¿Alguna vez te has preguntado cuáles son los bloques de construcción de una pintura? Ya sea que mire una obra maestra del Renacimiento como la Mona Lisa (c. 1503) o una pieza impresionista en Plein air de Claude Monet, se enfrentará a una composición visual de una escena o persona, que es realmente una combinación de elementos y principios artísticos. En este artículo, explicaremos cuáles son estos elementos del arte y los principios del diseño.
Los fundamentos: ¿Cuáles son los principios del arte?
Según el diccionario en línea Merriam-Webster, la palabra «principio» significa: «una ley, doctrina o suposición integral y fundamental», incluida «una regla o código de conducta». Por lo tanto, un principio se refiere a los aspectos fundamentales o reglas de algo.
En las artes visuales, se referiría a sus fundamentos o reglas, lo que nos lleva a la pregunta, ¿cuáles son los fundamentos de las artes visuales, o cuáles son los principios del arte? ¿Un conjunto de reglas que siguen los artistas que informan la composición? A menudo, estos también son criterios utilizados para analizar obras de arte.
La Gran Ola de Kanagawa (entre 1830 y 1832) de Katsushika Hokusai, ubicada en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos; Katsushika Hokusai, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Es importante tener en cuenta antes de explorar estos principios artísticos, que estos no deben confundirse con el elementos del arte, que se describen como las «herramientas visuales» que componen una obra de arte. Estos también se convierten en criterios por los cuales se analizan las obras de arte. También los veremos con más detalle a continuación.
Además, puede encontrar varias fuentes de arte que usan estos dos términos (elementos y principios) indistintamente.
Por lo tanto, tenlo en cuenta mientras haces lectura e investigación de arte, y recuerda sus diferencias y funciones dentro de las artes visuales. Intentaremos proporcionar las diferencias entre los dos y al mismo tiempo aplicar intencionalmente los términos indistintamente.
Los Principios del Arte Visión General
Ahora tenemos una comprensión de los elementos del arte, que describimos como casi como los colores de su paleta. La pregunta, «¿cuáles son los principios del diseño?» se relaciona directamente con los elementos del arte, y a medida que revisamos los principios del diseño en el arte, veremos cómo estos determinan el resultado general de la obra de arte. Estos casi se podían ver en sus pinceles, por así decirlo; cada pincel será único, proporcionando una función específica para unir la composición.
Hay varios principios del diseño en el arte, algunas fuentes lo exploran como 10, mientras que otras lo ven como seis o siete. Algunos también se pueden agrupar ya que los conceptos son similares, pero debe tenerse en cuenta que no debe confundirse con las similitudes cercanas de algunos.
A continuación describiremos ocho principios artísticos, con algunos agrupados, y una breve explicación de cada uno. Estos son, a saber, equilibrio, contraste / énfasis, movimiento, ritmo, variedad, unidad / armonía, patrón / repetición, proporción y escala.
Equilibrar
El equilibrio se trata del «peso compositivo de los elementos visuales», ya sea que estos se apliquen de tal manera que proporcionen el efecto de una distribución uniforme. Puede haber equilibrio simétrico, asimétrico y radial.
Simétrico se refiere a que ambos lados son iguales, o «se reflejan» entre sí. Asimétrico se refiere a que ambos lados tienen diferentes temas u objetos, pero hay un efecto equilibrado, sin embargo. El equilibrio radial significa que los elementos visuales se colocan «igualmente» alrededor de un «punto» centralizado en la composición.
La Última Cena (1495 – 1498) de Leonardo da Vinci, ubicada en Santa Maria delle Grazie en Milán, Italia; Leonardo da Vinci, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Contraste y énfasis
El contraste se refiere a las ubicaciones de diferentes elementos en una composición, por ejemplo, color, espacio, forma u otros. Al utilizar el contraste estratégicamente, transmitirá un sentido de énfasis, o de otra manera declarado; enfatizará un área determinada en la composición. Ver también «Notan» para un ejemplo de contraste.
El énfasis se refiere a un «punto focal» en una composición.
La llamada de San Mateo (1599 – 1600) de Caravaggio, ubicada en la Capilla Contarelli en Roma, Italia; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Movimiento y ritmo
El movimiento se trata de llevar el ojo al punto focal o sujeto central, o simplemente alrededor de la totalidad de la composición. Se logra organizando y aplicando varios elementos de tal manera que crea una sensación de dinamismo.
Algunos de los elementos artísticos que crean movimiento pueden ser la colocación de diferentes líneas.
El grito (1893) de Edvard Munch, ubicado en el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de Oslo, Noruega; Edvard Munch, dominio público, vía Wikimedia Commons
Estas líneas suelen ser diagonales o curvas, que se suman al color, el espacio, la forma y varios otros elementos. El ritmo se crea principalmente a través de la repetición de elementos o colocándolos en arreglos estampados.
Esto finalmente crea una sensación de movimiento en una composición.
Variedad
La variedad se trata básicamente de diferentes elementos en una composición que le da su singularidad. Proporciona un contraste continuo, o algunas fuentes describen el «caos», que involucra al espectador y mantiene un nivel de interés y asombro por la composición; evoca emoción y expresión.
Es importante destacar que la variedad también debe utilizarse de manera equilibrada para no crear demasiado de ella que le reste belleza o narrativa a la composición, o demasiado poco que cree una sensación de aburrimiento o confusión en el significado.
Pilas de trigo (Finales de verano) (entre 1891 y 1897) de Claude Monet, ubicada en el Instituto de Arte de Chicago en Chicago, Estados Unidos; Claude Monet, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Unidad y armonía
Aunque este principio puede parecer Equilibrio, hay una ligera diferencia en sus implicaciones. Ambos términos, unidad y armonía, se pueden ver de manera similar y diferente, lo que puede hacerlo confuso.
Si nos fijamos en sus similitudes, ambos pueden referirse a cómo todos los elementos visuales de una composición trabajan juntos, por así decirlo. En otras palabras, ¿todos los elementos visuales se complementan entre sí? ¿Hay elementos visuales desordenados?
Una tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte (entre 1884 y 1886) de Georges Seurat, ubicado en el Instituto de Arte de Chicago en Chicago, Estados Unidos; Georges Seurat, dominio público, vía Wikimedia Commons
Lo que puede diferenciar los términos es que Harmony se relaciona con cómo se usan los elementos de arte en conjunción, que puede ser a través de la repetición o el ritmo, en última instancia, es lo opuesto a Variety y la idea de caos, proporciona una sensación de «calma» o «flujo».
La unidad también se puede describir como relacionada con toda la coherencia compositiva, ya sea que use principios de variedad y armonía.
Patrón y repetición
Los patrones son elementos artísticos colocados en arreglos o secuencias repetidas, ya sean de líneas, colores, formas u otros. Esta repetición en una composición puede crear varios efectos, por ejemplo, la idea de movimiento, textura, unidad o equilibrio.
Proporción
La proporción se refiere a cómo las partes de un objeto en una composición se relacionan entre sí debido a su tamaño o forma, por ejemplo, el ojo de una figura puede estar en proporción con el resto de su cara, también puede ser demasiado pequeño o demasiado grande.
Esto creará énfasis o diferentes efectos visuales.
Hombre de Vitruvio (c. 1492) de Leonardo da Vinci, ubicado en la Gallerie dell’ Accademia de Venecia, Italia; Leonardo da Vinci, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Escama
En los principios del diseño en el arte, es importante no confundir escala con proporción. La escala se relaciona con el tamaño del objeto dentro de la composición en comparación con todos los demás objetos. Por ejemplo, una figura de pie junto a un edificio, que será a escala si se representa con precisión en términos de cómo se vería en la vida real o como afirman algunas fuentes de arte, «típicamente el tamaño de la obra de arte para el cuerpo del espectador».
Los siete elementos del arte
| Elemento de arte | Características | Ejemplos de obras de arte |
| Color | Vemos el color como luz reflejada que rebota en los objetos que nos rodean.
El color tiene tres características: tono, valor e intensidad. Hay primarios, secundarios y colores terciarios en la rueda de colores. | Composición VII (1913) de Wassily Kandinsky |
| Forma | La forma es tridimensional con volumen, que incluye altura, profundidad y anchura.
Incluye formas como cubos, esferas y conos. Las formas pueden ser orgánicas o geométricas. | David (1501 a 1504) por Miguel Ángel
Galatea de las esferas (1952) de Salvador Dalí |
| Línea | Hay líneas verticales, horizontales y diagonales.
Las líneas pueden ser gruesas, delgadas, curvas, rectas o estampadas para enfatizar una forma. | El Noche estrellada (1889) de Vincent van Gogh
Composición con rojo, amarillo y azul (1929) de Piet Mondrian |
| Valor | El valor es la luminosidad u oscuridad de un color.
También conocido como «luminosidad». | Melancolía I (1514) por Alberto Durero |
| Forma | La forma es bidimensional y tiene anchura y longitud.
Incluye círculos, cuadrados, rectángulos o pirámides. Las formas pueden ser orgánicas o geométricas. | Tres músicos (1921) de Pablo Picasso
Cuadrado Negro (1915) de Kazimir Malevich |
| Espacio | El espacio es la distancia entre o alrededor de los objetos.
El espacio puede ser positivo o negativo, abierto o cerrado. El espacio también retrata la perspectiva y la profundidad. | Los cazadores en la nieve (1565) por Pieter Brueghel el Viejo
Cátedra (Cannes) (1961) de Pablo Picasso |
| Textura | La textura se refiere a la «calidad de la superficie» de una obra de arte.
La textura se puede sentir en la vida real o retratarse a través de la ilusión de ella mediante el uso de pintura u otros medios. | Magdalena penitente (1453 a 1455) por Donatello
El retrato de Arnolfini (1434) por Jan van Eyck |
Comencemos con los siete elementos del arte. Como explicamos anteriormente, estas son las «herramientas visuales» utilizadas para componer una pintura. Piense en ellos como los colores de su paleta, ya que cada uno ofrece una calidad única, lo que le da a su composición su forma, por así decirlo.
Hay siete elementos del arte, a saber, color, forma, línea, valor, forma, espacio y textura. Estos son importantes de entender al ver una pintura o crear una pintura. Repasaremos cada uno de estos con más detalle a continuación.
Color
El color es un elemento importante en artes visuales porque crea efectos significativos, no solo visualmente, sino también psicológicamente. Hay una ciencia para colorear y muchos grandes artistas también han celebrado la magia inherente del color, solo piense en Wassily Kandinsky o Piet Mondrian, por nombrar algunos.
El color ofrece un amplio espectro, así que comencemos primero con cómo funciona con la luz, ya que esto proporcionará un poco de contexto cuando miremos una obra de arte. El color llega a nuestros ojos en forma de luz reflejada, que «rebota» en los objetos que nos rodean.
Hay tres aspectos o elementos principales relacionados con el color, a saber, el tono, el valor y la intensidad (esto también se conoce a veces como saturación o croma). El tono se relaciona con el color del color, por así decirlo, por ejemplo, el tono es azul, verde o púrpura.
Composición VII (1913) de Wassily Kandinsky, ubicada en la Galería Tretyakov en Moscú, Rusia; Wassily Kandinsky, dominio público, vía Wikimedia Commons
El valor se relaciona con la «ligereza» del color; su ligereza como el blanco o su oscuridad como el negro, y todos los demás colores intermedios. Si se agrega un blanco a un color, se conoce como un «tinte» y el valor del mismo se vuelve más claro, y a la inversa, si se agrega negro a un color, se convierte en un «tono» y el valor se vuelve más oscuro.
La intensidad se relaciona con lo brillante o opaco que aparece un color. Esto a menudo también se puede confundir con el valor, pero el factor distintivo entre los dos es que la intensidad, también conocida como saturación, se refiere al brillo del color. Sin embargo, si el valor del color es más claro, la intensidad del color también disminuirá y viceversa.
La rueda de colores es otro aspecto importante e incluye los colores primario, secundario y terciario. Los colores primarios consisten en rojo, azul y amarillo y los colores secundarios consisten en púrpura, naranja y verde.
Estudio de color: cuadrados con concentraciónic Circles (1913) de Wassily Kandinsky, ubicada en la Stadtische Galerie de Múnich, Alemania; Wassily Kandinsky, dominio público, vía Wikimedia Commons
Los colores entre primario y primario colores secundarios se conocen como colores «intermedios», a saber, amarillo-verde, amarillo-naranja, rojo-naranja, rojo-púrpura / violeta, azul-verde y azul-púrpura / violeta. Es importante tener en cuenta aquí que estos colores intermedios también se llaman a veces colores terciarios.
Sin embargo, varias fuentes en línea afirman que los colores terciarios son, de hecho, la combinación de dos colores secundarios y no los colores intermedios, que son una combinación de colores primarios y secundarios, evidentes en la rueda de colores.
Valor
El valor es otro elemento de art estrechamente relacionado con el color. Como mencionamos anteriormente, el valor se refiere a la ligereza y la oscuridad de cualquier color. Otro término que se relaciona con el valor es también «luminosidad». Para una mejor comprensión de cómo funciona realmente el valor, puede ver una imagen en una escala de grises, en la que habrá áreas más claras y oscuras.
Esto da una indicación de las áreas de color más claras y oscuras. Otro término utilizado aquí es «contraste», que se refiere a la diferencia entre las áreas más claras y más oscuras.
Melencolia I (1514) de Alberto Durero, ubicada en el Instituto de Arte de Minneapolis en Minneapolis, Estados Unidos; Alberto Durero, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Línea
Línea en el arte visual se considera uno de los elementos más importantes y, parafraseando, se describe típicamente como una marca que se mueve en el espacio entre dos puntos. Hay diferentes tipos de líneas, a saber, verticales, horizontales y diagonales.
Las líneas también pueden aparecer gruesas, delgadas, curvas, rectas, cortas, largas o estampadas, lo que crea efectos variables en una composición.
Composición II en rojo, azul y amarillo (1930) de Piet Mondrian, ubicada en la Kunsthaus Zürich en Zúrich, Suiza; Piet Mondrian, dominio público, vía Wikimedia Commons
Por ejemplo, el movimiento, la profundidad, el sombreado, la perspectiva, así como enfatizar una forma o «contorno» se pueden crear con la línea. Esto es visible si observamos ejemplos de artistas que aplicaron contornos oscuros gruesos a las formas de la Movimiento artístico expresionista.
Algunos artistas notables que hicieron uso de líneas gruesas son Edvard Munch y Vincent van Gogh.
Forma
La forma como elemento de arte se refiere a la tridimensionalidad de un objeto, generalmente se describe como que tiene volumen, que comprende ancho, alto y profundidad. También se representa a través de otros elementos como variaciones de color y líneas para indicar un contorno o contorno.
Además, en el arte visual, generalmente estamos viendo una superficie bidimensional, por lo tanto, una forma crea la «ilusión» de la tridimensionalidad.
David (1501 – 1504) de Miguel Ángel, ubicado en la Galleria dell’ Accademia en Florencia, Italia; Michelangelo, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Hay diferentes tipos de formas, a saber, formas orgánicas y geométricas. Las formas orgánicas pueden originarse en la naturaleza y son más aleatorias y asimétricas; Las formas geométricas se describen como «matemáticas», es decir, el cilindro, el cubo, el cono o la pirámide y la esfera.
Forma
La forma se relaciona estrechamente con la forma, pero la principal diferencia es que una forma se refiere a la bidimensionalidad. A menudo se describe como «plano», con solo longitud y anchura, y no tiene la misma apariencia de volumen que tiene una forma. Del mismo modo, las formas también se pueden agrupar bajo las categorías, geométricas u orgánicas.
La forma da el contorno de un objeto, que esencialmente comprende líneas.
Plaza Negra (1915) de Kazimir Malevich, ubicada en la Galería Tretyakov en Moscú, Rusia; Kazimir Malevich, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Hay diferentes tipos de formas, a saber, círculo, cuadrado, triángulo, rectángulo, ovalado y otros. Un hecho divertido sobre estas formas es cuando se convierten en formas, por ejemplo, un círculo se convierte en una esfera, un triángulo se convierte en un cono y un cuadrado se convierte en un cubo, y así sucesivamente.
Otra técnica artística que transmite formas es el uso del espacio positivo y negativo.
Espacio
El espacio a menudo se describe como la «distancia» ya sea «dentro», «alrededor» o «entre» el espacio compositivoe, que puede ser un lienzo, un espacio escultórico o cualquier otra forma de arte. También hay diferentes tipos de espacio, a saber, positivo, negativo y espacio abierto y cerrado.
El espacio positivo es el objeto o sujeto en sí en la obra de arte, por ejemplo, si se dibuja un par de tijeras, el espacio positivo sería el par de tijeras. El espacio negativo es el espacio alrededor del sujeto, en este caso, el par de tijeras y el área en los bucles de las tijeras constituirían el espacio negativo.
Los cazadores en la nieve (1565) de Pieter Brueghel el Viejo, ubicado en el Kunsthistorisches Museum de Viena, Austria; Pieter Brueghel el Viejo, dominio público, vía Wikimedia Commons
Esto es como espacios abiertos y cerrados, donde el objeto estaría en el espacio cerrado y el espacio abierto estaría a su alrededor. El espacio también se transmite cuando una composición se separa en partes, especialmente cuando se analiza una pintura y se describe el tema en términos de sus disposiciones espaciales, que pueden estar en primer plano, término medio o fondo, superior, inferior, izquierdo o derecho.
Además, el espacio se transmite en el arte a través de variaciones de profundidad, también conocidas como perspectiva, y proporción a la que se hace referencia por tamaño.
Textura
La textura tiene que ver con el sentimiento, y generalmente hay dos formas principales en que se transmite en el arte visual, a saber, en la vida real o en el espacio tridimensional, por ejemplo, esculturas o la sensación «táctil» de la pintura en un lienzo, por ejemplo, a través de la técnica «impasto», donde la pintura se texturiza físicamente en el lienzo.
La otra forma en que se puede mostrar la textura es a través de la sugestión o la «ilusión» de textura en un espacio bidimensional.
El Retrato de Arnolfini (1434) de Jan van Eyck, ubicado en la National Gallery de Londres, Reino Unido; Jan van Eyck, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esto se hace utilizando varias técnicas con pintura, lápiz o bolígrafo en un lienzo o pedazo de papel. Ambos se refieren a lo que se describe como la «calidad de la superficie» de una obra de arte. La textura da carácter a una forma de arte y crea efectos psicológicos para nosotros, los espectadores cuando nos involucramos con ella.
Reuniéndolo todo
En el artículo anterior exploramos los siete principios del arte, que hemos notado que también se conoce como el elemento del arte. Sin embargo, es importante recordar la diferencia entre los elementos del arte y los principios del diseño, por así decirlo.
Los elementos del arte se pueden ver como los colores en su paleta, y los principios del diseño se pueden ver como los diferentes pinceles. Al aplicar cada color, o elemento de arte, con un pincel específico, o principio de arte, creará un todo compositivo.
Lea también nuestra historia web de Principios de Artes.
Preguntas Frecuentes
¿Cuáles son los principios del diseño?
Hay varios principios del diseño en el arte, que se pueden aplicar para crear ciertos efectos visuales y sentimientos. Estos son el equilibrio, el contraste / énfasis, el movimiento, el patrón / repetición, la proporción, el ritmo, la escala, la unidad / armonía y la variedad.
¿Cuál es la diferencia entre los elementos del arte y los principios del diseño?
Los elementos del arte y los principios del diseño son diferentes, pero a veces los términos se usan indistintamente. Los elementos del arte se describen como herramientas visuales para composiciones artísticas, y los principios del diseño en el arte tienen que ver con cómo se utilizan estos elementos.
¿Cuáles son los siete principios del arte?
Comúnmente hay siete elementos de arte. Estos han sido descritos de diferentes maneras; algunas fuentes se refieren a ellos como los bloques de construcción para composiciones artísticas, mientras que otras fuentes los han descrito como las herramientas visuales utilizadas para crear composiciones. Estos son los siguientes: color, forma, línea, textura, forma, espacio y valor.
