Los dibujos de Max Beckmann transformaron sus observaciones de la sociedad moderna en imágenes evocadoras que perturban al observador con su complejidad emocional y significado. Las pinturas de Max Beckmann estaban vinculadas al movimiento de la Nueva Objetividad y sirvieron como críticas visuales cáusticas de los turbulentos años de entreguerras. En años posteriores, las obras de arte de Max Beckmann apuntaron a narrativas abiertas que mezclaban escenas de la vida, fantasías, mitología y sueños. A lo largo de su vida, se resistió a la tendencia hacia las obras de arte abstractas y se mantuvo comprometido a capturar el encanto de la realidad y transferirlo al lienzo.
Biografía de Max Beckmann
| Nacionalidad | Alemán |
| Fecha de nacimiento | 21 de febrero de 1884 |
| Fecha de fallecimiento | 27 de diciembre de 1950 |
| Lugar de nacimiento | Leipzig, Alemania |
El dominio de Max Beckmann de superponer suavemente personas y símbolos, así como matices y sombras, le permitió transformar hábilmente su experiencia en lienzos dramáticos convincentes a lo largo de su larga carrera. Durante la Primera Guerra Mundial, el futuro artista se desempeñó como oficial médico, un evento que provocó una transición significativa en su enfoque creativo de una manera convencional y académica a un estilo de pintura más socialmente informado y emotivo.
A lo largo de su carrera, mezcló hábilmente personajes alegóricos y escenas de la vida real en obras de arte cargadas semióticamente que expresaban su propia visión de la situación cultural, social y política.
Infancia y formación infantil
Max Beckmann siempre estuvo interesado en la pintura, y con frecuencia perturbaba la clase dibujando y compartiéndolas. El autorretrato más antiguo de Beckmann proviene de aproximadamente 1898, cuando todavía era un adolescente, y muestra su temprano compromiso con las artes visuales.
Estaba decidido a seguir una carrera en la pintura y, a pesar de las objeciones de su familia, se postuló a la Academia de Bellas Artes de Dresde en 1898, pero se le negó la admisión.
Beckmann se matriculó en la Academia de Arte del Gran Ducado en 1900, a pesar de la paralización inicial en Dresde. Carl Frithjof Smith, un noruego artista del realismo quien estableció en Beckmann una pasión por la representación precisa de la verdad, fue su maestro principal. En 1902, recibió un diploma honorífico de la academia, y al año siguiente, se embarcó en el primero de muchos viajes a París. Vio el arte de los impresionistas y postimpresionistas personalmente cuando estuvo allí. Obras de Paul Cézanne, particularmente, dejó una influencia indeleble en él.
Retrato del pintor Germain Max Beckmann por Hugo Erfurth, tomado en Dresde en 1928; Hugo Erfurth, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En 1904, regresó a Alemania y se estableció en Berlín, donde permaneció hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial. La paleta de luz y la colocación precisa de los personajes dentro del plano de la imagen en obras de esta época temprana reflejan el efecto de su gira por París en su arte. Beckmann consiguió una estancia de seis meses en Florencia gracias a una subvención de la Liga alemana de artistas. Beckmann ganó un aprecio por la filosofía de Friedrich Nietzsche y las técnicas dramáticas de Edvard Munch mientras estaba en el extranjero, y su trabajo evolucionó hacia un estilo expresionista.
En 1906, expuso por primera vez con la Secesión de Berlín, un grupo de pintores jóvenes que se formaron para oponerse al establecimiento de arte estatal más tradicional.
Beckmann se casó con Minna Tube, un artista femenina a quien había perseguido mientras estaba en la Academia de Weimar, en el otoño de 1906. Beckmann también estableció un contacto de trabajo con Paul Cassirer, un famoso comerciante de arte contemporáneo en Berlín en el mismo año. Cassirer organizó una importante exposición individual del arte de Beckmann en 1913, así como publicó la primera monografía sobre él. Grandes secuencias narrativas caracterizaron su arte a lo largo de este período.
Autorretrato con trompa (1938) de Max Beckmann, ubicado en la Neue Galerie New York en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos; Max Beckmann, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Beckmann se situó a propósito en contraste con la abstracción promovida por Pintores de Der Blaue Reiter como Franz Marc representando la realidad externa tal como él la veía. Al estallar la Primera Guerra Mundial en 1914, Beckmann se enroló en el ejército. Se desempeñó como asistente médico en numerosos hospitales hasta 1915, cuando fue despedido debido a un colapso mental en el frente belga. Se trasladó a Frankfurt y continuó sus esfuerzos creativos.
Como se evidencia en las figuras desgarbadas y retorcidas de Adán y Eva (1917), una de las primeras obras realizadas después de su rehabilitación después del deber, sus recuerdos de la muerte y la brutalidad durante la guerra tuvieron una tremenda influencia en su trabajo.
Los críticos criticaron el último estilo de Beckmann, que presentaba líneas pesadas y extendidas y espacio estrecho.
Período de madurez
Beckmann produjo un manifiesto en agosto de 1918, en el que definió sus puntos de vista sobre la agitación actual y declaró su determinación de «ser parte de toda la agonía que se avecina». Utilizó regularmente su trabajo para interactuar con los desafíos sociales, políticos y económicos de la Alemania de la posguerra, especialmente en el contexto del movimiento de la Nueva Objetividad, que destacó severamente la fragilidad de Alemania después de la Primera Guerra Mundial.
Beckmann fue ampliamente considerado como uno de los pioneros del grupo, y fue ampliamente incluido en la encuesta de Gustav Hartlaub de 1925 en la Kunsthalle Mannheim.
Después de la guerra, Beckmann y Tube se separaron y finalmente se divorciaron pacíficamente en 1925. En el mismo año, se casó con Mathilde von Kaulbach, una joven soprano de ópera, y adquirió un trabajo de enseñanza en la Escuela de Arte Stadel de Frankfurt. Las obras de arte de Max Beckmann a menudo se incluyeron en exhibiciones en toda Europa durante la década de 1920, incluida una gran retrospectiva en 1928 en la Stadtische Kunsthalle. Para entonces, había refinado su enfoque, utilizando aspectos de obras anteriores, pero en tonos más vibrantes y expresivos.
Großes Varieté mit Zauberer und Tänzerin (Gran variedad mostrada con mago y bailarín) (1942) de Max Beckmann, ubicada en el Museo Von der Heydt en Alemania; Max Beckmann, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En 1926, Neumann financió su exposición debut en los Estados Unidos, y seis de las pinturas de Max Beckmann se presentaron en una nueva exposición en 1931 en Nueva York, organizada por Alfred Barr. Tras la toma de posesión de Hitler como canciller de Alemania en 1933, Beckmann fue despedido de la Escuela Stadel, y sus obras fueron confiscadas a las instituciones alemanas. En el mismo año, dejó Frankfurt y se mudó a Berlín.
«Departure» (1937), el primero de los famosos trípticos de Beckmann, se hizo en medio de un creciente clima de conflicto hacia el arte contemporáneo en Alemania.
Beckmann y su esposa llegaron a Ámsterdam el mismo año, el mismo día que la exposición de Arte Degenerado patrocinada por los nazis en Munich, que denigraba el arte contemporáneo. Nunca volvería a Alemania y pasó el resto de su vida en el extranjero.
Últimos años y muerte
Beckmann se quedó en Ámsterdam durante la guerra y produjo una gran cantidad de lienzos, grabados y bocetos a pesar de su reubicación. En agosto de 1947, se le ofreció un trabajo de enseñanza en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Washington en St. Louis. Beckmann llegó a St. Louis más tarde ese año después de cruzar el Atlántico con su esposa.
Autorretrato como payaso (1921) de Max Beckmann, ubicado en el Museo Von der Heydt de Alemania; Max Beckmann, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Dio conferencias en Oakland, Boulder, California y Colorado, durante los veranos, y aprovechó la oportunidad para visitar el país estadounidense. Cuando se le dio un trabajo en el personal de la Escuela de Arte del Museo de Brooklyn en 1949, se fue de St. Louis. Ese septiembre, él y su esposa se mudaron a la ciudad de Nueva York.
Max Beckmann falleció de un ataque al corazón mientras se dirigía al Museo Metropolitano de Arte para ver su trabajo en exhibición en diciembre de 1950.
El legado de Max Beckmann
El notable progreso creativo de Beckmann a lo largo de dos guerras mundiales ha dejado una marca indeleble. Su énfasis en la relevancia de su propia experiencia como profesor fue un mensaje perdurable para sus alumnos tanto en Europa como en América. La cercanía de Beckmann a muchos artistas diferentes durante su carrera proporcionó el flujo de ideas entre compañeros fuera de su instrucción en el aula.
Algunos de los primeros contemporáneos de Beckmann, como Otto Dix y George Grosz, fueron influenciados por su trabajo.
Traum von Monte Carlo (1939 – 1943) de Max Beckmann, ubicado en el museo Staatsgalerie Stuttgart en Alemania; Max Beckmann, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Estos artistas intercambiaron ideas políticas y artísticas, cada uno teniendo una influencia a largo plazo en los demás. Beckmann tuvo un efecto largo y de largo alcance como maestro de jóvenes pintores en Estados Unidos. Ellsworth Kelly fue uno de sus alumnos y reconoció a un estetaObligación con su profesor en un artículo de catálogo décadas después, a pesar de las diferencias estilísticas. A pesar de que Beckmann asumió el cargo de profesor de arte en la Universidad de Washington de Philip Guston, Guston se benefició mucho del uso sensual del color y el fuerte enfoque narrativo del expatriado alemán.
La reputación de las pinturas de Beckmann en las colecciones de los museos estadounidenses aumentó su influencia en las siguientes generaciones de pintores. Retratistas que trabajan a finales del siglo 20, como Alicia Neel, fueron influenciados por las representaciones inquebrantables de Beckmann de los cuidadores, especialmente en términos de su uso de bordes ásperos, colores brillantes y retratos sinceros de sus sujetos.
El estilo expresivo de las pinturas de Max Beckmann, así como su preocupación por expresar críticamente las realidades de su período en la pintura, tienen una deuda con pintores socialmente conscientes como William Kentridge y Leon Golub.
Ejemplos importantes de las obras de Max Beckmann
Beckmann estaba obsesionado con obtener una comprensión completa de sí mismo, y para hacerlo, creó más de 85 autorretratos en una variedad de medios. Su convicción de toda la vida en el valor de la individualidad de los artistas y las ideas del mundo fue subrayada por su continuo desarrollo de la autorrepresentación.
Beckmann incursionó en el formato tríptico, o pintura de tres paneles. Transformó el formato obsoleto, que hasta ahora solo se había utilizado para obras de arte religiosas medievales, en el telón de fondo adecuado para sus parábolas humanistas modernas.
Jóvenes junto al mar (1905)
| Fecha de finalización | 1905 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 148 cm x 235 cm |
| Ubicación actual | Schlossmuseum, Klasik Stiftung Weimar |
Esta obra de arte, creada cuando tenía solo 21 años, exhibe el fuerte fondo intelectual del joven artista y la profunda conciencia visual de la forma humana. Incluyó múltiples desnudos en una variedad de posturas a lo largo de la composición en este gran lienzo, dando a la pieza la ilusión de un sofisticado estudio anatómico. La estructura y el tema rinden homenaje a los postimpresionistas como Vicente van Gogh y Paul Cézanne, cuyas obras Beckmann había visto el año anterior mientras estaba en Francia.
El entorno ilusionista de la obra de arte, el gran tamaño del lienzo y la majestuosidad de los personajes lo conectan con el estilo académico.
Hombres jóvenes junto al mar (1905) de Max Beckmann, ubicada en la Klassik Stiftung Weimar en Alemania; Max Beckmann, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El estilo maduro y distintivo de Beckmann, que distingue sus obras posteriores, aún no se había descifrado. A pesar de la naturaleza convencional del trabajo, Beckmann pudo vincular su educación a su pasión por el agua. La extensión de las aguas lo impresionó y alarmó, y contrarrestó el vacío ilimitado del horizonte con una plétora de personajes tradicionales en primer plano.
Esta obra de arte tradicional fue muy apreciada en las academias e instituciones de Alemania. Beckmann no solo fue galardonado con el Premio Villa Romana por esta pieza, sino que también fue comprada por el Museo de Weimar al año siguiente.
A pesar de su éxito inicial, Beckmann posteriormente hizo la transición a un estilo más expresivo que se adaptó más a los temas dramáticos que quería representar.
Adán y Eva (1917)
| Fecha de finalización | 1917 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 57 cm x 80 cm |
| Ubicación actual | Staatliche Museen Zu Berlin |
Es una de las primeras pinturas que terminó después de la Primera Guerra Mundial, y tiene poca relación con sus vistas de preguerra o cuentos a gran escala. La pintura está en su mayoría desprovista de color, en lugar de estar ocupada por una gama de grises que le dan a la pieza un tono general de tristeza y crean una profundidad espacial delgada.
El giro de Beckmann hacia la moralización de los cuadros, en el que cada aspecto, incluso el color de la pintura, tiene un significado más profundo, también se refleja en los tonos fangosos.
El vívido pop del lirio amarillo y el ojo carmesí de la serpiente contrastan dramáticamente con la paleta sombría de Beckmann para el terreno plano y los humanos esqueléticos, llamando la atención de la audiencia hacia ellos de inmediato. La afinidad de Beckmann por el simbolismo y la metáfora es evidente en estas imágenes; el lirio alude a la inocencia y la salvación, mientras que el rojo ardiente del ojo de la serpiente resalta la naturaleza mercurial del diablo. Los dos símbolos representan claramente las consecuencias de la caída del hombre, pasando de la pecaminosidad a la salvación.
Adán y Eva (1917) de Max Beckmann, ubicada en el Staatliche Museen Zu Berlin en Alemania; Max Beckmann, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Aparte de la obra de arte Tonally Estructura simbólica, la integración de Beckmann de una gama de elementos dio como resultado contornos irregulares, planos de color planos y espacio pequeño. Las formas espantosas y retorcidas deben su existencia a los pintores alemanes medievales que representaban la angustia y la miseria de manera similar. El deseo de la Neue Sachlichkeit de resucitar la herencia alemana frente a la modernidad se ejemplifica por su uso de técnicas y temas medievales.
En contraste con la influencia medieval, las composiciones compactadas de los cubistas impactan la disposición del espacio en el lienzo, mientras que el tono mordaz de la representación está vinculado al comentario social de los expresionistas.
La mezcla de Beckmann de estas muchas tendencias condujo al desarrollo de un estilo individual y al comienzo de su época más próspera.
Salida (1935)
| Fecha de finalización | 1935 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 215 cm x 314 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno, Nueva York |
Beckmann comenzó a pintar esta pieza mucho antes de que los nazis llegaran al poder, y la terminó poco después de que lo sacaran de su puesto de profesor en Frankfurt. A pesar de afirmar ser apolítico en las conferencias, los dibujos de Max Beckmann muestran su creciente inquietud ante el salvajismo producido por la aparición de los nazis. Durante la década de 1920, desarrolló un gusto por la pintura a gran escala, que culminó en este, su primer tríptico.
Beckmann utilizó el formato extendido del lienzo dividido para resaltar episodios clave dentro de una narrativa más grande y para aumentar el impacto de su historia persistente.
Departure (1935) de Max Beckmann, ubicada en el Museo de Arte Moderno de nueva York, Estados Unidos; Allie_Caulfield, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
A pesar de que el formato tripartito fue creado hace siglos para Obra religiosa cristiana, Beckmann creía que era el patrón correcto para su tipo moderno de imagen alegórica personal y social. El panel derecho poco iluminado del tríptico representa a una dama encadenada a un tipo al revés, buscando una salida a su situación, pero siendo impedida por un baterista frente a ella y un botones aterrador detrás de ella.
Beckmann representó a numerosas personas en una celda de tortura, con las muñecas encadenadas, obligadas a cumplir con horribles actos de brutalidad, en el panel izquierdo.
Preguntas Frecuentes
¿Quién es Max Beckmann?
Max Beckmann estableció su estilo visual, empleando un lenguaje realista rico en conexiones simbólicas para proporcionar un retrato dramático de los trastornos del siglo XX y sus consecuencias. Los viajes tuvieron un papel crucial en la vida del pintor alemán. Sin embargo, la condena del régimen nazi de él como un artista llamado degenerado lo llevó a huir.
¿Por qué estilo de arte es conocido Max Beckmann?
A lo largo de su larga carrera, el talento de Max Beckmann para superponer delicadamente personas y símbolos, así como el color y la sombra, le permitió convertir magistralmente su experiencia en atractivas pinturas dramáticas. Durante la Primera Guerra Mundial, el futuro artista trabajó como oficial médico, lo que estimuló un cambio fundamental en su enfoque artístico de un enfoque tradicional y académico a un estilo de pintura más consciente socialmente y empático. A lo largo de su carrera, combinó magistralmente figuras alegóricas y eventos de la vida real en obras de arte semióticamente cargadas que representaban su perspectiva sobre el contexto cultural, social y político.
