Francia es conocida por ser una colmena cultural y artística. Entre muchos otros movimientos artísticos famosos que se originaron allí, el postimpresionismo también hizo su debut allí. Surgió como una respuesta a lo que los adherentes de este movimiento vieron como las limitaciones del impresionismo. Si bien este movimiento en el arte heredó muchas de las características que hicieron del impresionismo lo que es, también se desvió de este último de manera importante. Hoy en día, las obras de arte de los postimpresionistas adornan museos de todo el mundo, y algunas de las pinturas más reconocidas del mundo forman parte de este período en la historia del arte.
¿Qué es el postimpresionismo?
Tal vez no haya rostro que represente la búsqueda de este movimiento artístico para agregar cada vez más humanidad al arte que el de Vincent van Gogh, quien resumió algo de lo que implicó su peculiar proceso creativo: «Sueño con pintar y luego pinto mi sueño». Este artículo busca desentrañar hasta qué punto los postimpresionistas se tomaron la libertad de agregar su imaginación única a sus pinturas, lo que fue un acto revolucionario en el contexto del arte convencional que buscaba proporcionar un reflejo preciso del mundo tal como se percibe visualmente.
Mientras tanto, si quieres la versión corta de la definición post-impresionista, fue un movimiento artístico que tuvo lugar a finales del siglo 19, y que se extendió hasta los albores del siglo 20 en Francia.
Como su nombre lo indica, tuvo lugar a raíz de (y de hecho como resultado de) los artistas impresionistas que eran una banda de pintores que surgieron en París durante la década de 1860. El término «postimpresionismo» fue acuñado por un crítico de arte llamado Roger Fry, quien usó el término de manera despectiva cuando fue testigo por primera vez de algunas de las obras de arte en exhibición en una exposición.
Autorretrato (1928) de Roger Fry, el hombre que acuñó el «postimpresionismo». Ubicado en una colección privada; Roger Fry, Dominio público, vía Wikimedia Commons
A pesar de su mejor intención de comunicar su disgusto por el nuevo estilo, el término se ha asociado para siempre con las obras de artistas a los que ahora atribuimos grandes elogios como Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, Georges Seurat y Paul Gauguin (entre muchos otros). Una de las características definitorias del arte postimpresionista fue el alejamiento de la visión del arte como una representación del mundo tal como es. En cambio, los artistas del postimpresionismo permitieron que sus obras de arte reflejaran el mundo tal como lo veían ellos mismos.
Esto implicó una dimensión emocional o espiritual adicional en la que la obra de arte actuó como un portal hacia una experiencia más profunda de ser humano. Esto se puede contrastar con el arte como una representación realista u objetiva de la realidad tal como es percibida por los sentidos independientemente de cualquier tipo de filtro o lente subjetiva. Al integrar estas dimensiones añadidas en el arte, este movimiento altamente influyente se convirtió en un vehículo a través del cual se permitió la expresión de la interpretación subjetiva de la vida a través de los ojos del artista.
Los artistas lograron esto al respirar colores vivos e imaginación en las escenas que se representaron y se inspiraron en un espectro diverso de estilos artísticos de todo el mundo.
Impresionismo vs. pinturas postimpresionistas
Es posible que todavía se pregunte qué es una definición adecuada de postimpresionismo. Como su nombre lo indica, el postimpresionismo tuvo lugar a raíz del impresionismo. Impresionismo es el nombre dado a las escenas de ensueño y coloridas pintadas por personas como Claude Monet, Edgar Degas, Berthe Morisot y Auguste Renoir, quienes usaron cada pincelada para capturar la luz cambiante en las escenas que presenciaron.
Esta técnica fue su bendición, así como su maldición según los artistas que vinieron después de ellos, y más tarde fueron criticados por artistas emergentes basados en su preocupación por la «forma» en que pintaban en lugar de «qué» pintaban.
La implicación de esto fue que hubo un movimiento hacia un mayor grado de autoexpresión en términos del tema que se retrató en las pinturas postimpresionistas. Los artistas pertenecientes a este movimiento combinaron vistas que recordaban de su experiencia personal, imágenes que habían visto en el arte o imaginado de la literatura, así como elementos de su creatividad e innovación. Esta fue una clara desviación del deseo impresionista de capturar las escenas tal como son en lugar de como son percibidas o interpretadas por el artista a nivel espiritual o emocional.
Bal du moulin de la Galette (1876) de Pierre-Auguste Renoir, ubicado en el Musée d’Orsay de París, Francia; Pierre-Auguste Renoir, Dominio público, vía Wikimedia Commons
A pesar de que expusieron juntos, los postimpresionistas tendían a trabajar solos, que era una de las formas en que estos artistas se desviaban de las normas de los impresionistas. Una implicación de esto es que el estilo del arte postimpresionista no era particularmente consistente; tanto es así que no es fácil identificar ningún estilo en particular como un principio unificador que definió a todos los artistas postimpresionistas.
De hecho, incluso el estilo personal de un artista individual cambia a lo largo de la vida, pero permanece fiel al movimiento postimpresionista que se aleja del énfasis excesivo impresionista en la «óptica».
En la siguiente sección, exploraremos algunas de las principales fuentes e inspiraciones que afectaron el estilo distintivo de artistas particulares. Luego discutiremos las técnicas a las que todos los artistas pertenecientes a este movimiento se adhirieron como un clamor contra el impresionismo.
Lavender Mist (1950) de Jackson Pollock; Jackson Pollock, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
A pesar de la inconsistencia en el estilo entre la diversa gama de artistas postimpresionistas, el arte perteneciente a este movimiento revolucionario se puede clasificar libremente en dos grupos. En primer lugar, algunos están compuestos de formas geométricas notables (que sentaron las bases para el surgimiento del cubismo), y en segundo lugar, aquellos que son menos geométricos, que establecen el escenario para el desarrollo de Expresionismo abstracto. El expresionismo abstracto fue un movimiento artístico que surgió a mediados del siglo 20 a través del arte de Jackson Pollock, por ejemplo.
Aunque este movimiento puso en marcha un alejamiento del estilo naturalista de pintura por el que el impresionismo era famoso, el impresionismo tuvo sus méritos que continuaron siendo utilizados a lo largo de la era postimpresionista. Específicamente, allanó el camino para el uso continuo de colores llamativos y pintura gruesa.
Características y estilos del postimpresionismo
Cuando pensamos en la obra de arte a la que aludimos cuando nos referimos al «postimpresionismo», a menudo nos vienen a la mente visiones de las pinturas abstractas de Van Gogh. Y por una buena razón: se convirtió en uno de los postimpresionistas más conocidos póstumamente, en gran parte debido a su estilo único que se personifica en pinturas como La noche estrellada (1889) que a veces reflejaba su agitación interior. A continuación, exploramos las importantes características postimpresionistas vistas en la mayoría de las obras de arte de la época.
Estilos
El postimpresionismo puede parecer un movimiento aislado en sí mismo, pero hay más de lo que parece. Aunque los postimpresionistas estaban unidos en su entusiasmo por cambiar el tema de su arte, los artistas dentro de este grupo tenían estilos notablemente diferentes.
También verá que los respectivos estilos de diferentes artistas se inspiraron en varios movimientos artísticos, algunos de los cuales se originaron en países mucho más allá de las fronteras francesas.
Puntillismo
El puntillismo es el nombre más comúnmente utilizado para la aplicación de pequeños trazos de color o puntos para crear el efecto de color continuo cuando se ve desde lejos. A veces también se le conoce como divisionismo o cromoluminarismo, según la Enciclopedia Británica, aunque el divisionismo se relaciona principalmente con pequeñas pinceladas (a diferencia de la aplicación de puntos individuales, que es la técnica utilizada en el puntillismo).
El puntillismo fue uno de los primeros movimientos alejados del impresionismo. Fue introducido por Georges Seurat, y Paul Signac utilizó técnicas similares.
Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (1884 – 1886) de Georges Seurat, ubicado en el Instituto de Arte de Chicago en Chicago, Estados Unidos; Georges Seurat, dominio público, vía Wikimedia Commons
En contraste con las distintas pinceladas de los impresionistas, Seurat adoptó el enfoque más metódico y científico mediante el uso de puntos únicos de color que, cuando se veían desde la distancia, creaban la ilusión de continuidad.
Ejemplos de obras de arte que se ajustan a este estilo incluyen «A Sunday on La Grande Jatte» (1884) de Seurat, «The Lighthouse at Honfleur» (1886), también de Seurat, y «Beach at Heist» (1891) de Georges Lemmen.
Japonismo
Japonisme es la palabra utilizada para describir obras de arte que se inspiraron e imitaron las impresiones japonesas de Ukiyo-e; la palabra francesa para este estilo es japonisme. La característica principalLos de este estilo que se incorporaron al arte europeo incluyeron cambios en la forma en que se componían las pinturas y los tipos de colores que se utilizaban.
Retrato de Père Tanguy (Padre Tanguy) (1887) de Vincent van Gogh, ubicado en el Muséee Rodin de París, Francia; Vincent van Gogh, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La perspectiva en las pinturas también se vio afectada de una manera que reflejaba un paso audaz lejos de la necesidad de representar la realidad o la naturaleza objetivamente: menos simetría y más superposición de objetos cercanos y lejanos. A Vincent van Gogh le gustaba experimentar con diferentes estilos y estaba particularmente interesado, en un momento de su carrera, en el arte japonés.
El japonismo se puso en marcha cerca del final de la década de 1800, en gran parte debido a la mayor presencia de arte japonés y otros artículos culturales en Europa que tuvieron una fuerte influencia en el impresionismo y el postimpresionismo por igual.
Sintetismo
Sobre todo, el sintetismo refleja el alejamiento de la representación de la vida real hacia un enfoque más simbólico para representar el mundo. En lugar de esforzarse por lograr una representación «objetiva» o hiperrealista del tema, los artistas que se suscribieron al sintetismo permitieron cierto espacio para la inclusión de su interpretación emotiva de lo que vieron.
Al mismo tiempo, podían modificar la imagen en términos de características artísticas como el tono, la línea y la forma que pensaban que agregarían valor a la pintura mientras intentaban mantener la integridad de la escena original que estaban representando.
Los Bañistas (1897) de Paul Gauguin, ubicada en la National Gallery of Art de Washington D.C., Estados Unidos; Paul Gauguin, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La adición de estas cualidades subjetivas permitió a los artistas la libertad de pintar desde su memoria o imaginación, sin necesidad apremiante del perfeccionismo requerido del arte convencional. El trabajo de Gauguin durante este tiempo tomó un fuerte uso unidimensional del color y líneas definidas para evocar una reacción emocional, ya sea que su fuente de inspiración fuera la del mito, la religión o la experiencia de vida. Una de las pinturas de Gauguin que llegó a buen término durante este período fue Montañas en Tahití (1897).
Van Gogh y Gauguin fueron dos artistas que exploraron este enfoque juntos, durante el período en que vivieron juntos en Francia.
Forma pictórica
La forma pictórica fue otro estilo distinto que apareció como una revuelta contra el arte impresionista que vino antes del postimpresionismo. A diferencia de la bidimensionalidad que era típica del sintetismo, este estilo tomó un giro contradictorio en su énfasis en la forma, con el tema principal incluyendo paisajes, pinturas de naturaleza muerta, y retratos.
Paul Cézanne fue posiblemente el artista más conocido que utilizó este estilo.
Les Grandes Baigneuses (1906) de Paul Cézanne, ubicada en el Museo de Arte de Filadelfia en Pensilvania, Estados Unidos; Paul Cézanne, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Conocido ampliamente en el mundo del arte por su fuerte énfasis en la estructura subyacente de los objetos y paisajes, Cézanne fue considerado en los círculos artísticos de la época como un maestro y modelo a seguir para otros artistas que siguieron sus pasos.
Por esta razón, se convirtió en el rostro del cubismo, utilizando formas geométricas básicas como la base sobre la cual se construyeron las complejidades de la imagen.
Primitivismo
En la búsqueda interminable de significado simbólico de los postimpresionistas, el primitivismo apareció como un estilo que llamó la atención de algunos artistas exigentes. Su nombre alude particularmente a la obra de Henri Rousseau, pero también alude vagamente al arte primitivo que inspiró las obras de Pablo Picasso y otros artistas.
Al igual que los otros estilos discutidos aquí, las obras de Rousseau eran simbólicas y gran parte de lo que pintó fue informado por su imaginación.
El sueño (1910) de Henri Rousseau, ubicado en el Museo de Arte Moderno de nueva York, Estados Unidos; Henri Rousseau, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Aunque Rousseau no era un artista entrenado, su trabajo tuvo una fuerte influencia en el cubismo y el surrealismo. La mayor parte del trabajo de Rousseau mantiene un estilo consistente, pero algunos de sus trabajos más conocidos incluyen The Sleeping Gypsy (1897) y The Dream (1910). Paul Gauguin fue otror figura prominente en el uso de este estilo.
Les Nabis
El movimiento fue fundado por un artista llamado Paul Sérusier. Un elemento central de los principios de Les Nabis era la idea de que las obras de arte deberían permitir un equilibrio armonioso del mundo natural y la autoexpresión del artista. También, al igual que los estilos discutidos anteriormente, contenía un fuerte elemento de subjetivismo.
El nombre se refiere al componente espiritual que, según los adherentes a este movimiento en particular, debería (y lo hace) desempeñar un papel esencial en una pintura.
El Talismán (también conocido como Paisaje en el Bois d’Amour) (1888) de Paul Sérusier, ubicado en el Musée d’Orsay de París, Francia; Paul Sérusier, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Comparando las piezas de arte que pertenecieron a este movimiento con el trabajo de Gauguin, sería difícil encontrar diferencias significativas en la forma en que se usó el color, en el sentido de que estos artistas emanaron el método de Gauguin de aplicar pintura directamente del tubo. Les Nabis fue fuertemente influenciado por el sintetismo.
Artistas que fueron miembros de este grupo, como Maurice Denis, Pierre Bonnard y Paul Sérusier organizaron exposiciones juntos en la década de 1890. Las obras que surgieron de artistas como estos no se limitaron a las pinturas, sino que también incluyeron vitrales y esculturas.
Características
Identifythisart.com da cuenta de las principales características que cambiaron a medida que el impresionismo se transformó en postimpresionismo, una de las cuales fue un fuerte énfasis en el contorno y, por implicación, la forma. Aparte de esta desviación de la vaga apariencia de las obras de arte creadas por artistas impresionistas, a continuación se describen características más distintas que todas las obras de arte pertenecientes a este movimiento tenían en común.
Simbolismo
A menudo incluyendo escenas y objetos del mundo interior de los artistas en lugar del entorno externo, el simbolismo es una forma importante para que los artistas comuniquen emociones. Como se vio anteriormente, una de las características definitorias de este movimiento artístico fue un enfoque en la subjetividad y la autoexpresión y lo que esto significaba, en términos del tema de las pinturas.
Opus 217. Contra el esmalte de un fondo rítmico con ritmos y ángulos, tonos y tintes, Retrato de M. Félix Fénéon en 1890 (1890) de Paul Signac, ubicado en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos; Paul Signac, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Color
Al igual que los impresionistas, los postimpresionistas no dudaban sobre el uso de colores brillantes. Sin embargo, podían usar el color más liberalmente, haciendo un uso antinatural del color como quisieran. La mayoría de las veces, los colores se usaban intencionalmente para provocar emociones en el espectador, independientemente de la relación del espectador con el color que se esperaba o se consideraba preciso.
Las pinturas postimpresionistas crearon un mundo en el que la sombra tenía una gama de colores, y los bloques de color audaces y bidimensionales la distinguían de las obras de arte impresionistas.
Mujer sosteniendo una fruta (1893) de Paul Gauguin, ubicado en el Museo del Hermitage en San Petersburgo, Rusia; Paul Gauguin, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Pinceladas
La mayoría del arte postimpresionista es identificable por el uso distintivo de pinceladas para crear una mayor profundidad y dar a los espectadores la sensación de que la obra de arte no estaba destinada a ser un reflejo objetivo de la naturaleza, o cualquier escena que estuviera representando.
La versión más extrema de esto fue el puntillismo, ejemplificado en las obras de Georges Seurat, quien usó puntos únicos de color en lugar de pinceladas completas para crear el efecto deseado.
Les cyprès à Cagnes (1908) de Henri-Edmond Cross, ubicada en el Musée d’Orsay de París, Francia; Henri-Edmond Cross, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Obras notables de artistas postimpresionistas
Como hemos visto, el postimpresionismo como respuesta amplia a las limitaciones del movimiento artístico precedente tuvo muchos adeptos. Describiremos algunas de las piezas más conocidas a continuación que surgieron en los lienzos de artistas prominentes como Van Gogh y Seurat.
La noche estrellada (1889) de Vincent van Gogh
Alojado en el MusEum of Modern Art in the USA, esta pintura de 29 por 36 pulgadas ofrece una vista del cielo nocturno visto desde el asilo de Van Gogh en Saint-Remy-de-Provence en 1888, aunque pintó durante las horas del día. Van Gogh pintó la vista panorámica varias veces, pero La noche estrellada es la única pintura que captura la vista por la noche.
La pintura muestra un pueblo iluminado por luces. A la izquierda del pueblo hay altos cipreses que alcanzan hacia el cielo y a la derecha, olivos. Sobre la pacífica escena terrenal hay un cielo nocturno arremolinado iluminado por estrellas.
La noche estrellada (1889) de Vincent van Gogh, ubicada en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos; Vincent van Gogh, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esta es sin duda una de las pinturas más influyentes de Van Gogh. Quería asociarse con escenas rurales y naturales y buscó incorporar un elemento de magia y misterio en sus pinturas, que está presente en esta pintura.
Esta es una pintura postimpresionista clásica en el sentido de que es una clara perspectiva subjetiva que muestra un fuerte elemento de autoexpresión.
Las pinceladas crean un efecto de ensueño que de ninguna manera intenta reflejar la escena como le parecería al ojo sin filtro. Otras obras que pertenecen a Vincent van Gogh son Un campo de trigo con cipreses (1889) y Girasol (1888).
El Cristo Amarillo (1889) de Paul Gauguin
Esta pintura intenta capturar el sentimiento y la experiencia espiritual de varias mujeres bretonas en una gruta. Gauguin se inspiró en una cruz de madera que había encontrado, que es la característica central de esta pintura, sobre la cual Cristo cuelga. Rodeando la cruz hay tres campesinas arrodilladas.
La pintura está dominada por amarillos y se caracteriza por contornos gruesos y simplificación de la forma.
El Cristo Amarillo (1889) de Paul Gauguin; ubicado en la Galería de Arte Albright-Knox en Nueva York, Estados Unidos; Paul Gauguin, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Todas estas características están destinadas a aprovechar la energía de la experiencia espiritual de las mujeres, un ejemplo clásico del deseo de los postimpresionistas de transmitir emotividad y espiritualidad en sus pinturas más allá de la recreación del mundo físico visible.
La visión después del sermón (1888) por Paul Gauguin
La visión después del sermón es una de las más importantes de Gauguin pinturas al óleo famosas. Se encuentra en Edimburgo, en la Galería Nacional de Escocia. Esta pintura representa a un grupo de mujeres saliendo de una iglesia, después de haber escuchado un sermón sobre Jacob luchando contra el ángel, como se describe en Génesis (y se hace referencia nuevamente en Oseas) en la Biblia. Las campesinas en la pintura son testigos de la batalla angelical frente a sus ojos.
Esta superposición del reino mitológico con la representación de la escena ordinaria de una reunión de mujeres es un ejemplo de cómo los artistas postimpresionistas yuxtaponen elementos imaginales con escenas cotidianas, un rasgo característico de la empresa postimpresionista.
La visión después del sermón (Jacob luchando con el ángel) (1888) de Paul Gauguin, ubicada en la Galería Nacional Escocesa de Edimburgo, Escocia; Paul Gauguin, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esta pieza es también un ejemplo clásico del movimiento que se aleja de la inclinación impresionista hacia la falta de forma en sus pinturas. Así que en esta pintura, podemos presenciar un movimiento hacia áreas sólidas y bidimensionales de color y formas claramente definidas. Estas cualidades forman la columna vertebral de lo que Gauguin denominó el movimiento Synthesist, que se describe en detalle anteriormente en este artículo.
Los jugadores de cartas (1894 – 1895) de Paul Cézanne
The Card Players consiste en un conjunto de cinco pinturas al óleo de varios tamaños, que se completaron entre 1894 y 1895. Para prepararse para esta serie de pinturas, Cézanne hizo varios dibujos antes de completar las pinturas en sí mismas.
Este conjunto de pinturas fue creado en los últimos años de Cézanne como pintor.
Los jugadores de cartas (1894 – 1895) de Paul Cézanne, ubicado en el Museo de Orsay en París, Francia; Paul Cézanne, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En cada una de las pinturas, los hombres campesinos son representados profundamente inmersos en un juego de cartas. Según Wikipedia, este estado de ánimo algo sombrío es un desviación de la tradición holandesa y francesa de retratar tales juegos de cartas en el contexto de una atmósfera más estridente.
Otros artistas postimpresionistas clave
Como se indicó anteriormente, el término que se atribuye a los artistas dentro de este movimiento no tiene una definición estrecha y, como tal, el número de artistas pertenecientes a este grupo es enorme. El siguiente es un resumen de las principales figuras (entre otras) en este movimiento:
- Paul Cézanne (1839 – 1906)
- Odilon Redon (1840 – 1916)
- Henri Rousseau (1844 – 1910)
- Paul Gauguin (1848 – 1903)
- Vincent van Gogh (1853 – 1890)
- Cruz Henri-Edmond (1856 – 1910)
- Georges Seurat (1859 – 1891)
- Marius Borgeaud (1861 – 1924)
- Paul Signac (1863 – 1935)
- Georges Lemmen (1865 – 1916)
- Pierre Bonnard (1867 – 1947)
Plage à Heist (1891) de Georges Lemmen, ubicada en el Musée d’Orsay de París, Francia; Georges Lemmen, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La importancia del postimpresionismo
Este movimiento dejó su huella en el arte a lo grande. La frialdad del arte impresionista, con su búsqueda de la representación de la realidad objetiva, fue descongelada por la tenaz resolución postimpresionista de insertar algo de sus almas en sus pinturas. Al hacer esto, los límites del arte se rompieron y se introdujo un elemento más espiritual, convocando a mayores profundidades y agregando un poco de corazón a la obsesiva perspectiva impresionista.
Una de las personalidades más influyentes que hizo una contribución fundamental a la evolución de la pintura fue Paul Cézanne, teniendo un impacto en el cubismo, el expresionismo, el expresionismo abstracto y el fauvismo.
Los grandes plátanos (Road Menders en Saint-Rémy) (1889) de Vincent van Gogh, ubicado en el Museo de Arte de Cleveland en Ohio, Estados Unidos; Vincent van Gogh, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En términos generales, el arte producido por los artistas mencionados en este artículo (así como los muchos otros que pertenecieron a esta diversa gama de pintores) tuvo una fuerte influencia en el modernismo que surgió en los albores del siglo 20.
El modernismo apareció por primera vez a finales de la década de 1800 y tomó un nuevo impulso después de la Primera Guerra Mundial.
Esto fue informado en gran medida por un aumento en la filosofía, la psicología y la política, que desafió los cansados ideales victorianos que no tenían lugar en los tiempos cambiantes del siglo 20. Las pinturas postimpresionistas se convirtieron en el último legado restante de los impresionistas antes de que el fauvismo entrara en la escena artística. En última instancia, seguramente se puede decir que esta forma de arte tuvo una influencia significativa en el florecimiento del arte moderno y abstracto que más tarde tomó por asalto el mundo del arte.
No es fácil responder a la pregunta «qué es el postimpresionismo» reduciéndolo a un estilo o técnica particular. Sin embargo, algunos de los signos reveladores de este tipo de arte son el uso de pinceladas observables y el uso sin complejos del color. El énfasis está en el simbolismo y un elemento de subjetividad en las pinturas en lugar de detalles realistas, como fue el caso del impresionismo. A pesar de la fluidez del estilo en el trabajo de los artistas postimpresionistas, este movimiento jugó un papel en traer una mayor profundidad al arte, y también allanó el camino para desarrollos posteriores en el mundo del arte.
Preguntas Frecuentes
¿En qué se diferencia el postimpresionismo del impresionismo?
La principal diferencia entre estos dos movimientos artísticos se relaciona con el tema que, a su vez, afecta el estilo y la técnica utilizada. Los artistas impresionistas buscan pintar imágenes precisas de escenas naturales en términos del uso del color, con especial énfasis en representar la luz de la manera más objetiva posible. En contraste, el postimpresionismo (que vino después del impresionismo), adoptó un enfoque que permitió que la interpretación subjetiva y el sentimiento del artista afectaran la forma en que se representaba una escena. De esta manera, los postimpresionistas introdujeron la posibilidad de que su arte se conectara a un nivel más profundo con la audiencia.
¿Qué es el postimpresionismo como estilo?
Varios estilos formaban parte del movimiento artístico postimpresionista, que tenía diferentes cualidades. La principal consistencia entre los diferentes estilos fue la inclusión del simbolismo, subjetivo.y la autoexpresión de una manera que contradecía el énfasis impresionista en representar objetivamente la luz. Algunos de los estilos específicos que surgieron dentro de este movimiento en particular incluyeron el puntillismo, asociado con Georges Seurat; Primitivismo, como se ve en las obras de Jean-Jacques Rosseau; y el sintetismo, como lo usa Paul Gaugin.
¿Por qué era importante el postimpresionismo?
Aunque se puede decir que el predecesor de este importante movimiento artístico, el impresionismo, evoca una respuesta emocional en el espectador en su representación luminosa del mundo natural, el postimpresionismo introdujo un elemento de subjetividad y permitió al artista cierto grado de autoexpresión en las pinturas. Este toque personal creó una mayor profundidad, permitiendo una conexión más profunda entre el artista y el espectador. También fue importante porque influyó en el desarrollo posterior del arte, como el cubismo y el fauvismo.
¿Cuáles son las características del impresionismo?
Una de las características por las que el impresionismo es más conocido es su énfasis en capturar, y representar con el mejor grado de precisión que podría reunir, la luz en entornos naturales, sin ninguna interpretación del pintor. En otras palabras, los impresionistas trataron de ser lo más objetivos posible en su intento de transmitir luz. Por lo tanto, también se caracteriza por el color vibrante y su incapacidad para ajustarse al tema que definió el arte que ocupó el centro del escenario en años anteriores.
¿Quiénes son los postimpresionistas más famosos?
El postimpresionismo es un término muy amplio que se utiliza para agrupar obras de arte que surgieron como respuesta al arte impresionista, por lo que hay muchos artistas famosos cuyos estilos convergieron con este movimiento. Cézanne es a menudo referido como uno de los impresionistas más conocidos, ya que desempeñó un papel fundamental en el cubismo y tuvo una profunda influencia en el arte moderno. Aunque van Gogh luchó por hacerse un nombre durante su vida, se convirtió en uno de los postimpresionistas más famosos debido a su estilo único, color vibrante y calidad onírica de pinturas como La noche estrellada (1889).
¿Era Pablo Picasso un postimpresionista?
El postimpresionismo es un término amplio que se utiliza para describir una variedad de estilos que surgieron como un desafío a las técnicas y estilos empleados por el impresionismo. El apogeo de este movimiento artístico fue a finales del siglo 19. Si bien la vida útil de Picasso fue de 1881 a 1973 y su trabajo cayó dentro del marco postimpresionista, su trabajo es particularmente cubista en estilo y, por lo tanto, es más a menudo etiquetado como cubista que postimpresionista.
