En la década de 1920, las pinturas de Giorgio de Chirico ayudaron a ser pioneros en el resurgimiento del clasicismo, que se convirtió en un movimiento paneuropeo. Su nostalgia durante su tiempo en París en la década de 1910 puede haber inspirado la estética espeluznante y de influencia clásica de las obras de arte de Giorgio de Chirico de plazas de ciudades desoladas. Su trabajo de esa época ha resurgido en los últimos años, y sin duda fue influyente en una nueva escuela de pintores italianos famosos en la década de 1980.
Biografía de Giorgio de Chirico
| Nacionalidad | Italiano |
| Fecha de nacimiento | 10 de julio de 1888 |
| Fecha de fallecimiento | 20 de noviembre de 1978 |
| Lugar de nacimiento | Volos, Grecia |
El tono misterioso y la extraña artificialidad de los paisajes urbanos de De Chirico de la década de 1910 lo hicieron famoso. Su mayor triunfo es que presenta las imágenes como calles inquietantes que podríamos encontrar en pesadillas, en lugar de paisajes urbanos tradicionales, como miradores sobre lugares llenos de bullicio y acontecimientos cotidianos. Sirven como escenarios para el simbolismo embarazada o incluso grupos de cosas que a veces se acercan a las naturalezas muertas.
Los críticos se han referido a estas películas como «guiones de ensueño» debido al enfoque inventivo de De Chirico hacia ellas, que es similar al de un escenógrafo dramático.
Giorgio de Chirico en 1971 en Milán en su exposición personal de escultura; Asch58, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Niñez
Giorgio de Chirico nació de padres italianos en Volos, Grecia. Su padre hizo trabajos de ingeniería en el sistema ferroviario griego, y su madre era una socialité genovesa. Sus padres fomentaron su crecimiento creativo, y tuvo un profundo interés en la mitología griega a una edad temprana, tal vez porque Volos era el puerto desde donde los argonautas debían zarpar para reclamar el vellocino de oro. Los problemas intestinales lo atormentaron cuando era niño, y se ha sugerido que esto se sumó a su disposición melancólica.
Formación temprana
De Chirico asistió a la Escuela Superior de Bellas Artes de Atenas de 1903 a 1905. La familia viajó a Florencia cuando su padre murió en 1905 antes de ir a Múnich al año siguiente. De Chirico estudió en la Academia de Bellas Artes de Roma, donde quedó fascinado por artistas simbolistas como el alemán Max Klinger. En marzo de 1910, regresó con su familia en Milán después de graduarse de Múnich. Viajó a Florencia poco después y comenzó a estudiar a pensadores alemanes como Friedrich Nietzsche y Otto Weininger a través del autor italiano Giovanni Papini.
De Chirico se esforzó por conectar las obras de estos hombres con su propia pintura, con la esperanza de mirar más allá de los aspectos mundanos de la vida cotidiana a la realidad que sentía que estaba más allá.
Período de madurez
A lo largo de su carrera, las pinturas de Giorgio de Chirico presentaron temas históricos, míticos y filosóficos. Comenzó su serie Metaphysical Town Square. Hay temas recurrentes de recogimiento, dolor, misterio, el paso del tiempo y la arquitectura, especialmente arcos y agujas, en plazas y paisajes urbanos estériles y tristes a lo largo de esta época, que duró hasta 1919.
Parecen ser visiones de ciudades mediterráneas desiertas de un tiempo fuera de la historia, donde la mitología impregna la vida cotidiana.
En julio de 1911, De Chirico y su madre viajaron a París para reunirse con su hermano, pasando por Turín en la ruta. Estaba intrigado por la ciudad ya que fue allí donde Nietzsche mostró por primera vez indicios de psicosis en 1889.
La arquitectura de los patios y las ventanas arqueadas tuvo una gran influencia en él, y se pueden ver lugares de la ciudad en sus obras de este período de tiempo.
De Chirico y su hermano se alistaron en el ejército italiano para defender su país en la Primera Guerra Mundial en mayo de 1915. De Chirico procedió a pintar en Ferrara, con los arcos de la ciudad y los escaparates de las tiendas en sus pinturas. Comenzó a usar maniquíes en sus obras parisinas, y se hicieron cada vez más comunes en sus obras de Ferrara.
En 1917, una dolencia mental lo llevó a una institución, donde procedió a crear, principalmente en el estilo metafísico, con interiores abarrotados. Conoció a Carlo Carrà en el hospital, y sus conversaciones dieron origen a la pintura metafísica. De Chirico realizó su primera exposición individual en la Galleria Bragaglia en Roma a principios de 1919.
Retrato de Giorgio de Chirico, 1936; Carl Van Vechten, dominio público, vía Wikimedia Commons
Período tardío
El período final de trabajo de De Chirico generalmente se cree que tiene begun en 1919 y terminó en 1978. Tuvo un gran avance en 1919, justo después de su primera exhibición en solitario, mientras reflexionaba sobre un Tiziano trabaja en la Galleria Borghese de Roma. Publicó un artículo abogando por un retorno a los viejos métodos e iconografía, al tiempo que iniciaba una ardiente cruzada de arte antimoderno. De Chirico había mostrado previamente poco interés en la técnica. A pesar de sus antecedentes, sus primeros trabajos de representación mostraron una falta de experiencia anatómica.
Se centró en su estilo y fue influenciado por los Viejos Maestros mientras estaba en Roma, especialmente entre 1919 y 1924.
Firmas de Giorgio de Chirico de 1920-1922 (arriba) y 1925 (abajo); Wmpearl, CC0, vía Wikimedia Commons
El arte de De Chirico también se expandió a varios medios en este momento. Trabajó en dibujos para un ballet basado en una obra corta del escritor italiano Luigi Pirandello en París en 1924. En 1929, creó litografías para una reimpresión de la colección de poesía Calligrammes de Guillaume Apollinaire. Hebdomeros, su única novela, fue publicada el mismo año.
A pesar de su cambio creativo, la compilación onírica de experiencias y escenarios en el libro sirve como complemento literario a sus obras de arte metafísicas.
Diseños de De Chirico para La muerte de Niobe obra de Alberto Savinio, 1924. El dibujo representa a una mujer parecida a un maniquí con una capa oscura sobre un vestido con un parche en forma de corazón en el pecho; Giorgio de Chirico., Dominio público, vía Wikimedia Commons
A pesar de que De Chirico se había retirado de la Surrealistas en este período, Hebdomeros sigue siendo uno de los mejores ejemplos de escritura surrealista. Persiguió tales esfuerzos hasta el final de su vida. Comenzó a hacer esculturas de bronce en miniatura a fines de la década de 1960, algunas de las cuales presentaban figuras de sus pinturas anteriores, como los maniquíes de su época de Ferrara. Fabricaría y vendería reproducciones de obras de su fase metafísica durante el resto de su carrera, haciéndolas pasar por versiones originales.
La táctica fue parte de un esfuerzo por beneficiarse del éxito de sus primeras obras y parte de la venganza contra los críticos que la elogiaron mientras criticaban los estilos de sus épocas posteriores.
Legado
A pesar de los 70 años de carrera de De Chirico, sus primeras piezas metafísicas siguen siendo las más importantes. Influyó mucho en los surrealistas. De Chirico fue uno de los principales portadores de la antorcha de una nueva mitología contemporánea, según André Breton. Inicialmente estaba complacido de ser perseguido por los surrealistas, pero finalmente se burló de ellos como «líderes de la idiotez modernista».
Sin embargo, sirvió como influencia para organizaciones de vanguardia francesas posteriores como los situacionistas, especialmente en términos de urbanización.
Estos dos grupos consideran a De Chirico como un arquitecto tanto como un artista, encontrando visiones y diseños para las ciudades futuras en sus crípticas plazas y torres. Aparte del mundo del arte, el impacto de De Chirico se puede encontrar en cualquier cosa, desde las imágenes de Michelangelo Antonioni de paisajes urbanos solitarios y alienación urbana hasta el entorno y la marca para el videojuego de Playstation Ico.
Retrato de Giorgio de Chirico, 1936; Carl Van Vechten, dominio público, vía Wikimedia Commons
Logros
La adoración del pasado clásico es fundamental para las obras de Giorgio de Chirico. Se interesó en esto debido a su admiración por el romanticismo alemán, que lo abrió a nuevas perspectivas sobre los clásicos y nuevos enfoques de temas de tragedia, acertijo y tristeza. Los temas e ideas de los clásicos grecorromanos, según de Chirico, seguían siendo relevantes en el mundo actual.
Sin embargo, descubrió que la yuxtaposición del pasado y el presente causaba efectos inusuales, como tristeza, confusión y nostalgia, y que presentar este contraste produjo algunos de los aspectos más dramáticos de su obra de arte en la década de 1910.
La pureza controlada de su enfoque explica gran parte del impacto de las pinturas de De Chirico.
Lo hizo abandonando los cambios formales que han caracterizado a la mayoría del arte moderno desde entonces. Impresionismo a favor de un estilo directo y realista que le permitiera describir objetos de manera simple. El resultado es un estilo que, como René Magritte, está lleno de intriga seductora a pesar de la naturaleza simple de la representación.
Pinturas de Giorgio de Chirico
De Chirico siempre pensó que sus primeros conocimientos académicos eran esenciales para entrenarlo para su estudio posterior, y esta postura conservadora lo colocó aparte de otros. pintores italianos famosos, en particular los surrealistas que ayudaron a mejorar su renombre. Esta perspectiva se convirtió en una fe revitalizada en el significado de la artesanía y la herencia de los Antiguos Maestros en la década de 1920, lo que resultó en una transición en su estética hacia un mejor detalle, un color más completo y un modelado más clásico de formas y volúmenes, incluidas referencias más directas al barroco y Arte renacentista.
El enigma de una tarde de otoño (1910)
| Fecha de finalización | 1910 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 80 cm x 59 cm |
| Ubicación actual | Colección Peggy Guggenheim |
Esta es la primera obra de arte de la serie Metaphysical Town Square, y la primera obra en la que estableció su estilo e iconografía característicos: imágenes pacíficas, crípticas y curiosamente reducidas de ciudades antiguas. También es la primera de una serie de pinturas con el término «enigma» en el título.
Podríamos inferir que el enigma en cuestión es la conexión entre lo real y lo irreal, ya que esta pintura fue creada después de que el artista experimentara una epifanía en la Piazza Santa Croce de Florencia, en la que el mundo surgió ante él por primera vez.
La obra de arte representa una versión reducida de ese cuadrado. Contiene muchos de los elementos que vendrían a definir sus obras: una plaza desierta rodeada por una fachada clásica, las largas sombras y tonos profundos de la ciudad al atardecer, y una figura inmóvil, en este caso, una estatua. La vela discernible en el fondo puede haber sido influenciada por las excursiones de la infancia de De Chirico al puerto griego de El Pireo.
El cerebro del niño (1914)
| Fecha de finalización | 1914 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 81 cm x 65 cm |
| Ubicación actual | Museo Moderno, Estocolmo |
Este era un amado del creador del surrealismo, André Breton, quien supuestamente adquirió la obra de arte después de verla en la ventana de una galería y lo obligó a bajar de su autobús. Durante más de 10 años antes de que los surrealistas comenzaran a hablar sobre el significado de los sueños y el subconsciente, de Chirico estaba produciendo imágenes como estas que hablaban precisamente de estos temas.
En charlas con de Chirico, dijo Breton, el pintor divulgó que el hombre que se muestra en este retrato era su padre.
El marcador de la novela sobre la mesa representa la cópula de sus padres, con el marcador colocado para simbolizar el falo. En algún otro nivel, el caballero de la imagen es un retrato del joven, sexualmente conflictivo y viril Dioniso, ya sea basado en el padre de De Chirico o no.
Breton y los surrealistas analizaron las pinturas de De Chirico utilizando lecturas psicoanalíticas, sin embargo, Freud no estaba familiarizado con De Chirico hasta algún momento de la década de 1920.
Gare Montparnasse (La melancolía de la partida) (1914)
| Fecha de finalización | 1914 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 140 cm x 184 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
El protagonismo de la arquitectura es fundamental para su potencia, pero es el tratamiento de De Chirico de la arquitectura lo que es tan original; no pretende reflejar un lugar o escenario específico, sino más bien funcionar como un conjunto teatral, un fondo irreal para acciones irreales. Su uso de varios puntos de fuga, tonos ricos y sombras de atardecer prolongadas es típico del trabajo del artista de la década de 1910. El tren que se va y la torre del reloj pueden predecir su inminente permiso para servir en el ejército italiano en la Primera Guerra Mundial.
Los trenes aparecen a menudo en las obras de giorgio de Chirico, sirviendo como una metáfora de la vida y las expectativas de los jóvenes.
Las musas inquietantes (1916)
| Fecha de finalización | 1916 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 97 cm x 66 cm |
| Ubicación actual | Colección privada |
Otro tema común en las pinturas de De Chirico es el de las musas. Pensó que motivaban al artista a explorar más allá de lo tangible y en los reinos metafísicos del recuerdo, el mito y la verdad. Las musas inquietantes fue creada alrededor de 1917 mientras residía en Ferrara; el Castello Estense de la ciudad se puede ver en el telón de fondo.
Esto eventualmente llegaría a servir como base para un poema del mismo nombre de Sylvia Plath.
Una vez más, de Chirico ignora la escala arquitectónica y parece representarlo casi como un pequeño modelo en el que puede insertar los elementos simbólicos de un bodegón inquietante. Hay al menos 18 copias de esta obra de arte que han sido retroactivas por el pintor para afirmar que fueron creadas a fines de la década de 1910, precisamente como esta.
El hábito de fabricar tales duplicados y retrotraerlos fue en parte especulación y en parte represalia contra los críticos que criticaron sus obras posteriores.
Gran interior metafísico (1917)
| Fecha de finalización | 1917 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 96 cm x 70 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte Moderno |
Este es uno de los interiores metafísicos producidos durante la última parte de su vida en Ferrara. Al igual que las otras piezas de la serie, representa una habitación caótica con una variedad de artefactos, incluidas otras fotos enmarcadas, y se inspiró en sus viajes por las arcadas de la ciudad. El contenido de la cámara es bastante sugerente, pero dado que la comida aparece con frecuencia en el trabajo de De Chirico de esta época, es posible que las baguettes que yacen en una caja similar a un ataúd sean una alusión a sus dificultades digestivas.
Autorretrato de Giorgio De Chirico (1922)
| Fecha de finalización | 1922 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 38 cm x 51 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte de Toledo, Ohio |
El Autorretrato de Giorgio de Chirico es una pintura que representa la era de búsqueda del alma del artista. Representa a de Chirico con un busto autorretrato. Mientras la estatua lo mira sin comprender, el pintor se vuelve ligeramente hacia el observador, mirándonos con un resplandor inquietante. Ambos están estrechamente recortados, lo que los hace parecer gigantescos, mientras que la pequeña mandarina en la parte delantera se suma a su enormidad. No podemos ver gran parte del entorno detrás de ellos, sin embargo, la estructura solitaria colocada contra un cielo verde se parece a las obras metafísicas de De Chirico.
Lo intrigante de esta pieza es que no es solo un doble autorretrato, sino que el artista se muestra como un objeto y un sujeto.
Eventualmente, el sujeto también se ha convertido en un objeto, es decir, la imagen en sí. ¿Qué opinas al respecto? Sin embargo, lo que realmente quiero decir con toda esta retórica objeto/sujeto es que existe un estrecho vínculo entre un artista y su trabajo; pueden superponerse y penetrarse fácilmente entre sí. El artista crea el arte, pero el arte viene a caracterizar al artista también. La estatua en la pintura se puede ver como la autorepresentación más concreta y duradera que un artista puede hacer, pero en el caso de De Chirico, las estatuas son mucho más. Significan sabiduría, civilización, tradición y un retorno a la pintura figurativa, que él cree que ha sido descuidada.
En sus artículos, anima a los pintores a visitar esculturas: «Sí, a las estatuas para adquirir la dignidad y la religión de la pintura, a las esculturas para degradarte un poco, tú que todavía eras demasiado humano a pesar de tus diabólicas pueriles».
De Chirico nunca perdió su entusiasmo y persistencia por adoptar técnicas antiguas cuando se separó de los surrealistas , quienes, a principios de la década de 1920, finalmente reconocieron la relevancia de sus obras metafísicas – y abrazaron un estilo que incorporaba el barroco y el romanticismo. En lugar de agarrar el futuro, de Chirico se quedó estacionario en medio de una ráfaga de tendencias artísticas revolucionarias.
Preguntas Frecuentes
¿Quién fue Giorgio de Chirico?
Giorgio de Chirico es recordado principalmente como cofundador de la escena artística de la Scuola Metafisica, que floreció en Italia a principios del siglo XX. Exploró las complejidades de la mente con imágenes aterradoras y soñadoras de plazas de pueblos poco iluminadas habitadas por esculturas de mármol, trenes, maniquíes y sombras estiradas. El artista deformó a propósito las perspectivas y aplanó las formas en superficies planas. De Chirico tuvo un fuerte efecto en los surrealistas, especialmente Salvador Dalí, André Breton y René Magritte, pero mientras se inspiraron en el psicoanálisis freudiano, de Chirico reconoció las ideas de Arthur Schopenhauer y Friedrich Nietzsche como sus principales influencias. El arte de De Chirico ahora se puede encontrar en la Tate, el Museo de Arte Moderno y la Colección Peggy Guggenheim, entre otros lugares.
¿Qué legado dejó Giorgio de Chirico?
A pesar de sus 70 años de carrera, las primeras obras metafísicas de De Chirico siguen siendo las más importantes. Tuvo un impacto significativo en los surrealistas. Según André Breton, De Chirico fue uno de los principales portadores de la antorcha de una nueva mitología moderna. Estaba encantado de ser buscado por los surrealistas al principio, pero pronto los denunció como líderes de la necedad modernista.
