Desde las pinturas rupestres prehistóricas hasta las tallas rituales de las sociedades antiguas, los humanos siempre han tenido el deseo de crear arte. Aunque alguna vez fue muy rudimentario, a diario se desarrollan nuevos métodos y materiales. Las pinturas al óleo habían sido el medio más utilizado por los artistas profesionales durante mucho tiempo, pero en la década de 1960, las pinturas acrílicas se desarrollaron y el arte cambió para siempre.
Una breve historia de las pinturas acrílicas
A principios de la década de 1930, un químico alemán llamado Otto Röhm inventó una sustancia llamada resina acrílica. Pronto se dio cuenta de su potencial como vector de pigmento. En la década de 1940, él y su socio comercial Otto Haas desarrollaron el primero pinturas acrílicas. Esto se hizo refinando la resina acrílica a una sustancia llamada emulsión de polímero acrílico, a la que luego se agregó pigmento. Su compañía (Röhm y Haas) vendía estas pinturas acrílicas para pintar casas, ya que era más duradera que otras pinturas disponibles en ese momento.
Cerca del final de la década de 1940, varios artistas comenzaron a experimentar con el uso de estas pinturas acrílicas para crear arte.
La pintora Maria Petroni en su estudio de Bolonia, 1960; Walter Breveglieri, CC0, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, esto no fue común hasta mucho más tarde. A principios de la década de 1960, un artista británico llamado Lancelot Ribeiro comenzó a crear pinturas utilizando pinturas acrílicas destinadas a ser utilizadas en casas. Descubrió que la pintura acrílica no solo se secaba mucho más rápido que la pintura al óleo, sino que también producía tonos mucho más brillantes.
Ribeiro fue muy vocal sobre su descubrimiento y ayudó a normalizar el uso de pinturas acrílicas para el arte.
Con los artistas de la década de 1960 que ahora usan con frecuencia pintura acrílica, las empresas vieron una brecha en el mercado y comenzaron a producir pinturas acrílicas específicamente para artistas. Manipularon la textura y la empaquetaron en pequeños tubos en lugar de grandes latas de pintura. La conveniencia de esto ayudó a popularizar aún más el uso de pintura acrílica.
Un box set de pinturas acrílicas Caran d’Ache; WestportWiki, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Pintura acrílica vs. pintura al óleo
Ahora entiendes cómo y por qué surgieron las obras de arte acrílicas. Pero, ¿hay una gran diferencia entre las pinturas acrílicas y las pinturas al óleo? ¿Cómo se ven los dos medios en el mundo del arte? ¿Qué medio dura más? ¿Son las pinturas al óleo más valiosas que las pinturas acrílicas? Cada una de estas preguntas se responderá a continuación.
En primer lugar, hemos establecido que las pinturas acrílicas se crean agregando pigmento a la emulsión de polímero acrílico. Las pinturas al óleo, por otro lado, se hacen mezclando pigmentos en polvo con aceite, típicamente aceite de linaza. Debido a sus diferentes composiciones, las dos pinturas se secan a diferentes velocidades.
Las pinturas al óleo pueden tardar días en secarse por completo. Esto se debe a que el aceite no se evapora como el agua, sino que pasa por un proceso llamado polimerización para solidificarse. Las pinturas acrílicas, por otro lado, pueden tardar solo media hora en secarse. Esta es una gran ventaja sobre las pinturas al óleo para los artistas que son impacientes o no tienen mucho tiempo.
Muchos sienten curiosidad por saber si las pinturas acrílicas o las pinturas al óleo duran más tiempo. Si se cuidan adecuadamente las pinturas al óleo pueden durar miles de años. Las pinturas al óleo más antiguas conocidas fueron creadas en el año 650 dC por monjes budistas en Afganistán.
Sin embargo, las pinturas acrílicas solo se han utilizado durante los últimos 60 años más o menos. Por lo tanto, aún no sabemos si resistirán la prueba del tiempo como las pinturas al óleo.
¿Las pinturas al óleo valen más? Bueno, hay una serie de factores que intervienen en la valoración de una pintura que no sea solo el medio. ¿A mucha gente le gusta? Si es así, entonces esto elevará el precio debido a la demanda. El tamaño de la pintura también debe tenerse en cuenta. Por lo general, las pinturas grandes costarán más. ¿Es el artista bien conocido o no han logrado ganar una reputación por sí mismos? No hace falta decir que a los artistas famosos se les pagará más por su trabajo que a un artista del que nadie ha oído hablar.
El artista Bertram Brooker pintando en su estudio, 1943; Ontario Society of Artists fonds Imagen tomada de: http://ao.minisisinc.com/scripts/mwimain.dll/340/2/1/8756?RECORD, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Lo más importante es que la edad de la pintura afecta su valor. Las pinturas creadas hace mucho tiempo, por artistas famosos que han pasado obtendrán el precio más alto. Como las obras de arte acrílicas solo comenzaron a crearse duranteEn la década de 1960, pocos son tan antiguos y, por lo tanto, tan valiosos como pinturas al óleo famosas. Las pinturas al óleo creadas en la actualidad tienen un precio solo marginalmente mayor que las pinturas acrílicas. Teniendo en cuenta que cuestan más producirlos, los dos medios están esencialmente a la par en términos de precio.
Por lo tanto, los factores mencionados anteriormente son de mayor importancia que si las pinturas fueron creadas con óleos o acrílicos.
Mirador de Lindaraja (acrílico sobre lienzo, 2013) de Ben Johnson; Wingate16 en Wikipedia en inglés, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
10 pinturas acrílicas famosas
Como se mencionó anteriormente, el arte acrílico solo ha existido desde la década de 1960. Sin embargo, esto no significa que haya una escasez de pinturas acrílicas increíbles. En este segmento, veremos 10 de las pinturas acrílicas más famosas. Desde pinturas de retratos acrílicos hasta pinturas acrílicas de la naturaleza, hay algo para la preferencia de todos.
Latas de sopa Campbell (1962) de Andy Warhol
| Artista | Andy Warhol (1928 – 1987) |
| Fecha pintada | 1962 |
| Medio | Acrílico sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 51 x 41 |
| Dónde se encuentra actualmente | El Museo de Arte Moderno, Nueva York |
Andy Warhol es uno de los pintores acrílicos más famosos de la historia. Warhol ya se había ganado un nombre trabajando en publicidad. Sin embargo, siempre tuvo el deseo de crear arte simplemente para el disfrute visual en lugar de con fines de marketing. Durante la segunda mitad de la década de 1950, Warhol mostró parte de su arte en algunas exposiciones impopulares.
Sin embargo, su gran avance ocurrió en 1962 cuando se le permitió exhibir sus obras en el Wadsworth Atheneum en Connecticut.
La exposición en el Wadsworth Atheneum fue la primera vez que Warhol mostró su pintura Big Campbell’s Soup Can with Can Opener (Vegetal) (1962). La pintura, creada mediante la aplicación de pintura de caseína y grafito al lino, fue un éxito. Esto inspiró a Warhol a crear su famosa serie de 32 partes llamada Latas de sopa Campbell (1962).
Al finalizar, Warhol exhibió las latas de sopa Campbell en estanterías de madera para emular una exhibición de una tienda de comestibles. Su inspiración para la serie fue su amor por la popular marca de sopas. Warhol declaró que tenía una lata de sopa Campbell todos los días para el almuerzo. Así, la repetición de las latas de sopa en varios sabores alude a este hábito de consumir la sopa diariamente.
Warhol a menudo usaba objetos cotidianos como el foco de sus obras de arte.
Esto era muy típico de Arte pop, de ahí el nombre, que se deriva de «cultura popular». Además de Campbell’s Soup Cans, el famoso pintor acrílico creó numerosas obras de arte similares como Green Coca-Cola Bottles (1962), Brillo Soap Pad Boxes (1964) y Hamburger (beige) (1986).
Fotografía del artista estadounidense Andy Warhol en Moderna Museet, Estocolmo antes de la inauguración de su exposición retrospectiva. Las cajas de Brillo se pueden ver en el fondo, 1968; Lasse Olsson / Pressens bild, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Warhol es uno de los artistas pop más notorios del mundo. Él y otros artistas pop adoptaron un nuevo enfoque del arte. En lugar de apuntar a la singularidad como la mayoría de los artistas, trataron de imitar la cultura de masas. Los artistas incluso intentaban hacer que sus pinceladas fueran lo más indistinguibles posible para dar a sus pinturas la apariencia de una impresión.
Debido a su experiencia en publicidad, Warhol tenía una ventaja sobre sus compañeros. A menudo produjo múltiples copias de la misma obra. Su intención detrás de esto era hacer que el arte estuviera disponible para las masas, en lugar de simplemente una pequeña y rica élite.
Milkwood Arcade (1963) de Helen Frankenthaler
| Artista | Helen Frankenthaler (1928 – 2011) |
| Fecha pintada | 1963 |
| Medio | Acrílico sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 219,7 x 205,1 |
| Dónde se encuentra actualmente | Rotado entre la Galería Nacional de Arte, la Tate, el Instituto de Arte de Chicago, el Museo Metropolitano y el Museo de Arte Moderno de San Francisco |
Helen Frankenthaler fue una pintora acrílica estadounidense con una larga y colorida carrera. Produjo muchas obras de arte acrílicas aclamadas durante los 60 años en los que creó arte. Ella es mejor conocida por su uso pionero de the técnica de tinción de remojo, que consiste en mezclar pinturas acrílicas solubles con agua para manchar el lienzo.
Jackson Pollock fue una gran inspiración para Frankenthaler. Después de ver una exposición de sus obras de arte en 1950, comenzó a experimentar con Expresionismo abstracto. Creó algunas de sus pinturas acrílicas más famosas durante este tiempo, como The Jugglers (1951) y Mountains and Sea (1952). Sin embargo, durante la década de 1960, llevó la abstracción aún más lejos, pintando en un estilo conocido como Color Fielding.
Frankenthaler fue uno de los mascarones de proa del movimiento, que fue una fusión del modernismo europeo y el expresionismo abstracto.
La pintura de Frankenthaler de 1963 Milkwood Arcade, una mezcla abstracta de azules y amarillos, personifica la pintura color Field. El estilo Campo de color se centra en el color por encima de todos los demás elementos. Los colores en sí mismos son el tema de la pintura en lugar de la forma o la forma. Frankenthaler era una pintora intuitiva que a menudo pintaba sin ningún significado en particular.
El punto era sentir la pintura en lugar de tratar de entenderla. Ella dijo que a menudo sus pinturas evocaban sentimientos que uno ni siquiera podía describir.
Frankenthaler se hizo un nombre como una artista hábil y original durante un tiempo en que la escena artística todavía estaba muy dominada por los hombres. Su talento hablaba por sí mismo y no estaba desfasada por el aparente sesgo porque amaba lo que hacía. En 2001, a la edad de 73 años, fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes por sus contribuciones al mundo del arte.
A Bigger Splash (1967) de David Hockney
| Artista | David Hockney (1937 – presente) |
| Fecha pintada | 1967 |
| Medio | Acrílico sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 242,5 x 243,9 |
| Dónde se encuentra actualmente | The Tate Gallery, Londres |
David Hockney fue uno de los pintores acrílicos más famosos de la década de 1970. Hockney nació en Bradford, Inglaterra. Sin embargo, en 1963 hizo un viaje a California que cambió su vida para siempre. Hockney se enamoró del sol y el glamour que California tenía para ofrecer, tanto que pasó 20 años de su vida viviendo allí, en los que creó muchas pinturas inspiradas en el estilo de vida californiano.
David Hockney en la Flash Expo 2017; Connaissance des Arts, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Al llegar a Los Ángeles, Hockney se sorprendió de que casi todas las casas tuvieran piscinas privadas. Ser dueño de una piscina era algo que solo los ultra ricos podían permitirse en el Reino Unido. Por lo tanto, muchas de las pinturas de Hockney presentan un cuerpo de agua claro y azul.
Cada una de sus pinturas transmite una sensación de fantasía que insinúa vacaciones soleadas y una vida fácil.
Hockney tuvo la idea de su obra más popular, A Bigger Splash (1967) a partir de una fotografía que vio, que representaba una salpicadura. Estaba fascinado por el contraste de las casas en el fondo, que son sólidas y duraderas, con el chapoteo, que es intangible y dura solo unos segundos.
A principios de la década de 1970, se creó un documental sobre la vida de Hockney también titulado A Bigger Splash (1973). Siguió un formato similar a los reality shows modernos e incluyó dramatizaciones, así como segmentos que eran completamente ficticios. El tema central de la película giraba en torno a su separación de su expareja Peter Schlesinger.
Mostrar la homosexualidad en la televisión todavía era poco común durante ese tiempo, lo que la convirtió en una película innovadora.
Elegía a la República Española Nº 110 (1971) de Robert Motherwell
| Artista | Robert Motherwell (1915 – 1991) |
| Fecha pintada | 1971 |
| Medio | Acrílico y carbón sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 208,3 x 289,6 |
| Dónde se encuentra actualmente | El Museo Guggenheim, Nueva York |
Robert Motherwell es conocido por sus famosas pinturas acrílicas inspiradas en la Guerra Civil Española. La guerra estalló en 1936 y terminó en 1939. Motherwell era solo un hombre joven en ese momento y los horrores que presenció se quedaron con él por el resto de su vida. Creó casi 200 pinturas en torno al tema en un intento de trabajar a través de sus emociones.
Motherwell pintó en el estilo expresionista abstracto, que estaba en su apogeo durante la década de 1950. Debido a la naturaleza conceptual de Elegía a la República Española nº 110 (1971),Hay muchas interpretaciones del mensaje que Motherwell estaba tratando de transmitir.
Ha expresado que el tema central es en torno a los ciclos de la vida y la muerte. Es por eso que usó exclusivamente blanco y negro.
Las formas que Motherwell utilizó en Elegía a la República Española nº 110 han suscitado mucho debate. Algunos creen que la serie de formas ovulares y verticales representan órganos reproductivos, vinculándose así con el tema de la vida y la muerte. Otros piensan que representan edificios, lo que habla del bombardeo aéreo de ciudades civiles durante la guerra.
Cualquiera que sea el significado que uno perciba, está claro que la pintura altamente emotiva es una historia de dolor.
Fancy Feathers (2010) de Cher Anderson
| Artista | Cher Anderson (1962 – presente) |
| Fecha pintada | 2010 |
| Medio | Acrílico sobre gessobord |
| Dimensiones (cm) | 41 x 28 |
| Dónde se encuentra actualmente | Actualmente a la venta en línea |
Aunque nació en los Estados Unidos, Cher Anderson creció en la Ciudad de México. Los acentos de la vibrante cultura mexicana son claros a través de su amor por el color. Esta es probablemente la razón por la que las aves, con su plumaje brillante, son su tema favorito para pintar.
En un viaje al zoológico, Anderson quedó fascinado por el recinto de flamencos. Estaba fascinada no solo por sus elegantes movimientos, sino también por la variedad de colores que se podían ver mientras levantaban sus alas para acicalarse. Esperó pacientemente para capturar la imagen perfecta, que luego pintó. Debido a su meticulosidad, Fancy Feathers (2010) tardó cuatro meses en completarse.
Las pinturas acrílicas de la naturaleza de Anderson le han ganado una reputación como una artista talentosa y amante de la vida silvestre.
Ella crea una variedad de pinturas de animales bien investigadas, que cautivan al espectador. Debido a su amor por la naturaleza, es parte de Artists for Conservation, una organización sin fines de lucro en la que los artistas donan una parte de sus ganancias a la conservación de la vida silvestre.
Deiiy-ha VI Painting (2016) de Emma Lindström
| Artista | Emma Lindström (1978 – presente) |
| Fecha pintada | 2016 |
| Medio | Acrílico sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 150 x 150 |
| Dónde se encuentra actualmente | Colección privada |
Emma Lindström es una famosa artista de acrílico de Suecia. Ella ganó la mayor parte de su influencia a través de sus vastos seguidores en las redes sociales. Su uso único de acrílicos fluidos es fascinante y se ha ganado la admiración de miles de personas desde que comenzó a mostrar sus obras. Deiiy-ha VI Painting (2016) es solo una de las pinturas de su serie Cosmos. El vertido de acrílico es la técnica perfecta para crear estas espectaculares galaxias.
Para Lindström, los acrílicos fluidos le dan el equilibrio perfecto entre el control y la suerte pura. Le permiten infundir espontaneidad y emoción a sus obras.
Lindström vende principalmente sus obras de arte acrílicas en línea como impresiones. Sin embargo, uno puede ver sus originales en persona en su galería, Anohaao Gallery en Gotemburgo. Aunque anohaao Gallery es donde residen la mayoría de sus pinturas, también se pueden encontrar en varias otras galerías de arte de Escandinavia y Alemania.
Linternas (c. 2017) por April M. Rimpo
| Artista | April M. Rimpo (1955 – presente) |
| Fecha pintada | c. 2017 |
| Medio | Acrílico sobre papel |
| Dimensiones (cm) | 61 x 46 |
| Dónde se encuentra actualmente | Galería de Arte HorseSpirit, Savage |
April M. Rimpo nació para ser pintora. Provenía de una familia de artistas y expresó el talento artístico natural desde una edad temprana. Sin embargo, decidió tomar un camino más práctico, estudiando ingeniería en la universidad. Rimpo continuó tomando clases de arte local durante este tiempo, simplemente para disfrutar. Eventualmente, sin embargo, se dio cuenta de que el arte era su vocación y se convirtió en una artista a tiempo completo en 2012.
Linternas (c. 2017) es solo una de sus famosas pinturas acrílicas. Rimpo mezcla sus propios colores, lo que le da a sus pinturas una vitalidad de la que carecen las de otros pintores acrílicos. Quedó cautivada por la aparición de las linternas reflejadas en las ventanas del edificio.
Ella cree que su tema la elige a ella, no al revés.
Rimpo ha expuesto sus obras en muchas exposiciones de renombre, incluida la Sociedad Internacional de Pintores Acrílicos. Sus pinturas también han aparecido en varios libros de North Light Best of Acrylic.
Desconocido (c. 2017) por Marney-Rose Edge
| Artista | Marney-Rose Edge (1959 – presente) |
| Fecha pintada | c. 2017 |
| Medio | Acrílico sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 77 x 77 |
| Dónde se encuentra actualmente | Colección privada |
Marney-Rose Edge es una artista canadiense radicada en la ciudad de Vancouver. Es conocida por sus pinturas caprichosas y románticas. Su uso de acrílicos fluidos le permite crear mezclas suaves y sin costuras, que dan un elemento de fantasía a sus pinturas.
Aunque Edge no es conocida por ser una de las artistas de vertido de acrílico más famosas, a menudo utiliza esta técnica en su trabajo.
En Unknown (c. 2017), utiliza el vertido de acrílico para crear un fondo elegantemente difundido. Esto se combina perfectamente con el nido, permitiendo que los huevos en su interior sean el punto focal. Se destacan aún más por estallidos de oro brillante.
Edge es una artista respetada en su comunidad. Es miembro de la junta directiva de la Federación de Artistas Canadienses como miembro senior. También ha aparecido en la portada de International Artists Magazine, con un artículo de diez páginas dedicado a ella por dentro.
Keith Richards (2017) de Micheal Wagner
| Artista | Micheal Wagner (1953 – presente) |
| Fecha pintada | 2017 |
| Medio | Acrílico sobre lienzo |
| Dimensiones (cm) | 77 x 61 |
| Dónde se encuentra actualmente | The Painting Center, Nueva York |
Micheal Wagner es un maestro de la pintura de retratos acrílicos. Sus obras de arte presentan una mezcla de fotorrealismo con toques de Pop Art. Wagner trabajó en una serie de campos artísticos, incluyendo el diseño gráfico y la creación de vídeo. Incluso trabajó como dibujante forense para la policía de Stamford durante un tiempo. La pintura es ahora su trabajo a tiempo completo.
Habiendo crecido en la década de 1960, Wagner pasó su juventud escuchando a grupos de rock icónicos como The Rolling Stones, The Doors y The Stooges.
Keith Richards (2017) es una oda al legendario músico inglés. La emoción y el alma que Wager es capaz de expresar en los ojos de Richard son inigualables. Su ojo para los detalles lo convierte en un artista increíble. Wagner exhibe sus obras de arte acrílicas en varias galerías de Nueva York y Connecticut. Actualmente es miembro de la junta directiva de Loft Artists Studio. Todas sus obras de arte se pueden ver y comprar en línea en su sitio web.
Rugido (2017) de Yael Maimon
| Artista | Yael Maimon (1980 – Presente) |
| Fecha pintada | 2017 |
| Medio | Acrílico sobre papel Fabriano |
| Dimensiones (cm) | 43 x 33 |
| Dónde se encuentra actualmente | Actualmente a la venta en línea |
Yael Maimon es un pintor acrílico de Israel. Aunque recibió una licenciatura en Psicología, siempre fue consciente de que el arte era su verdadera pasión. Poco después de graduarse de la universidad, se dedicó a una carrera a tiempo completo en el arte, asistiendo a una serie de clases de artistas de renombre internacional.
Como se puede ver en su serie «Cats», Maimon es una gran amante de los gatos.
Ella es voluntaria en refugios de animales y ha reclamado una serie de gatos callejeros como propios. Afirma que son sus musas. Le encanta estudiarlos en varios estados, como jugar, dormir y maullar como en Roar (2017). Roar recibió el People’s Choice Award en jackson’s Atmospheric Acrylic Competition. Desde entonces ha ganado una serie de otros premios por sus pinturas.
La pintura acrílica solo ha existido por un período de tiempo relativamente corto. Sin embargo, esto no significa que los artistas no hayan podido hacer cosas increíbles en ese corto período de tiempo. Esta es solo una breve lista de pinturas acrílicas famosas. Si te gustaron, te animamos a que explores más a fondo.
Preguntas Frecuentes
¿Qué artistas famosos usaron pintura acrílica?
A partir de la década de 1960, varios artistas dieron el salto de las pinturas al óleo a las pinturas acrílicas. Eran más baratos, más vibrantes y se establecían mucho más rápido. Esto los hizo más atractivos para muchos artistas célebres como Andy Warhol, David Hockney, Robert Motherwell y más. Muchos artistas contemporáneos como Emma Lindström, Yael Maimon y Micheal Wagner también usan pinturas acrílicas.
¿El sol se desvanece acrílico? ¿Pinturas?
Como la pintura acrílica solo se popularizó para el arte hace unos 60 años, todavía no estamos seguros de cuán duradera es. Por lo tanto, para que dure el mayor tiempo posible, hay una serie de precauciones que uno puede tomar. Una de ellas es no colocar pinturas acrílicas en un lugar con luz solar directa. Aunque la pintura acrílica es muy duradera, es probable que los rayos UV eventualmente causen que la pintura se vuelva opaca con el tiempo.
