilla. La versión de mármol, que se encuentra a una altura de 242 cm, solo se terminó en 1828.
La estatua representa el personaje mitológico de Jasón de los Argonautas que fue enviado a buscar el Vellocino de Oro. El modelo inicial de arcilla fue creado para la Academia de Copenhague como una presentación destinada a demostrar su avance como escultor. Un rico mecenas de Inglaterra, Thomas Hope, posteriormente encargaría a Thorvaldsen que esculpiera una versión de mármol.
Jason con el vellocino de oro (1828) de Bertel Thorvaldsen; Bertel Thorvaldsen, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esta escultura sería un gran factor para ayudar a Thorvaldsen a abrirse paso como artista. Se cree que está inspirado en los dibujos de Asmus Jacob Carstens temáticamente, pero la figura en sí se inspira mucho en otras esculturas clásicas como Doryphoros y Apollo Belvedere. La elección del escultor en el tema fue el resultado de su creciente conocimiento de las culturas antiguas y la historia debido a la influencia de Jorgen Zoëga, un arqueólogo y científico danés. La escultura es muy admirada por sus líneas rítmicas intensas y agudas. Fue añadido al Canon de la Cultura Danesa a principios de la década de 2000.
Hoy hemos aprendido cómo las estatuas neoclásicas comenzaron a surgir por primera vez en la década de 1750 y fue un movimiento reaccionario que buscó deshacerse de los elementos de diseño más frívolos del estilo rococó y barroco anterior. Las esculturas del neoclasicismo fueron fuertemente influenciadas por el trabajo de los antiguos griegos y romanos. Desarrollos en el campo del arcoeología y descubrió magníficas obras de arte de la antigüedad clásica que los arquitectos contemporáneos de la época quisieron emular.
Preguntas Frecuentes
¿Qué llevó al aumento de las esculturas de neoclasicismo?
En los años de mediados del siglo 18, los arqueólogos en Europa comenzaron a descubrir antiguas civilizaciones perdidas. Estas antiguas culturas perdidas de la antigüedad revelaron arquitectura y obras de arte que no se habían visto en años. Estas maravillas perdidas del esplendor arquitectónico fueron muy apreciadas y fueron estudiadas por su atención al detalle y simetría armoniosa en general. Los artistas de la época despreciaban cada vez más el estilo barroco y rococó excesivamente ornamentado y querían volver a los conceptos e ideas que los imperios grecorromanos habían adoptado a través de su trabajo.
¿Cuáles son algunas características de las famosas esculturas neoclásicas?
Todas las esculturas neoclásicas comparten características comunes como el amor por la simetría, estas esculturas mostraron proporciones perfectas, así como un equilibrio de composición. Las estatuas neoclásicas variaban en tamaño desde dimensiones reales hasta escala monumental. Las esculturas del neoclasicismo variaron en temas desde figuras mitológicas hasta héroes históricos, deidades y personas contemporáneas famosas de la época. Mientras que algunas esculturas podían mostrar características idealizadas, muchas mostraban una representación extremadamente naturalista del tema.
