El fotógrafo estadounidense Ansel Adams es una de las figuras más veneradas de la fotografía de paisajes. A lo largo de sus aproximadamente 60 años de carrera como fotógrafo comercial y de bellas artes, Adams exploró y registró la grandeza de la naturaleza. Sus técnicas inteligentes ayudaron a elevar la fotografía de paisajes y han influido en la tecnología de imagen contemporánea.
Apertura americana de Ansel Adams
| Fecha de nacimiento | 20 de febrero de 1902 |
| Fecha de fallecimiento | 22 de abril de 1984 |
| Lugar de nacimiento | San Francisco, Estados Unidos |
| Asociado Movimientos artísticos | Fotografía pura |
| Género / Estilo | Fotografía |
| Medios utilizados | Fotografía |
| Temas dominantes | Paisaje, Yosemite, Half Dome, Parques Nacionales, Patriotismo |
La fotografía de Ansel Adams se caracteriza por impactantes imágenes en blanco y negro que son omnipresentes y se han convertido en estándares en el mundo fotográfico contemporáneo. Ayudaron a ser pioneros en un enfoque formalizado de la fotografía de cuarto oscuro en blanco y negro.
El sistema de zonas, una técnica que le valió a Adams una reputación mundial, es un componente central de la fotografía digital.
Biografía de Ansel Adams
Nacido en una familia adinerada de clase alta en San Francisco en 1902, Adams era hijo único. Sus padres maduros lo adoraban, y era un niño bastante hiperactivo. Tanto es así que se le pidió que dejara la escuela cuando estaba en el 8º grado. Era el payaso de la clase y tenía una capacidad de atención corta, por lo que sus padres organizaron tutorías privadas.
Fotografía de Ansel Adams (c. 1941); Comisión de Servicio Civil de los Estados Unidos, dominio público, a través de Wikimedia Commons
Su padre le compró un piano y comenzó a tomar clases de piano. A la edad de 12 años, estaba recibiendo lecciones de composición y se estaba tomando cada vez más en serio su formación musical, lo que había cambiado su estado de ánimo. Ya no era el niño rebelde, sino que comenzó a escribir sobre su experiencia y su entorno físico.
También comenzó a tomar fotografías del centro de San Francisco. Comenzó a leer revistas de fotografía y se unió a clubes de fotografía locales. Al principio, usó una cámara de cinco por siete que pertenecía a su familia.
En 1916, al ver su entusiasmo, su padre le compró la suya propia, que era una cámara Kodax Brownie Box.
Yosemite de Ansel Adams
Justo después de obtener su nueva cámara en 1916, su familia lo llevó a su primera visita al Parque Nacional de Yosemite. Hay una fotografía de la familia Adams tomada en este viaje. Ansel, de 14 años, con su padre a su izquierda, su madre y su tía a su derecha.
La biografía de Ansel Adams afirma que se enamoró de la fotografía y de Yosemite durante este primer viaje.
Castle Geyser Cove, Parque Nacional de Yellowstone (c. 1941) tomada en Wyoming; de la serie «Ansel Adams Photographs of National Parks and Monuments» (compilada entre 1941 y 1942); Ansel Adams, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Ansel Adams inicialmente tomó instantáneas familiares para hacer álbumes de fotos, en los que él y su padre pegaban fotografías que Ansel había tomado, para documentar sus vacaciones. Como cualquier álbum familiar, incluía fotos de los miembros de su familia. Estaba claro que en este punto, Adams estaba haciendo una especie de diario visual, no de arte.
Pero con el tiempo, a medida que Adams continuó llevando su cámara brownie en viajes familiares a las montañas, comenzó a enfocarse en el paisaje. Sintió que las «rocas de Yosemite son el corazón mismo de la naturaleza que nos habla» y no lo tomó a la ligera.
Con frecuencia regresaba a Yosemite, que se convirtió en el lugar principal donde alimentó su amor por la naturaleza y la fotografía.
Media cúpula
Las primeras fotografías de Adams tenían entusiasmo, pero dejaban mucho que desear, aunque hay señales de que simplemente estaba limitado por la tecnología de cámara disponible para él a principios del siglo 20. Sus primeras fotografías tomadas con su cámara Brownie muestran que a pesar de su equipo rudimentario y su experiencia limitada, era un fotógrafo realmente en juego.
Al representar un tema deliberadamente oscurecido, Adams ya estaba experimentando con la composición y lidiando con sus capacidades y limitaciones como fotógrafo.
En el álbum, las imágenes de Half Dome están organizadas de oeste a este, mostrando que incluso a los 14 años, Ansel estaba considerando la curaduría y la lógica de su trabajo. Half Dome era importante para Adams, ya que era el tema de un fotógrafo. Como él se atrincheró en la escena de la fotografía de paisajes, comenzó a aprender a través de la compañía que mantenía.
Como este Half Dome en particular había sido fotografiado por numerosos fotógrafos, Ansel lo abordó a menudo y llegó a asociarse con él, tanto que usamos con frecuencia la frase «Fotografías de Yosemite de Ansel Adams».
Nace un fotógrafo
Ansel Adams prefirió el término «tomar fotografías» a «hacer fotografías». Continuó «haciendo» fotografías y utilizando el formato de diario fotográfico y, cuando Adams tenía 19 años, sus primeras fotografías formales se estaban publicando. A los 20 años, se convirtió en cuidador en el Sierra Club en el Valle de Yosemite.
Comenzó a vender impresiones en una galería llamada Best’s Studio en Yosemite Valley, que era propiedad de la familia de su novia Virginia.
Adams pasó de ser un turista del Parque Yosemite a ser un experto y montañero, explorando Yosemite y la Sierra a pie. Comenzó a documentar el desierto. Incluso consiguió que un municipio llevara su equipo, viajando con mentores para poder aprender sobre la flora y la fauna.
Adams estaba mejorando a través de prueba y error. «Mobile Sang Peak» (1917) y «Mount Florence Through the Trees» (1923) muestran la trayectoria de su ojo en desarrollo para la composición y el detalle, pero todavía estaba encontrando un estilo.
Visualización
El 10 de abril de 1927 fue significativo para Ansel Adams. Algo ocurrió durante una excursión que hizo a Half Dome en el Parque Nacional de Yosemite con su futura esposa Virginia, entre otros. Había estado dirigiéndose al llamado «trampolín» donde los excursionistas van a ver una faceta de la enorme cúpula de granito.
Cuando Adams se paró desde un ángulo sombrío, mirando hacia Half Dome con la cámara en un trípode, tuvo una visión de cómo quería que se viera la imagen. Según él, esta fue la primera vez que utilizó la técnica de «visualización».
Con esta visión en mente, Adams aplicó primero un filtro amarillo, que parecía ordinario a través de la lente de la cámara y no tenía el drama de su visión. Luego ajustó la exposición a F / 22 y aplicó un filtro rojo, exponiendo la placa durante cinco segundos. Esto hizo que la imagen del cielo y la roca pareciera más oscura. El cielo oscurecido carga la imagen con drama e intensidad. Ansel consideró que Monolith, the Face of Half Dome (1927) fue un gran avance debido a esta técnica.
La fotografía de Ansel Adams se convirtió entonces en un medio para manifestar la imagen en el ojo de su mente. Primero, el fotógrafo compuso la imagen en su mente. Luego pensó en el valores tonales de la impresión final. Debido a que estaba buscando el equivalente más cercano a su visión, Adams se centró en la técnica.
Adams quería que la imagen emergiera como la visualizaba el artista antes de hacer la imagen. La técnica sería útil porque podría permitir negativos casi perfectos. Cuando Monolith, the Face of Half Dome se estaba desarrollando, y se correspondía con su visualización interna, se dedicó a esta forma de trabajar.
De esta manera, Adams comenzó a experimentar con el tecnicismo y las posibilidades del medio.
En 1928, Adams se había casado con Virginia, finalmente abandonó una carrera como pianista de concierto y se convirtió en el fotógrafo oficial del Sierra Club y, en 1930, del Parque Nacional de Yosemite. Sus imágenes aparecieron en recuerdos, folletos y publicidad. El tiempo que pasó trabajando en el campo de la publicidad le enseñó a hacer imágenes claras que comunicaran un mensaje fuerte.
Estilo característico
Se miden las composiciones de Adams. Pensaba en los placemen y generalmente tomaba solo una imagen, a veces dos para el seguro, pero las dos a menudo eran idénticas. Tal era su nivel de precisión y confianza en su oficio. Tuvo que tomar decisiones instintivas como fotógrafo y se sintió cómodo trabajando bajo la noción de tiempo congelado.
Algunas de las características de la fotografía de Ansel Adams incluyen un barrido panorámico de un paisaje y un punto de vista omnisciente.
A menudo colocaba la línea del horizonte en lo alto del marco para transmitir la escala. Su trabajo retrata la atmósfera y la escala de esos paisajes montañosos. Una fuerte curva «S» a menudo aparece en sus paisajes como una línea guía que crea una sensación de movimiento. Ansel Adams a menudo usa el río para lograr este efecto.
Primer plano de hojas de arriba tomadas en el Parque Nacional Glacier en Montana (entre 1933 y 1942), de la serie «Ansel Adams Photographs of National Parks and Monuments» (compilado 1941 – 1942); Ansel Adams, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los temas de la fotografía de Ansel Adams parecen ser estallando fuera del marco. Su encuadre ajustado y su cuidadoso recorte dejaron poco margen alrededor de los bordes de las fotografías, haciendo que sus sujetos se sintieran como si estuvieran asomando. Utilizó líneas de interconexión que enmarcaban un tema o líneas paralelas que creaban profundidad en la composición.
Ya fuera la superficie de montañas masivas o los detalles de un pequeño árbol, las extrañas texturas del mundo natural fueron un importante dispositivo compositivo en la fotografía de Ansel Adams. Capturó madera, piedra, nieve y una variedad de otras texturas, resaltando los detalles para dar la ilusión de sustancia y, a menudo, mejorando la escala de sus fotografías.
En las fotografías de Ansel Adams, vemos nubes de tormenta envolviendo los picos de las montañas o lluvias ligeras de verano. Adams prefería el paisaje dramático y a menudo disparaba hacia o justo después de una tormenta. Como tal, muchos de los títulos de sus imágenes incluyen la palabra «tormenta». Su estilo visual utilizó efectos climáticos para aumentar las cualidades operísticas de la imagen.
Mirando a través del bosque a las montañas y nubes en el Parque Nacional glacier en Montana (1942), de la serie «Ansel Adams Photographs of National Parks and Monuments» (compilado 1941 – 1942); Ansel Adams, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El uso instintivo de Adams del equilibrio tonal y el contraste le dio a sus imágenes una contundencia atractiva. Los pasajes brillantes de luz fueron interrumpidos o complementados por áreas de densa oscuridad. Sus imágenes tenían un rango tonal completo de blanco a negro, lo que las hacía parecer equilibradas. Adams utilizó la densidad de sombras y la luz como un medio de revelación e iluminación mejorada, haciendo que las áreas del marco cayeran en sombra. Deliberadamente asignó espacio negativo en sus imágenes.
Ansel Adams parecía preferir las imágenes monocromáticas. Encontró el verde y el azul aburridos, incluso antiestéticos en la impresión. Lo que vio en la naturaleza fue mucho más complejo. El blanco y negro permitía la sutileza, haciendo que las sombras fueran más dramáticas. Al filmar en blanco y negro, manipuló la realidad y colocó al espectador más cerca del reino de la fantasía.
Aunque arraigadas en la naturaleza, las imágenes de Adams representan una versión heroica idealizada de lo que existió. Sus fotografías no representan lo que vio sino lo que sintió. Admitió que esta noción era romántica, pero sus dramáticas escenas de la Sierra Sur eran un testimonio de su acceso especial a la naturaleza intacta por los humanos, lo que le dio a sus imágenes una calidad legendaria.
Fotografía pura
El éxito de Ansel Adams llegó a mediados de la década de 1920 y principios de la década de 1930. Estaba filmando en nuevos lugares y, mientras estaba en Nuevo México, se hizo amigo de muchos de los artistas del séquito de Alfred Stieglitz, incluidos Paul Strand y Georgia O’Keefe. Strand influiría enormemente en Adams y lo alentaría a agudizar su oficio. En 1931, Adams tuvo su primera exposición individual en el Museo Smithsonian, que fue extremadamente exitosa, obteniendo críticas estelares. Al año siguiente, tuvo una exposición colectiva en el D Young Museum de San Francisco.
En 1932, en el apogeo de su carrera, Adams se unió a otros fotógrafos del área de la bahía en un nuevo movimiento que se distanció del pictorialismo, que fue visto como una imitación de la pintura.
Adams había experimentado con técnicas de pictorialismo antes. Como se mencionó anteriormente, había utilizado el enfoque suave, así como otras técnicas como el grabado y el proceso de bromoil. Adams ahora tenía acceso a nuevas tecnologías y técnicas de cámara, lo que le permitió lograr nuevos efectos.
Vista de una montaña cubierta de nieve en el Parque Nacional de las Montañas Rocosas en Colorado (1941), de la serie «Ansel Adams Photographs of National Parks and Monuments» (compilado 1941 – 1942); Ansel Adams, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Pure Photography se opuso a la falsa idea de vida creada por el pictorialismo, que fue el estilo ganador de la fotografía artística a principios de 1900. Estos jóvenes artistas querían que la fotografía sin restricciones fuera aceptada como una forma de arte. Sin embargo, su manifiesto para lo que llamaron Fotografía Pura era contradictorio hasta cierto punto, porque todavía usaban técnicas de manipulación, aunque con fines diferentes.
La suya era mejorar la calidad fotográfica de la fotografía mediante la producción de imágenes brillantes y nítidas. Querían representar objetos con un mínimo de alboroto, ya que eran en lugar de una noción romántica de ellos. El objetivo era una imagen clara del sujeto utilizando la luz para capturar cada textura natural.
Este grupo de fotógrafos, con sede en la costa oeste, se llamaban a sí mismos Grupo F/64 porque preferían disparar F/64, que es una apertura muy estrecha que mantiene el encuadre nítido al mantener una buena profundidad de campo.
Los miembros más famosos del Grupo F/64 incluyeron a Paul Strand, Edward Weston, e Imogen Cunningham. El Grupo F/64 llamó la atención sobre la nueva escuela de fotógrafos del sur de California, pero también fue una parte importante de la historia de la fotografía en general.
El cuarto oscuro
A pesar de formar parte del movimiento Pure Photography, en sus libros, Ansel Adams sostiene que no es un purista. Era conocido por pasar horas en el cuarto oscuro en cada impresión tratando de ejecutar técnicamente sus visualizaciones. Adams pensaba en lo negativo como algo maleable con numerosas posibilidades.
Nunca imprimió una fotografía de la misma manera dos veces y reelaboraba impresiones del mismo negativo para lograr imágenes perfectas de notable veracidad tonal. A menudo decía que todas las diversas impresiones difieren de la misma manera que cada actuación.
Manteniendo tantos detalles nítidos en todo el marco como fuera posible, persuadió al contraste en el cuarto oscuro, a menudo mucho después de que se tomara la fotografía. Trabajó en cada foto, esquivando y quemando meticulosamente todas sus fotos de paisajes. No inventó estas técnicas, ni fue el único artista que experimentó con ellas, pero las llevó a otro nivel.
Para esquivar una foto, usaba un objeto opaco para bloquear la luz en un área determinada del marco. A medida que se desarrollaba menos luz en esa parte de la impresión, salía más oscura. Para quemar una foto, podría usar el mismo objeto con un pequeño agujero, agregando luz adicional a un área específica para que sea más brillante.
Estos términos «esquivar» y «quemar» son herramientas importantes en el software de edición de imágenes contemporáneo como Photoshop y tienen la misma función de alterar las densidades de luz para los procesos de impresión o visualización.
El sistema de zonas
La exposición precisa de diferentes elementos en la escena fue tan importante para Adams que desarrolló una técnica para asegurarse de que podía lograr sus visualizaciones. Junto con Fred Archer, Adams desarrolló The Zone System, que clasificaba los valores de cero a diez en función de lo oscuros o brillantes que debían aparecer en la impresión.
Adams mantuvo un registro de valores importantes en la escala de exposición, asignando un ajuste de F-stop o apertura para cada elemento de una composición.
Con esta técnica meticulosa, un fotógrafo podría tomar lecturas polimétricas que ayudaran a capturar detalles. Esto permitió estimaciones precisas de la exposición y los requisitos de edición, lo que significaba que se podía imprimir en una gama más amplia de tamaños. Por lo tanto, los fotógrafos podrían obtener un buen control sobre el aspecto de la imagen incluso antes de tomar la foto.
Ya sea en el campo o en el cuarto oscuro, la capacidad de exponer varios elementos con precisión permitió a los fotógrafos manipular la iluminación y el contraste de una escena. La hermosa interpretación de tonos permitió a Adams producir portafolios de impresiones originales, que eran en sí mismas obras de arte.
El sistema de zona de Adams todavía se utiliza hoy en día para la exposición, la gradación de color y como base para la cámara moderna y la forma en que las cámaras procesan la luz.
Parques Nacionales e Identidad Nacional
En 1940, el Secretario del Interior nombró a Adams para fotografiar los Parques Nacionales y Monumentos de los Estados Unidos. Se haría una selección de su producción y se convertiría en murales para el entonces nuevo Departamento del Interior de Washington. A Ansel Adams le pagarían unos modestos 5 dólares al día y 4 centavos la milla, pero le bastó con suspender su trabajo comercial durante algunos meses y dedicarse a la fotografía y los viajes. Viajó hasta Alaska y el noroeste del Pacífico.
La combinación de décadas de práctica fotográfica y la libertad de centrarse en la fotografía cimentaron el estilo distintivo de las fotografías de Ansel Adams, que contaban con luz y detalles espectacularmente renderizados.
Detalle de cactus en el Parque Nacional Saguaros en Arizona (1941), de la serie «Ansel Adams Photographs of National Parks and Monuments» (compilado 1941 – 1942); Ansel Adams, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Desafortunadamente, después de solo dos meses de fotografiar en los Parques Nacionales, los japoneses atacaron Pearl Harbor y se produjo la Segunda Guerra Mundial. El concierto de Adams fue cancelado, y las imágenes del mural nunca se hicieron. Sin embargo, Adams continuó el proyecto con la idea de que fotografiaría paisajes estadounidenses más hermosos para inspirar patriotismo.
Obtuvo una beca de la Fundación Guggenheim para terminar su proyecto, lo que incluso le permitió obtener nuevos equipos. Fue entonces cuando se realizaron algunas de sus imágenes más conocidas.
Salida de luna sobre Hernández
Moonrise, Hernández, Nuevo México (1941) surgió mientras conducía por la carretera con su hijo Michael, de ocho años, y su amigo Cedric Wright. Estaban en su wDe regreso a Santa Fe de una visita con la amiga de Ansel, la artista Georgia O’Keefe, en el valle de Nuevo México. Adams quedó cautivado por la escena del sol poniente iluminando las cruces blancas del cementerio de Hernández.
Detuvo apresuradamente el automóvil, se subió a la plataforma de su cámara, que había montado precisamente para esos momentos, e instruyó a sus compañeros para que lo ayudaran a sacar su cámara de ocho por diez pulgadas, trípode, lente, tablero de lentes, tela oscura, soporte de película cargado y medidor de luz. En la fiebre maníaca, el medidor de luz no pudo ser localizado.
Con el sol de noviembre poniéndose rápidamente detrás de él, Adams sabía que tenía que actuar rápidamente para enmarcar, enfocar y capturar la vista. Evaluando la escena de antemano, estimó de memoria la luminancia de la luna llena, aproximándose a su configuración de exposición. Adams soltó el obturador y, mientras volteaba la película para hacer un segundo negativo de respaldo, el sol se había puesto y la oportunidad había pasado.
Resultó que una sola toma no era un negativo perfecto, pero Adams manipuló la imagen en el cuarto oscuro, amplificando el contraste para que la impresión recta apenas se pareciera a la versión editada. El sistema de zonas facilitó a Adams la manipulación de la exposición de áreas sólidas de la impresión.
En el barrido panorámico de Moonrise, Hernández, Adams llenó el marco con una vasta extensión de cielo, colocó la capilla y el cementerio lleno de cruces en el medio dentro de una llanura llena de arbustos. La luna está suspendida sobre nubes distantes y el sol de la tarde se sumerge bajo el horizonte de una cadena baja de montañas más allá de la pequeña ciudad de Hernández en el oeste.
Por supuesto, ninguna de estas características habría aparecido como lo hacen en la impresión. Cuando Adams capturó la imagen, ya sabía que inventaría una extensión oscura sobre un cementerio de otro mundo en su impresión de prueba de Moonrise, Hernández, Nuevo México. Adams había visualizado la obra de arte terminada y quería representar Moonrise tal como había existido en el ojo de su mente. Continuaría imprimiendo el cielo progresivamente más oscuro con impresiones posteriores.
A partir de la materia prima del paisaje de Hernández, Adams utilizó sus técnicas de cuarto oscuro para crear una imagen atractiva que bordea la magia y el misticismo. En esta imagen, Adams se basó en más de dos décadas de experiencia fotográfica para crear lo que se convertiría en su imagen más icónica. En 1944, se exhibió en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y, a lo largo de las décadas, Adams haría más de 1300 impresiones únicas de «Moonrise».
Tetons y el río Snake (1942)
Tetons and the Snake River (1942) es otra de sus famosas imágenes tomadas mientras estaba en la carretera. Si bien las fotografías de Ansel Adams a menudo parecían hechas en lo profundo del desierto, son tomas que Adams vio desde el camino artificial.
Tal fue el caso de «Tetons and the Snake River», que fue particularmente difícil de fotografiar porque el sol estaba mirando en la dirección equivocada.
Sin embargo, Adams logró fuertes cambios y equilibrio en contraste a través de su representación de cada zona tonal en su sistema, desde la zona cero siendo el negro a la sombra de las montañas hasta la zona diez de la luz que se refleja en el río.
Los Tetons y el río Snake (1942) de Ansel Adams, tomada en el Parque Nacional Grand Teton en Wyoming; Ansel Adams, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En Tetons y el río Snake, las nubes de tormenta detalladas están envolviendo el cielo brillante, y las montañas distantes brillan con parches de nieve brillante en el lado izquierdo. En el rango medio central, el plateado río Snake hace una curva «S». La luna brilla en la parte posterior y los bancos cubiertos de árboles se detallan con sombras en primer plano inmediato.
Adams utilizó mecanismos estilísticos para presentar Tetons y el río Snake como una visión heroica del desierto estadounidense. Eligió una vista panorámica porque este punto de vista imparte un sentido de poder y autoridad a su sujeto.
La atención y el tiempo de Adams, combinados con su talento para la edición y los efectos visuales, le permitieron capturar la belleza espectacularmente mágica del mundo natural nacional.
Liquidación
Al comparar Forest in Yosemite Valley (c. 1920), que se hizo cuando el fotógrafo Ansel Adams tenía unos 18 años, con Aspens, al norte de Nuevo México (1958), que es parte de su obra madura, vemos el desarrollo desde imágenes de un joven curioso con un ojo decente hasta la calidad fenomenal de un profesional experimentado.
Pero hacia el final de su carrera, el fotógrafo Ansel Adams continuaría regresando a sus raíces en Half Dome, el tema de sus álbumes de recortes de la infancia. Las últimas fotografías de Ansel Adams realizadas en la década de 1960 mostraronen él nunca dejó de visualizar Halfdome. En sus imágenes finales de Half Dome, no hay nubes ni clima. Esta fotografía era lo más pura posible. Era la luna, era Ansel, y era Half Dome.
Tarde, Lago McDonald, Parque Nacional de los Glaciares (1933), tomada en Montana; Ansel Adams, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Después de la década de 1960, la producción fotográfica de Adams llegó a su fin. Era mayor entonces, con una salud deteriorada. La perspectiva de subir por la sierra alta había retrocedido. Pero todavía tenía el cuarto oscuro y continuaría jugando, a través de miles de negativos, recordando los tiempos trascendentes que tuvo atravesando y transponiendo el salvaje oeste.
Un legado duradero
En la década de 1970, Adams fue comisionado por el presidente Jimmy Carter, convirtiendo a Adams en un pionero en la lista de fotógrafos presidenciales que incluirían a Yoichi Okamoto (1915 -1985) y Michael Evans (1944 -2005). En 1974, tuvo una gran retrospectiva en el Museo Metropolitano de Arte.
Ansel Adams era un ávido conservacionista que había presionado al Congreso para establecer más Parques Nacionales. El desierto de Ansel Adams y el monte Ansel Adams en Yosemite fueron nombrados en su honor.
Retrato fotográfico del fotógrafo de naturaleza Ansel Adams (c. 1950) con una cámara Zeiss Ikon Universal Juwel, que aparece en el anuario de la Escuela de Campo de Yosemite de 1950; J. Malcolm Greany, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Pero Adams vivió en tiempos turbulentos cuando otros fotógrafos consideraban que los problemas socioeconómicos eran primordiales y criticaban su enfoque en la conservación. Fotógrafo influyente Henri Cartier-Bresson «el mundo se está cayendo a pedazos y todas las fotografías de Adams y Weston son rocas y árboles».
En retrospectiva, se podría decir que era el fotógrafo Ansel Adams quien estaba viendo el panorama general. Mostró la tierra como algo más que rocas y árboles y demostró que la fotografía era más que solo apuntar y disparar.
Preguntas Frecuentes
¿Qué pensaría Ansel Adams de la era digital y su capacidad para manipular fotografías?
Debido a que estaba tan interesado en el control y adoptó cualquier tecnología que lo ayudara a lograr esto con gran fervor, sería difícil imaginarlo no entusiasmado con la tecnología digital y la posibilidad de manipular una imagen a nivel de píxeles.
¿Ansel Adams tomó fotografías en color?
Sí, hay miles de impresiones de Ansel Adams en color. Experimentó con este formato, pero descubrió que no podía tener tanto control con la impresión en color. Como estaba tan involucrado en la técnica y la mecánica, las limitaciones de la fotografía en color lo frustraron.
¿Ansel Adams fotografió a la gente?
Sí. Si bien no es conocido por sus retratos, sí fotografió personas, lo que no le importó. Sin embargo, las fotografías de Ansel Adams dependían del control, lo que complicaba el equilibrio entre las imágenes posadas y las no posadas.
¿Ansel Adams fotografió a Georgia O’Keeffe?
Sí. En su notable fotografía improvisada de Georgia O’Keeffe, ella está sentada y se podría decir que su rostro, que mira directamente a la cámara, se asemeja a un paisaje. Adams también fotografió al esposo de O’Keeffe. Alfred Stieglitz en color, con la luz más sutil filtrándose a través de una ventana.
¿Quién es Dorothea Lange?
Dorothea Lange y Ansel Adams eran amigos y, por lo tanto, compartieron oportunidades y experiencias como fotógrafos estadounidenses. Dorothea Lange fue una fotógrafa documental y fotoperiodista conocida por sus fotografías de la Gran Depresión, el desplazamiento de los nativos americanos y los campos de concentración de la posguerra.
¿Cuánto cuestan las impresiones de Ansel Adams?
En el apogeo de su carrera, Moonlight podría venderse por unos 350 dólares. En 1980, el precio había alcanzado los $ 13,000 a $ 15,000 por impresión. En el mercado actual, estas impresiones se venden rutinariamente por hasta $ 30,000 a $ 50,000. Una vez que su éxito comercial se disparó, las impresiones de Ansel Adams alcanzaron precios tan altos que decidió vender solo a museos e instituciones.
