Las obras de arte de Jim Dine desarrollaron un lenguaje basado en temas que exudan una estética infantil, como pájaros, herramientas y corazones. Estos temas personales en las pinturas de Jim Dine son comunes pero universales, lo que resulta en un arte que es a la vez autobiográfico y sujeto a diversas interpretaciones. Averigüemos más sobre este increíble artista explorando la biografía de Jim Dine.
Biografía de Jim Dine
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 16 de junio de 1935 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | Cincinnati, Ohio |
Dine también fue una figura clave en los primeros «Happenings», un precursor de las obras de arte de performance. Estos happenings cuestionados Expresionismo abstracto seriedad y exclusividad, restando énfasis a la pieza de arte en favor de una experiencia participativa y performática.
Dine ha cuestionado la validez del arte a lo largo de su carrera, al tiempo que continúa un legado de creación de obras ricas en simbolismo y metáforas.
Niñez
Jim Dine nació en la ciudad de Cincinnati, Ohio. Sus padres eran inmigrantes de Europa del Este que también eran judíos devotos, lo que afectó su carrera creativa. Una vez declaró que fue «criado en una casa de ferreteros, y los materiales siempre estaban cerca». Su familia tenía un negocio de ferretería, donde desarrolló una fuerte fascinación por la potencia de los artículos cotidianos.
Estaba particularmente impresionado con el carácter «mítico» o «metafórico» de los equipos de trabajo de hierro, que inspiraron sus obras de principios de la década de 1960 en las que pegó herramientas a lienzos, produciendo combinaciones de artículos encontrados e imágenes pictóricas.
el artista Jim Dine en la Galerie de Bellefeuille en Quebec, Canadá, en 2009; Martin C. Barry, Atribución, vía Wikimedia Commons
La madre del artista falleció cuando él tenía solo 12 años de edad, y como resultado, tuvo que cuidarse a sí mismo. Fue a la Universidad de Cincinnati después de graduarse de Walnut Hills High School. Descubrió que la lectura era difícil porque era disléxico, pero descubrió que la poesía era más fácil de leer que las novelas.
Como resultado, siempre ha sido un admirador de la poesía, así como un poeta él mismo.
Formación temprana y trabajo
Dine comenzó a asistir a sesiones nocturnas en la Academia de Arte de Cincinnati en 1953, donde estudió bajo Artista expresionista abstracto Pablo Chidlaw. Jim Dine eventualmente abandonaría esta técnica, sin embargo, su instrucción pictórica influiría en su trabajo posterior. Asistió a la Universidad de Ohio y obtuvo un BFA en 1957. Se casó con Nancy Minto al año siguiente, y la pareja se mudó a Nueva York en 1958.
Dine conoció y colaboró con varios artistas notables en Nueva York, incluidos Allan Kaprow, Claes Oldenburg y John Cage.
Colaboraron en «Happenings», una serie de eventos salvajes que tuvieron lugar alrededor de la ciudad, principalmente en el centro de la ciudad, lejos de los lugares normalmente asociados con galerías de arte y museos. Uno de los objetivos del «Happening» era romper con la estética expresionista abstracta predominante favorecida por la industria del arte. Dine explicó posteriormente: «Se creía que éramos los herederos del legado de Pollock. Eso es una tontería. Oldenburg y yo salimos del teatro que amábamos; éramos educados, jóvenes». Dine se encontró con Oldenburg poco después de mudarse a Nueva York, y los dos se hicieron amigos rápidamente.
Twin 6’Hearts (1999) de Jim Dine, ubicada en Montreal, Canadá; art_inthecity desde Montreal, CA, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Dine relata que se conectó a través de un amigo que era dueño de un estudio de arte en la Iglesia Judson Memorial de Greenwich Village: «Claes y yo nos conocimos, consumimos mucho alcohol y hablamos durante horas. Discutimos lo que podíamos hacer». Estas discusiones llevaron al establecimiento de Judson Gallery, que Jim Dine y un grupo de amigos lanzaron en 1959 en un sótano de Greenwich Village.
Antes de cerrar en 1961, la galería mostró un notable arte experimental como contrapunto al dominio del expresionismo abstracto del Upper East Side.
Período de madurez
Walter Hopps encargó a Dine que creara arte para su innovadora exposición en 1962. Las pinturas de Jim Dine se incluyeron con obras de Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Ed Ruscha en lo que se considera ampliamente como la exposición inaugural de Arte pop en los Estados Unidos. Prominencia y papel de Dine en el nuevo movimiento artístico fueron cimentados por esta exposición, sin embargo, Dine nunca se consideró un artista pop.
Más bien, se veía a sí mismo como continuando con la herencia de artistas como Robert Rauschenberg y Jasper Johns.
Rechazaría a Warhol alegando :»No sabía qué decirle a Warhol. Vino a mi taller desde el principio y compró cosas, y lo conocí como un diseñador gráfico de renombre». La obra de arte de Jim Dine era bien conocida a nivel mundial a mediados de la década de 1960. Robert Fraser realizó una exposición de las pinturas de Jim Dine en su galería de Londres, pero la policía interrumpió la exposición y confiscó 20 de las obras de arte de Jim Dine; Fraser fue acusado bajo la Ley de Publicaciones Obscenas. Posteriormente, el tribunal decidió que las pinturas de Jim Dine eran «indecentes», no «obscenas», y las etiquetó como «groseramente desagradables y repulsivas».
Roman Red Venus (la pátina azul) (2007) de Jim Dine, ubicada en Montreal, Canadá; art_inthecity desde Montreal, CA, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Fraser fue severamente multado por exhibirlos. Al año siguiente, Dine decidió mudarse a Londres con su familia, donde Fraser procedió a promocionarlo y se hizo amigo de músicos como R.B. Kitaj. Dine solo residió en Londres durante cuatro años, pero su pasión por la ciudad duró toda su vida. Cuando Dine regresó a Estados Unidos en 1971, decidió concentrarse en su dibujo, tratando de pulir su técnica y producir un enfoque más suave y delicado. Fue un dibujante consumado que hizo varios retratos de su esposa y de sí mismo.
Durante estos años, también estableció una serie de temas visuales que volverían a aparecer en sus obras de arte, como batas de baño, corazones y paletas de artistas.
Dine comenzó a experimentar con la escultura como medio en la década de 1980. Desarrolló una serie de instalaciones en forma de corazón a gran escala para una variedad de lugares al aire libre. Varias de sus esculturas fueron creadas utilizando sopletes y sierras de una manera casi pesada característica de los métodos de los trabajadores, vinculando estas obras tridimensionales a su obsesión de larga data con los trabajadores y sus equipos.
Práctica actual
En contraste con sus pinturas conceptuales y de estilo Pop anteriores, el trabajo más reciente de Dine ha sido predominantemente fotográfico. Dine cree que la fotografía tiene una fuerza que otros medios no tienen, diciendo: «Ha sido bastante esclarecedor para mí lo que uno puede expresar con la fotografía que no he deseado transmitir con la escultura y la pintura.
Dine también ha creado una nueva iconografía personal, inspirándose en sus antecedentes y en una obsesión de toda la vida con las aves.
Fotografía de Jim Dine en 2019; Hpschaefer, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Dine se casó con Diana Michener, su compañera desde principios de la década de 1990, en 2005. Dine tiene varios estudios en Walla Walla, que se encuentra en las Montañas Azules. También mantienen una residencia en el West Village de Nueva York, aunque Dine continúa viajando regularmente, estableciendo con frecuencia talleres temporales en varios lugares cuando trabajan en proyectos específicos o se preparan para exhibiciones.
Legado
El legado de Jim Dine abarca una amplia gama de géneros artísticos y medios. Su mayor influencia se puede ver en el ascenso de performance en medio de los acontecimientos de Nueva York. Estos impactaron a grupos como Neo-Dada y Fluxus, con artistas como Yoko Ono y Joseph Beuys expandiendo los conceptos de vanguardia articulados en estos primeros Happenings. A pesar de su rechazo de la etiqueta de arte pop, sus vívidas obras en este estilo, junto con el trabajo producido por pintores como Roy Lichtenstein, Andy Warhol y Ed Ruscha, tuvieron un efecto considerable en la generación más joven.
Artistas del estilo Neo-Pop, como Jeff Koons, adoptaron los temas de Dine de elevar las cosas cotidianas al rango de alto arte.
Night Fields, Day Fields (1999) de Jim Dine, ubicada en Munich, Alemania; Rudolph Buch, CC0, vía Wikimedia Commons
Estilo y logros
La cena está motivada por la capacidad de las imágenes simples para ser íntimas y significativas. Su repetición de albornoces, herramientas o corazones es fácil de entender al mismo tiempo que insinúa capas más profundas de significado. Con frecuencia emplea temas e imágenes de su juventud, dando a su trabajo un sentimiento de inocencia, así como nostalgia colectiva.
Dine evitó la asociación con el arte pop debido a su poderoso estilo gráfico, colores vivos e iconografía clara y popular.
En lugar de un forwa más rectoEl abrazo de los símbolos icónicos, consideró sus obras como una continuación del arte neodadaísta de Jasper Johns o Robert Rauschenberg, desafiando el significado de los símbolos. La participación de Dine en los primeros «Happenings» amplió su alcance fuera de los medios de arte tradicionales. Los Happenings fueron una notable reprimenda de la seriedad del expresionismo abstracto y establecieron un patrón para el arte de performance. Además, en estas actuaciones, su representación del objeto de arte como innecesario influyó en el arte posmoderno.
Jim Dine’s Sueño caliente (52 libros), Steidl, Gotinga, 2009; Steidl, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Mientras Arte conceptual Estaba emergiendo, la utilización de Jim Dine de motivos icónicos y patrones recurrentes buscaba reinterpretar cómo las imágenes transmiten significado. Dine demuestra que los objetos cotidianos simples pueden ser temas esenciales para el estudio estético mostrándolos repetidamente.
Ampliando los readymades de Marcel Duchamp, estas cosas comunes adquieren un nuevo y profundo significado solo porque el artista los seleccionó y analizó repetidamente.
Dine los considera temas adecuados para ser apreciados en el arte aislándolos y colocándolos en un entorno de museo o galería, convirtiéndolos en algo sustancial. El trabajo conceptual de Dine convierte el gesto de Duchamp en parte de un examen genuino de cómo la técnica artística trasciende lo común.
Obras importantes
Acabamos de echar un vistazo a la biografía y el legado de Jim Dine arriba. Ahora puede que te interese ver algunas de sus obras de arte. A continuación se muestra una lista de algunas obras de arte notables de Jim Dine que puede leer detenidamente en su propio tiempo.
| Arte | Fecha | Medio | Ubicación |
| El obrero sonriente | 1959 | Performance | Una vez en la Galería Martha Jackson, Manhatten |
| Accidente automovilístico | 1960 | Performance | Una vez en la Galería Reuben, Nueva York |
| Autorretrato isométrico doble | 1964 | Óleo sobre lienzo, con herrajes metálicos y clavijas | Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York |
| Corazones en el prado | 1970 | Elementos de óleo, esmalte, grafito, carbón, purpurina y collage sobre papel | Colección privada |
| Diez herramientas de invierno | 1972 | Litografías coloreadas a mano sobre papel | Colección de la Tate, Reino Unido |
| Mirando hacia la Avenida | 1989 | Bronce | Sexta Avenida, Nueva York |
| Dos ladrones un mentiroso | 2007 | Madera | Pace Gallery, Nueva York |
Preguntas Frecuentes
¿Quién es Jim Dine?
Dine fue una figura prominente en los primeros llamados Happenings, que sirvieron como precursor del arte de performance. Estos Happenings pusieron en tela de juicio la sinceridad y exclusividad del Expresionismo Abstracto, restando énfasis a la obra de arte en favor de una experiencia participativa y performática. A lo largo de su carrera, Dine ha cuestionado el valor del arte y, al mismo tiempo, ha llevado a cabo una herencia de trabajo que es rica en simbolismo y alegoría.
¿Qué estilo es la obra de arte de Jim Dine?
El dibujo, la impresión, la pintura y la fotografía se encuentran entre los medios de Jim Dine. Sus primeras obras incluyeron ensamblajes, pero su producción poética, tanto en publicaciones como en lecturas, se ha expandido en los últimos años. El arte pop, el neodadaí y el arte moderno se han utilizado para definir su trabajo. Durante finales de la década de 1970 y principios de la década de 1980, sin embargo, fue reconocido como un pionero del neoexpresionismo y la nueva escuela de pintura de figuras. Además, en la década de 1980, comenzó a dedicar más atención a la escultura.
