Pocas obras de arte han despertado tanta discusión pública sobre la libertad artística y la sensualidad como la fotografía de Robert Mapplethorpe. Los desnudos de Robert Mapplethorpe fueron elogiados en la ciudad de Nueva York por sus seductoras imágenes en blanco y negro, aunque sus habilidades creativas abarcan varios medios. El enfoque formalista del arte de Robert Mapplethorpe le permitió abordar los temas primero a través de la estética y la composición, y solo secundariamente a través de la sustancia.
Arte y vida de Robert Mapplethorpe
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 4 de noviembre de 1946 |
| Fecha de fallecimiento | 9 de marzo de 1989 |
| Lugar de nacimiento | Floral Park, Nueva York |
Es sencillo ver el valor documental de su obra, pero es el anhelo de expresión creativa con el que estaba más comprometido, buscando constantemente nuevos grados de autoexpresión. Muchas personas todavía consideran que la fotografía de Robert Mapplethorpe es controvertida, a pesar de que es uno de los más importantes de Estados Unidos. fotógrafos famosos.
Mapplethorpe estaba intrigado con cualidades universales como la proporción y la belleza, y abordó todos sus temas con el mismo ojo discriminador, utilizando una magnífica disposición, un color contrastante y una iluminación dramática para lograr esto.
Niñez
Robert Mapplethorpe se crió en un tranquilo barrio de Queens en una rígida familia católica. A pesar de que su padre, un fotógrafo aficionado, tenía un cuarto oscuro en su sótano, Robert Mapplethorpe tenía poco entusiasmo por la fotografía a una edad temprana. Mapplethorpe se graduó de la escuela secundaria en solo un par de años.
A la edad de 16 años, asistió al Instituto Pratt en Brooklyn. Ignorando la oposición de su padre a estudiar arte, se matriculó en la universidad y se especializó en diseño.
La universidad, para él, fue un período de investigación personal y recién descubierto la libertad de su trasfondo religioso, como lo fue para muchos otros estudiantes universitarios. Procedió a participar en actividades masculinas como rifles, pero comenzó a dudar de su orientación sexual después de leer revistas eróticas homosexuales y guardar recortes de ellas; varios de estos aparecieron en las primeras instancias del arte de Robert Mapplethorpe.
Mapplethorpe se retiró de la universidad en 1969, y fue en este momento que conoció a Patti Smith, su única novia y compañera de mucho tiempo. Compartieron una casa en Brooklyn, y posteriormente en el Hotel Chelsea, donde intentaron intercambiar obras de arte por alquiler. Con frecuencia experimentaban con drogas y se ayudaban mutuamente en el desarrollo de sus talentos creativos. Su relación era fuerte y con frecuencia turbulenta, sin embargo, seguían siendo amigos cercanos.
Smith era un tema frecuente para Mapplethorpe, quien afirmaba: «ella era un sujeto extraordinario, hay tantos lados de Patti, tantas facetas que revolucionaron mi perspectiva del mundo». Smith coincidió con la pasión y la determinación de Mapplethorpe para convertirse en una creativa conocida y se convirtió en una de las músicas femeninas más respetadas.
Período temprano
Después de ser impresionado por Andy Warhol la innovadora película underground Chelsea Girls (1966), que se ambientó en el Hotel Chelsea, la pareja se mudó al mismo hotel en 1969. La revista Interview lo reclutó como fotógrafo para cubrir personalidades, intelectuales y artistas de todo el mundo.
Mapplethorpe, como muchos otros jóvenes creadores ambiciosos en los bordes de la sociedad, comenzó a vivir un estilo de vida hedonista y fue, a veces, un joven artista hambriento. Él y Smith crearon sus obras de arte con materiales de bajo costo como recortes de revistas, tableros, periódicos y otros artículos encontrados en la calle.
No fue hasta que su vecina de al lado, Sandy Daley, le prestó a Mapplethorpe su cámara Polaroid que comenzó a fotografiarse a sí mismo y a Smith. Le gustó la cercanía y la velocidad de replicación que proporcionaba Polaroid, que se ajustaba a la naturaleza impaciente e impulsiva de Mapplethorpe: «Perdería interés si tuviera que producir algo que tardara dos semanas en completarse. Se convertiría en un trabajo de amor, y el amor se perdería».
El estudio del fotógrafo Robert Mapplethorpe en 24 Bond Street en el barrio NoHo de Manhattan, más tarde guardado por él para su uso como cuarto oscuro; Beyond My Ken, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Daley recuerda que Mapplethorpe evitó deliberadamente comprar comidas para adquirir película adicional mientras experimentaba con la Polaroid. Las Polaroids sobrevivientes lo muestran quitando la emulsificación de una hoja de papel, poniendo tinta nueva y luego volver a aplicarlo a otro.
Mapplethorpe conoció al inmensamente importante curador del Museo Metropolitano de Arte, James Mckendry, durante una cena en 1971. En un lapso de unos pocos meses, conocer a McKendry alteró el camino de su carrera creativa. McKendry dio la bienvenida a Mapplethorpe al museo para examinar su colección de fotografías antiguas.
La fotografía no había sido considerada anteriormente como una forma de arte seria, pero la colección de fotografías motivó a Mapplethorpe a perseguir la fotografía como un medio artístico. McKendry más tarde le compró una cámara para Navidad para fomentar su creciente interés en la fotografía. McKendry se había enamorado profundamente de Mapplethorpe como resultado de su amistad. El amor de McKendry no fue correspondido, lo que resultó en cambios de humor deprimidos.
Período de madurez
A mediados de la década de 1970 representa el pináculo de la carrera de Mapplethorpe, con sus prolíficos retratos de conocidos cercanos y fashionistas, así como sus exploraciones fotográficas sobre los aspectos más oscuros del deseo sexual. Mapplethorpe disparó a Smith para su primer disco en solitario, Horses, en 1975. Mapplethorpe mostró su maduro enfoque en blanco y negro en el ático de Wagstaff.
La imagen representaba a una persona andrógina vestida con pantalones negros prístinos, una camisa blanca metida y una corbata deshecha colgando sobre su cuello. Una chaqueta se cubre casualmente sobre su hombro, evocando imágenes de grandes de la música como Frank Sinatra.
La portada del disco y del álbum, elogiada por la crítica, catapultó a Mapplethorpe y Smith a la prominencia, algo a lo que habían aspirado durante muchos años. Mapplethorpe comenzó a ganar más trabajos, así como una mayor exposición de la revista «Interview».
Cuando Warhol se enteró de que Mapplethorpe estaba conociendo a Wagstaff, se abrió más a la idea de que Mapplethorpe se convirtiera en un miembro más vital de la revista. Se convirtió en miembro del «círculo derecho», y con frecuencia se le encargó imaginar a los ricos en el Reino Unido, Francia y España. Los clubes nocturnos gay privados eran lugares para que los hombres participaran en el juego de bondage y cuero, que incluía juegos de rol y fetiches. Estos eran refugios seguros para que los hombres se entregaran a las fantasías y al mismo tiempo encontraran libertad y seguridad en sus inclinaciones sexuales.
Esto estaba en marcado contraste con el mundo exterior, donde la homosexualidad todavía se consideraba ilegal ya que los derechos de los homosexuales aún estaban en sus etapas incipientes. Se encontraría con hombres que eventualmente se convertirían en sus inspiraciones fotográficas en estos clubes nocturnos. Muchos de los hombres en su «X Portfolio», que fue lanzado en 1978, eran amigos y socios que conoció en estos clubes secretos.
La cartera incluía trece imágenes notorias, incluido un autorretrato con un látigo puesto en su recto, dos amantes involucrados en el fisting anal, un tipo colocando su dedo meñique en su uretra y un hombre de pie servilmente con un atuendo de látex, entre otros. Incluso entre las audiencias modernas, esta cartera tiene su valor de choque y eventualmente caracterizaría un período de liberación creativa y sexual. Un año más tarde, Mapplethorpe desarrolló una nueva fascinación con una culturista femenina llamada Lisa Lyon.
la controvertida X Portfolio de Mapplethorpe, estrenada en 1978; AlbertRA, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Mapplethorpe se sintió atraída por su apariencia poderosa pero femenina. «Es la primera vez que veo una forma así. Es un terreno inexplorado. Fue difícil para mí imaginar que esta niña pequeña pudiera tener esta figura cuando la vi por primera vez sin violar». También le recordó sus inspiraciones clásicas, como Esculturas renacentistas de Miguel Ángel: «Lisa Lyon me recuerda a los temas de Miguel Ángel desde que produjo damas musculosas». Lady: Lisa Lyon (1983) fue uno de los numerosos proyectos en los que ambos trabajaron juntos.
El portafolio de Lyon ayudó a Mapplethorpe a demostrar que era más que un simple fotógrafo de hombres o un pornógrafo, sino también un maestro riguroso del cuerpo como escultura. Los experimentos de Mapplethorpe con nuevas formas lo llevaron a experimentar con nuevos procesos de fotografía. En 1983, incursionó con lejía de tinte plateado, impresiones de platino en lienzo, gigantescas impresiones de platino y otros enfoques sofisticados.
La impresión de platino de alta calidad y detalle ayudó a romper la barrera entre la escultura, el dibujo y la fotografía que se propuso romper al comienzo de su carrera. Mapplethorpe reclutó personal para sus cuartos oscuros, como Tom Baril, quien ascendió de rango para convertirse en un maestro impresor mientras trabajaba con Mapplethorpe. Mapplethorpe se dedicaba más al disparo de la imagen que al procedimiento de impresión. A pesar de esto, estaba preocupado por alcanzar su propia visión y anuncio.se comprometió a ser perfeccionista.
Período tardío
Alrededor de 1980, Mapplethorpe abandonó las fotografías de S&M en favor de un enfoque más formalista de temas clásicos como las flores y los desnudos. Le gustaba la capacidad de Ed Ruscha para aislar un sujeto de su fondo y aspiraba a crear fotos en este riguroso lenguaje estético formal. Thomas (1986), Leaf (1989) y otros se distancian emocionalmente de su enfoque franco anterior. Mapplethorpe fue enviado al hospital por neumonía en 1986 cuando se le detectó que había contraído el SIDA. Wagstaff murió de enfermedades relacionadas con el SIDA solo un año después.
Con Wagstaff desaparecido y su nuevo diagnóstico, Mapplethorpe trabajó incansablemente para terminar todo el trabajo requerido para convertirse en una marca doméstica, a pesar de su admisión de que no podría disfrutar de su logro.
Fotografía en primer plano del estudio de Mapplethorpe en NoHo, Manhattan, con bailarines de oro en el exterior del edificio por el escultor Bruce Williams agregado en 1998. El Teatro Gene Frankel ocupa el piso de la calle desde 1986; Beyond My Ken, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Cuando se corrió la voz de su diagnóstico, hubo un aumento en la demanda de sus imágenes. «No dejó de fotografiar hasta que literalmente no pudo levantarse de la cama», afirmó uno de sus ayudantes, Tom Baril. En julio de 1988, Mapplethorpe fue llevado al hospital una vez más.
Una semana más tarde, el Museo Whitney de Arte Americano organizó una exposición a mitad de carrera de su trabajo, que fue un gran triunfo y un honor notable para un fotógrafo en ese momento. Reconociendo que estaba enfermo y que sus últimos momentos se acercaban, organizó su espectáculo de despedida, Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment.
Mapplethorpe murió de SIDA en un hospital de Boston ocho meses después del estreno de la serie.
Legado
«Es reconocido no por sus fotos florales, es reconocido por su repulsiva representación sexual». Luisa Bourgeois declarado de su arte. Mapplethorpe fue más que un simple cronista del estilo de vida hipersexual de la década de 1970. No hay duda de que tuvo un impacto en el mundo del arte en su conjunto, así como en la legislación de defensa y censura LGBT.
Muchos atribuyen su enorme efecto en la fotografía por transformarla en un medio estético respetado, ya que antes de él, la fotografía se consideraba utilitaria.
Sus singulares contribuciones a la fotografía han enriquecido sustancialmente la historia del medio. La fotografía de Robert Mapplethorpe no solo ha tenido una influencia indeleble en el mundo del arte, sino que el mensaje de Mapplethorpe sobre los derechos de los homosexuales y la conciencia del SIDA continúa resonando.
Fotografía de Robert Mapplethorpe
Mapplethorpe se sintió atraído por principios universales como la geometría y el atractivo, y abordó todos sus temas con el mismo ojo discriminador a través de una magnífica composición, contrastes de color e iluminación dramática. Por su fotografía escultórica, se le considera un formalista, y con frecuencia citó a Miguel Ángel como una influencia clave. Los desnudos de Robert Mapplethorpe fueron un medio para un fin en su búsqueda de una autoexpresión única. Su aplicación práctica del medio resultó en una revolución en la fotografía artística. La fotografía no fue tan apreciada como lo es hoy en día durante la vida de Mapplethorpe.
A lo largo de su carrera, fue capaz de introducir la fotografía en los principales museos. Parte de su arte fue considerado demasiado provocativo, rayando en lo sexual o racista.
Su trabajo de principios de la década de 1980, en particular, contenía imágenes vívidas de imágenes homoeróticas, así como su preocupación por los cuerpos masculinos desnudos negros. Este arte no fue creado con un marco ideológico o político en mente; más bien, simplemente fotografió lo que sentía que era atractivo y consideraba a todos los sujetos de la misma manera, ya fueran genitales o flores.
Sin título (Blue Underwear) (1970)
| Fecha de finalización | 1970 |
| Medio | Tela, Madera, Pintura |
| Dimensiones | 33 cm x 33 cm |
| Ubicación actual | J. Paul Getty Trust, y el Condado de Los Ángeles, Los Ángeles |
Este primer ejemplo examina la fascinación de Mapplethorpe con el uso de artículos sexualizados y listos para usar, que presagiaron su carrera fotográfica. Esta obra de arte es una de las pocas piezas que quedan de su primera exposición fuera de la escuela, titulada Clothing as Art, que tuvo lugar en el Hotel Chelsea en 1970.
El artista hizo una escultura de dos elementos simples: un marco de madera que a menudo se usa para extender el lienzo y un par privado de calzoncillos azules lisos. Los calzoncillos se voltean al revés, revelando el trabajo de puntada y la mayor cantidad de personas.al parte de la prenda al observador.
Para Mapplethorpe, el estilo y la moda estaban inextricablemente relacionados con la identidad personal, y forzar esta ropa sexualmente objetivadora hasta el punto de enfatizar las fibras proporciona una idea del concepto de ropa del artista como entrada a los deseos ocultos. En lugar de utilizar un marco, Mapplethorpe expone deliberadamente el marco como parte de la obra de arte. Esto es importante para la pieza, ya que está reflejando el acto de producir arte al dejar la madera expuesta mientras eleva un objeto personal a un diseño público listo para usar para una audiencia de arte.
Mapplethorpe reconoció la importancia de la ropa para expresar la identidad sexual y la libertad, y utilizó el arte para dar un telón de fondo para la expresión sensual.
Autorretrato (1975)
| Fecha de finalización | 1975 |
| Medio | Fotografía montada a bordo |
| Dimensiones | 35 cm x 35 cm |
| Ubicación actual | Fundación Robert Mapplethorpe, Nueva York |
Este es un retrato de Mapplethorpe como un joven posando sin camisa sobre un fondo blanco. Su torso está en su mayoría fuera de marco, a pesar de su sonrisa juvenilmente divertida y su brazo extendido a través de la pared de fondo. La posición de su brazo y su mano relajada tiene una similitud pasajera con la crucifixión y puede indicar su interés en la espiritualidad.
El movimiento de Mapplethorpe del collage, el medio mixto y el ensamblaje a centrarse solo en la fotografía está marcado por el «Autorretrato». Esta toma también marca el comienzo del compromiso de Mapplethorpe con el autorretrato como un motivo prominente en su trabajo.
Continuó haciendo una amplia gama de autorretratos que exploraron las relaciones entre la espiritualidad, la desnudez y la sensualidad. Este es un retrato único de Mapplethorpe en el que se retrata a sí mismo como un joven inocente y alegre; su curiosidad destaca de cualquier imagen en sus carteras futuras.
Tenía una variedad de identidades que captó en la película, que iban desde abiertamente sexuales hasta solemnes y austeras, sin sentimientos ni expresión humana.
Esta toma palidece en comparación con su trabajo posterior, que fue tomado antes de perfeccionar sus habilidades de estudio. El legado fotográfico de estudio de Mapplethorpe es comparable al de Irving Penn, con el mayor amor y consideración para capturar el espíritu del sujeto en la película a través de la manipulación de luces y sombras.
Patti Smith (1978)
| Fecha de finalización | 1978 |
| Medio | Gelatina Silver Print |
| Dimensiones | 35 cm x 35 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte del Condado de Los Ángeles |
La joven Patti Smith se recorta el cabello con reverencia en una situación doméstica normal. Ella se enfrenta a la cámara, mirando directamente a la lente, sin miedo a la mirada de la cámara. La mirada tensa e inflexible de Smith es canalizada por el gato sentado a su lado. Smith devuelve el aspecto de la cámara de la misma manera que la cámara la sigue. Mapplethorpe capta la personalidad de Smith, sin restricciones, confiado y despreocupado incluso durante lo que parece ser un evento no planificado.
Representa a Smith directamente, como es su manera, pero con una actitud nueva y diferente a la que se ve en sus imágenes homoeróticas.
El entorno no es un dormitorio o un fondo negro brillante, sino más bien un hogar básico con un gato doméstico. Ella fue la compañera y amante de Mapplethorpe durante mucho tiempo, y vivieron juntos durante muchos años en las primeras etapas de sus carreras.
Smith reconoce su desobediencia a la tradición con este movimiento, en el que corta sus trenzas en un peinado menos femenino sin precisión.
Smith afirma que no «quería pasear por Nueva York vestida de cantante de folk. Disfruto del rock ‘n’ roll. Así que compré cientos de imágenes de Keith Richards, las pegué y luego las recorté hasta que tuve un verdadero peinado de los Rolling Stones».
Lisa Lyon (1982)
| Fecha de finalización | 1982 |
| Medio | Gelatina Silver Print |
| Dimensiones | 35 cm x 35 cm |
| Ubicación actual | Múltiple |
Lisa Lyon ejemplifica la devoción de Mapplethorpe al formalismo, tanto en formas masculinas como femeninas, cerca del final de su carrera. La composición muestra su habilidad en la iluminación, la puesta en escena y la decoración para crear un retrato fascinante de Lyon.
Mapplethorpe frecuentemente recortaba sus retratos en el torso u ocultaba su identificación para llamar la atención sobre las características físicas del sujeto mientras mantenía su privacidad.
Lyon tiene una dramática cortina blanca dibujada sobre su cabeza en esta imagen para cubrir su atractivo femenino, y se para con confianza con los brazos levantados, flexionando sus bíceps. En este contrast, permite que el observador la cosifique sin la opción de devolver la mirada.
Lyon no solo apeló a la apreciación de Mapplethorpe de los cuerpos escultóricos, sino que también cuestionó las normas estéticas convencionales, lo que permitió a la artista investigar las líneas de género que promovían la intrigante interacción del género y el disfraz.
Se convirtió en una de las inspiraciones más importantes de Mapplethorpe porque admiraba la yuxtaposición de la belleza femenina tradicional y el poder masculino.
Preguntas Frecuentes
¿Por qué fue tan importante el fallecimiento de Robert Mapplethorpe?
La terrible conclusión de Mapplethorpe representa el simbolismo del artista como un héroe cultural. Ha sido reconocido como una de las primeras víctimas famosas del SIDA. Su memoria se utiliza con frecuencia para simbolizar la batalla por los derechos de los homosexuales.
¿Por qué fueron significativos los desnudos de Robert Mapplethorpe?
Se pensaba que parte de su arte era excesivamente vanguardista, rayando en lo abiertamente sexual o racista. Su trabajo de principios de la década de 1980, en particular, contenía imágenes vívidas de imágenes basadas en S & M, así como su interés en los cuerpos masculinos desnudos negros. Este arte no fue creado con un marco ideológico o político en mente; más bien, simplemente fotografió lo que creía que era atractivo y trató a todos los sujetos por igual.
