Los artistas han empujado los límites de lo que percibimos como arte durante siglos. Cada nuevo movimiento artístico suscitó controversia en el momento de su creación. Sin embargo, pocos han puesto patas arriba el mundo del arte como el arte prefabricado. Más de un siglo después, los espectadores todavía están confundidos y fascinados por el arte prefabricado y cómo redefinió la noción misma de arte.
Una breve historia del arte readymade
Muchos pueden hacer la pregunta: «¿Qué es el arte readymade?» Es el proceso de tomar un día a día objeto funcional, preferiblemente sin un valor estético claro y reutilizándolo como arte. El arte readymade no requiere reelaboración.
A veces se combinan objetos, pero el punto es dejarlos lo más intactos posible.
Los orígenes del arte readymade
Para comprender completamente la idea del arte prefabricado, es mejor mirar sus orígenes. Un francés llamado Marcel Duchamp desarrolló el movimiento de arte readymade en la década de 1910. Duchamp fue un pintor, que participó principalmente en el impresionista y Movimientos cubistas de finales del siglo 19 y principios del siglo 20. Aunque tuvo algo de éxito, llegó a la conclusión de que no cambiaría el mundo si continuaba participando en estos movimientos. Así, fue en busca de nueva inspiración.
En 1913, Duchamp exhibió su primera «Rueda de bicicleta» prefabricada al público. La escultura prefabricada consistía en una rueda de bicicleta unida a la parte superior de un taburete de madera.
Aunque esto causó malestar entre los críticos de arte, no causó un escándalo de la misma manera que The Fountain (1917). La Fuente, que implicaba un urinario de porcelana girado de lado y firmado con el seudónimo de Duchamp «R. Mutt», causó conmoción y disgusto entre el público en general.
Fuente por Marcel Duchamp, reproducido en El ciego, Nº 2, Nueva York, 1917; Man Ray, CC0, vía Wikimedia Commons
Irritar al público era exactamente la intención de Duchamp, ya que el propósito de The Fountain era ser estimulante. Muchos acreditan sus esculturas como un precursor de arte conceptual, que no solo es común sino muy elogiado en nuestra sociedad moderna. El deseo principal del artista readymade era redefinir la noción de arte y lo que significaba ser un artista.
Deseaba hacer que el arte fuera menos visual y más cerebral, y dio importancia al concepto de la pieza de arte sobre su representación visual real. Duchamp había tomado un objeto, lo había librado de su intención original y lo había llamado arte.
Y así, era arte. Pidió que el público tratara de olvidar que La Fuente era originalmente un urinario, y eliminara todo el simbolismo que habían unido al objeto original para verlo como un objeto neutral. Esto es algo con lo que muchos espectadores y críticos de arte lucharon inmensamente. Para tratar de ayudar al público a comprender sus obras de arte, Duchamp definió el proceso de creación de arte readymade de la siguiente manera.
El primer paso fue elegir el objeto, para él este era un acto tan creativo como la pintura. Trató de elegir objetos que fueran lo más banales posible y que no pudieran considerarse ni bellos ni feos. Entonces uno debe eliminar sus habilidades prácticas. Por ejemplo, al conectar una rueda de bicicleta a una silla, como en Bicycle Wheel, uno no puede andar en bicicleta ni sentarse en la silla. Al eliminar su función prevista, uno cambia lo que es el objeto. Finalmente, al firmarlo y darle un título, le das al objeto un nuevo significado, convirtiéndolo así en una obra de arte.
Las esculturas de Duchamp también cambiaron lo que significaba ser un artista. Duchamp no fabricó sus esculturas; simplemente combinó o mostró los objetos.
¿Significaba esto que no era un artista? Y si no, ¿el fabricante de los objetos era considerado entonces un artista? Muchas personas encontraron este proceso de pensamiento controvertido y difícil de aceptar. Durante su vida, Duchamp creó 13 piezas de arte readymade. Sin embargo, las esculturas prefabricadas de Duchamp no son las únicas obras existentes de arte prefabricado. Desde el comienzo del movimiento, ha habido muchos más artistas readymade. En nuestros días, el arte en el que el concepto es más importante que lo visual es bastante común.
Famosos artistas readymade
Los artistas readymade de principios de 1900 eran una multitud pequeña y ecléctica. La ciudad de Nueva York era un centro creativo lleno de artistas de todos los orígenes y etnias. Movimientos de vanguardia como el dadaísmo harinaished aquí debido a su crisol y sociedad bastante liberal.
Aunque ha habido muchos artistas listos para usar a lo largo de los años, los tres disgustados a continuación fueron muy influyentes y todos formaron parte de la escena dada de Nueva York.
Baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven (1874 – 1927)
| Fecha de nacimiento | 12 de julio de 1874 |
| Fecha de fallecimiento | 14 de diciembre de 1927 |
| Nacionalidad | Alemán |
| Obras célebres | Dios (1917)
Cathédrale (c. 1918) |
Nació como Else Hildegard Plötz el 12 de julio de 1874 en Swinemünde, Alemania. Von Freytag-Loringhoven fue muy progresista y es conocida como una de las mujeres más controvertidas de su tiempo. Sus ideales feministas y antipatriarcales comenzaron a una edad temprana. Esto es probable porque su padre Adolf Plötz era muy controlador, lo que la hizo rebelarse contra cualquier forma de autoridad masculina. Sin embargo, Von Freytag-Loringhoven era muy cercana a su madre.
Su madre a menudo reutilizaba artículos encontrados, algo que tendría una gran influencia en su arte más adelante.
Cuando era joven, Von Freytag-Loringhoven se formó como intérprete y participó en actuaciones de vodevil en toda Europa. Luego estudiaría arte en una institución en Dachau. Durante estos tiempos, estas ocupaciones no se consideraban apropiadas para mujeres jóvenes admirables. Sin embargo, esto molestó muy poco a Von Freytag-Loringhoven y fue solo el comienzo de su carrera rebelde y poco convencional.
Retrato de la baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven (antes de 1900), artista y poeta dadaísta; Autor desconocidoAutor desconocido, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Von Freytag-Loringhoven no tuvo mucha suerte en el amor. En 1901, se casó con August Endell, un arquitecto alemán. Tuvieron un matrimonio poco convencional en el que se les permitió perseguir otros intereses amorosos, algo muy escandalizado en ese momento. Uno de esos intereses amorosos fue el amigo de Endell y novelista canadiense, Fredrick Philp Grove. Durante un tiempo, las cosas fueron armoniosas, con los tres incluso yendo de vacaciones juntos. Sin embargo, esta armonía no duró mucho y los dos se divorciaron en 1906.
Von Freytag-Loringhoven se casó con Grove al año siguiente. Sin embargo, su felicidad tampoco duró mucho. En 1909, Grove se encontró con una deuda financiera en Alemania. Por lo tanto, los dos organizaron su suicidio para que pudiera escapar a los Estados Unidos y comenzar una nueva vida libre de deudas.
Von Freytag-Loringhoven se unió a él en los Estados Unidos un año después para no causar sospechas. Allí dirigieron una granja en Kentucky por un corto tiempo.
Fotografía de 1900 de la baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven actuando; Bain News Service, editor, dominio público, vía Wikimedia Commons
Sin embargo, no pasó mucho tiempo antes de que Grove abandonara von Freytag-Loringhoven. En 1913, conoció y se casó con el barón alemán, Leopold von Freytag-Loringhoven. Los dos se mudaron a la ciudad de Nueva York, que es cuando su carrera como artista realmente despegó. Ella modeló, como se puede ver en algunas de las fotografías de Man Ray en ese momento. Sin embargo, sus principales aspiraciones eran como poeta y artista.
Aunque tenía una enorme colección de poesía, muy poco se publicó o realizó hasta hace poco. En 2011, se publicó una colección de sus poetas titulada Body Sweats: The Uncensored Writings of Elsa von Freytag-Loringhoven. Su poesía progresista ahora podía ser apreciada en una época en la que a las mujeres se les permitía tener una voz.
Con respecto a su arte, fue más conocida por crear una forma de arte prefabricado conocida como ensamblajes.
La mayor parte de su arte fue creado con artículos desechados que encontró en las calles de Nueva York. Sus esculturas eran muy conceptuales y estimulantes. A menudo retrataban mensajes anticonsumistas y antipatriarcales, lo que la llevó a ser una figura muy controvertida en ese momento.
Uno de sus ejemplos de arte prefabricados más famosos se tituló «Dios» (1917) y presentaba una trampa de drenaje de hierro fundido montada en una caja. Muchos creen que fue creado en referencia a la cita de Duchamp, que decía: «El único mundo del arte que Estados Unidos ha dado son sus tuberías y sus puentes».
Otros piensan que fue hecho para parecerse a una forma fálica retorcida, criticando así la naturaleza patriarcal de la sociedad. En el mismo año, Duchamp creó The Fountain. Muchos creen que la idea detrás del readymade y el seudónimo «R. Mutt» en realidad pertenece a von Freytag-Loringhoven. Sin embargo, debido a que era una mujer, no obtuvo reconocimiento por ello. Alrededor del año 1918, von Freytag-Loringhoven creó unotro de sus readymades más famosos Cathédrale.
Dios (1917) de la baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven y Morton Livingston Schamberg, grabado en gelatina de plata ubicado en el Museo de Bellas Artes de Houston, Estados Unidos; Morton Livingston Schamberg, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La escultura consistía en una pieza de madera dentada que von Freytag-Loringhoven había encontrado y montado en un bloque de madera. Se decía que el trozo de madera representaba uno de los muchos rascacielos que emergían en Nueva York.
Se inspiró en el Edificio Woolworths, terminado no mucho antes, que llegó a ser conocido como la «Catedral del Comercio». La escultura de Von Freytag-Loringhoven era un comentario sobre la forma en que el capitalismo se había convertido en la nueva religión de la sociedad. En la década de 1920, von Freytag-Loringhoven regresó a Alemania en busca de más oportunidades de trabajo. Sin embargo, encontró que el país al que llegó era muy diferente del que había dejado. La economía de Alemania había sido devastada por la Primera Guerra Mundial, así como las reparaciones que tuvieron que pagar posteriormente.
Aquí vivió en una pobreza abyecta, apoyada financieramente por amigos como la famosa coleccionista de arte Peggy Guggenheim.
Fotografía de Claude McRay (es decir, McKay) y la baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven, antes de 1928; Bain News Service, editor, dominio público, vía Wikimedia Commons
Su salud mental le fue mal como resultado y muchos creyeron que se había vuelto loca. Cerca del final de la década de 1920, von Freytag-Loringhoven se mudó a París y su situación pareció mejorar. Sin embargo, no estuvo allí mucho antes de morir en diciembre de 1927. Su muerte fue causada por inhalación de gas. No se sabe si esto fue el resultado de un suicidio o simplemente un horrible accidente. Tenía solo 53 años en el momento de su fallecimiento, pero ya había vivido una vida plena y tumultuosa.
El impacto que tuvo en el mundo del arte no se ha perdido. En todo caso, sus esfuerzos se entienden y aprecian mejor en la actualidad.
Marcel Duchamp (1887 – 1968)
| Fecha de nacimiento | 28 de julio de 1887 |
| Fecha de fallecimiento | 2 de octubre de 1968 |
| Nacionalidad | Francés |
| Obras célebres | Escalera descendente desnuda No. 2 (1912)
Rueda de bicicleta (1913) Botellero (1914) Fuente (1917) Étant Donnes (1966) |
Marcel Duchamp nació como Henri-Robert-Marcel Duchamp el 28 de julio de 1887 en Blainville-Crevon, Francia. Duchamp provenía de una familia muy artística. Sus padres lo alentaron a él y a sus hermanos a participar en actividades culturalmente enriquecedoras e intelectualmente estimulantes desde una edad temprana. De los siete hijos de Duchamp, cuatro, incluido Marcel, seguirían carreras en el arte. Cuando era niño, Duchamp se destacó en el arte, así como en las matemáticas, mientras estaba en la escuela. Sin embargo, no era el estudiante más enfocado. Aunque era un artista talentoso, a menudo se aburría de sus lecciones formales de dibujo.
Se dice que aprendió mucho más sobre arte de su hermano, Jacques Villon, a quien admiraba mucho.
Como pintor, tuvo bastante éxito. Pudo exponer sus obras en el Salon d’Automne en 1908 y de nuevo en el Salon des Independents en 1909. Su primera pintura en obtener algo de conversación se llamó Sad Young Man on a Train (c. 1911). Fue una combinación inusual de cubismo y Futurismo, con énfasis en el movimiento y la forma.
Los tres hermanos Duchamp, de izquierda a derecha: Marcel Duchamp, Jacques Villon y Raymond Duchamp-Villon en el jardín del estudio de Jacques Villon en Puteaux, Francia, 1914. Fotografía ubicada en las Colecciones de la Institución Smithsonian en Washington D.C., Estados Unidos; Fotógrafo no identificado, dominio público, vía Wikimedia Commons
En 1912, expuso una de sus pinturas más famosas y controvertidas, Escalera descendente desnuda No. 2. Esta es una de las últimas pinturas que Duchamp produjo. Se dice que la noche de su exposición en el Salon des Independents, el artista Albert Gleizes trató de persuadir a los hermanos de Duchamp para que lo desalentaran de presentar la pieza. Pidió que al menos se cambiara el título. Sin embargo, Gleizes no tenía influencia real y, por lo tanto, la pintura se exhibió sin cambios. Sin embargo, este incidente disuadió a Duchamp de exponer con otros artistas.
En 1913, Duchamp creó «Bicycle Wheel», en la que montó una rueda de bicicleta en un taburete. Aunque esto más tarde se convertiría en uno de los más famosos readymade art examples, su intención no era para la exhibición.
Duchamp disfrutó de su naturaleza táctil y la creó simplemente para divertirse. Sin embargo, un año más tarde produjo su primera escultura intencional prefabricada Bottle Rack (1914). El mismo año en que se creó bottle Rack, estalló la Primera Guerra Mundial. Duchamp pudo evitar ser reclutado debido a problemas con su corazón. Sin embargo, muchos de sus amigos y hermanos fueron enviados a la guerra, lo que lo llevó a sentirse solo. En este momento, algunas de sus pinturas comenzaron a ganar popularidad en los Estados Unidos.
Marcel Duchamp’s Fuente (1917), fotografiado por Alfred Stieglitz en la galería de arte 291 después de la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes de 1917, con etiqueta de entrada visible. El telón de fondo es Los Guerreros por Marsden Hartley; Marcel Duchamp, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Nude Descending Staircase No. 2 fue considerado especialmente controvertido. Esta reputación internacional recién descubierta permitió que se vendieran varias de las pinturas de Duchamp. Con el dinero que ganó de sus pinturas, Duchamp decidió mudarse a la ciudad de Nueva York.
En 1917, Duchamp produjo uno de sus ejemplos más famosos de arte prefabricado siguiendo los principios del movimiento dadaísta. «The Fountain» era un urinario de porcelana que Duchamp había girado hacia los lados y firmado con uno de sus seudónimos «R. Mutt».
Para indignación de muchos dadaístas, a Duchamp se le prohibió exhibir La Fuente en la Sociedad de Artistas Independientes. Aunque no había jueces para decidir qué arte se podía exhibir, La Fuente no se consideraba una obra de arte.
A pesar de que el arte de Duchamp fue muy criticado, tenía un pequeño pero devoto seguidor para quien continuó produciendo obras. Por lo tanto, pasaría a producir 13 obras de arte prefabricado en total. Incluido en esto estaba L.H.O.O.Q (1919), una impresión de la Mona Lisa (c.1503) de Leonardo da Vinci, sobre el que Duchamp pintó un bigote y barba. El título es un juego de fonética en el que la letra deletreada suena como la frase francesa, «Elle a chaud au cul», que significa estar sexualmente excitado.
Durante la década de 1920, Duchamp se tomó un descanso del mundo del arte y se convirtió en un jugador de ajedrez profesional y periodista de ajedrez.
También co-publicó un libro sobre ajedrez con el famoso teórico del ajedrez Vitaly Halberstadt llamado L’opposition et cases conjuguées sont réconcielées. Participó en muchas competiciones de ajedrez como el Campeonato de Francia y la Olimpiada de Ajedrez. El ajedrez lo cautivó por completo de una manera que el arte no lo había hecho. Se dice que estaba tan obsesionado con el ajedrez que su primera esposa Lydie Sarazin-Lavassor pegó sus piezas de ajedrez a su tablero para que se viera obligado a tomar un descanso.
Una réplica inexacta de Duchamp Fuente, ubicada en la Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno en Edimburgo, Escocia; Kim Traynor, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
En la década de 1960, el trabajo de Duchamp fue redescubierto y repopularizado. Sus esculturas prefabricadas influyeron en el trabajo de muchos artistas nuevos en la escena, como Jasper Johns. En 1966, la Tate Gallery de Londres celebró la mayor exposición de sus obras de la historia. Después de esto, muchas otras galerías de todo el mundo también realizaron exposiciones para mostrar su arte.
Su nueva popularidad lo impulsó a producir una obra final. Su pintura «Étant Donnes» (1966), muestra un desnudo sin rostro acostado en la hierba sosteniendo una lámpara de gas. Estaba pintado como si el público estuviera viendo la escena a través de una mirilla.
Esta fue la última obra de arte que Duchamp creó. Dos años después de Étant Donnes, Duchamp falleció a la edad de 81 años. Murió en su estudio en Neuilly-sur-Seine, en Francia, de un ataque cardíaco repentino y fatal. Se dice que sus últimos días en la tierra estuvieron llenos de alegría y que su vida emocionante y única se encontró con un final pacífico. Su legado perdura hasta nuestros días y sus obras se consideran una contribución vital al arte conceptual.
Man Ray (1890 – 1976)
| Fecha de nacimiento | 27 de agosto de 1890 |
| Fecha de fallecimiento | 18 de noviembre de 1976 |
| Nacionalidad | Americano |
| Obras célebres | Enigma de Isidoro Ducasse (1920)
Objeto a ser destruido (1923) Lágrimas de cristal (1923) Le Violon d’Ingres (1924) |
Hombre Ray nació como Emmanuel Radnitzky el 27 de agosto de 1890 en Filadelfia, Pensilvania. Sus padres eran judíos rusos que emigraron a los Estados Unidos antes de theiNacieron cuatro hijos. En 1912, para evitar ser víctimas del creciente antisemitismo de la época, cambiaron oficialmente su apellido de Radnitzky a Ray.
Se sabe muy poco sobre la familia y la vida de Man Ray antes de tomar el nombre de Man Ray. Es probable que esto intente distanciarse de su herencia para escapar de la discriminación. Sin embargo, sí sabemos que su padre era sastre y trabajaba en una fábrica de ropa. A su madre también le encantaba diseñar ropa para la familia, creando diseños de patchwork a partir de piezas de tela de desecho.
A pesar de que Man Ray trató de ocultar su parentesco, los motivos de costura son muy prominentes a lo largo de su trabajo.
Fotografía de Man Ray en la exposición Théâtre de la Gaîté-Montparnasse en París por Carl Van Vechten el 16 de junio de 1934; Carl Van Vechten, dominio público, vía Wikimedia Commons
Man Ray creció en la ciudad de Nueva York, por lo que tuvo una amplia oportunidad de visitar galerías de arte durante su juventud. Estaba muy inspirado y a menudo intentaba dibujar las famosas obras de arte que veía para practicar sus habilidades de dibujo. Aunque sus padres estaban preocupados por su deseo de seguir una carrera artística, todavía lo apoyaban.
Mientras pintaba, Man Ray también hizo trabajos independientes como ilustrador técnico para varias compañías diferentes en Nueva York. Esto le pagó lo suficiente para apoyar su arte y le permitió realizar la primera exposición de su trabajo en 1915. En esta exposición, mostró principalmente pinturas. Sin embargo, continuaría explorando una variedad de medios que incluyen escultura, fotografía y cine.
A principios de la década de 1920, después de hacerse amigo de Marcel Duchamp, Man Ray probó suerte para ser un artista ya hecho.
En 1920, produjo Enigma de Isidore Ducasse, que era una máquina de coser envuelta en tela marrón y asegurada con cuerda. Al año siguiente creó Gift (1921), que consistía en una plancha con alfileres de metal unidos a ella. En 1923, creó uno de sus ejemplos readymade más famosos, Object to Be Destroyed, un metrónomo con una imagen de un ojo unido a él. Este readymade se exhibiría más tarde en la primera exposición surrealista en París, junto a Picasso.
Man Ray también se mudó a París en la década de 1920. Aquí se instaló en la escena artística bohemia allí. En esta época el cine y la fotografía eran su medio favorito de salida creativa.
Comenzó a experimentar con fotogramas sin cámara que llamó «rayógrafos». Su fotografía de esta época incluye los retratos de artistas y escritores famosos como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Gertrude Stein y James Joice.
Le Violon d’Ingres (Violín de Ingres) (1924) de Man Ray; Man Ray, dominio público, vía Wikimedia Commons
A finales de la década de 1930, las tensiones eran altas en Europa con el antisemitismo y el inminente comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Debido a su herencia judía, Man Ray pensó que era mejor que regresara a los Estados Unidos. Allí comenzó a pintar una vez más. Mientras estaba en los Estados Unidos conoció a Juliet Browner. Julieta era una bailarina profesional de ascendencia rumano-judía. Los dos sintieron una conexión fuerte e inmediata. Se casaron en 1946 y unos años más tarde los dos se mudaron a París.
En 1963, Man Ray publicó una autobiografía llamada «Self Portrait». Detalló su vida dentro de la escena artística de París de las décadas de 1920 y 1930. Para entonces, se había creado una reputación internacional como creativo en los campos de la pintura, la escultura, la fotografía y el cine.
Autorretrato fue bien recibido y muchos otros libros fueron publicados sobre su vida y arte en años posteriores. En 1976, a la edad de 86 años, Man Ray murió de una enfermedad pulmonar en París. Llevó una vida muy plena y diversa, dejando atrás una enorme colección de obras. Después de su muerte, la mayor parte de su arte fue donado a varios museos y galerías de arte por su esposa Juliet. Fue enterrado en el Cimetiére du Montparnasse. En 1991, cuando ella también falleció, Juliet fue enterrada junto a él.
El arte readymade nació del absurdo del movimiento dadaísta. Si bien se cree que Marcel Duchamp es el padre del arte prefabricado, muchos otros también hicieron importantes contribuciones al movimiento. En una época en la que el arte conceptual es más común, el arte readymade es más comprendido y apreciado de lo que era en el momento de su concepción. Si te parecieron interesantes estas obras de arte readymade y los artistas que las crearon, te animamos a explorar algunas más.
Preguntas Frecuentes
¿Qué es Readymade Art?
El arte readymade es cuando los objetos prefabricados cotidianos se reutilizan como obras de arte. Esta práctica de hacer arte readymade fue iniciada por el artista francés Marcel Duchamp en la década de 1910. Su intención era que su trabajo tuviera más que ver con el concepto detrás de las piezas que con su representación visual real. En la década de 1960, hubo una popularización del arte prefabricado, lo que resultó en la creación de muchos más.
¿El arte readymade se considera arte?
Cuando las piezas de arte prefabricadas comenzaron a fabricarse, fueron muy controvertidas, ya que muchos no creían que fueran arte real. Sin embargo, artistas como Marcel Duchamp los crearon con el propósito mismo de desafiar la idea de lo que se consideraba arte. Afirmó que el acto de elegir el objeto era creativo igual a pintar o esculpir. Al hacer que el objeto careciera de funciones, no servía para otro propósito que el de arte. Finalmente, al darle un título a un objeto, uno lo anunció como arte para el mundo. Duchamp también cambió lo que significaba ser un artista, ya que todos sus readymades estaban prefabricados y no hizo físicamente ninguna de las piezas él mismo.
