La naturaleza del arte ha sido cambiada por muchos movimientos a lo largo de la historia, y ahora es un tapiz rico y vibrante de muchas concepciones, con la época del arte de la década de 1970 siendo una de esas revoluciones. Los artistas de la década de 1970 nacieron en un período históricamente significativo, impactados por eventos sociales de finales de la década de 1960 y obstáculos sistémicos, y generaron algunos de los conceptos más estimulantes. La cultura hippie y las demostraciones estudiantiles de la década anterior dieron lugar a nuevas nociones, y el estilo artístico de la década de 1970 influyó permanentemente en el mundo del arte.
Estilos de arte de la década de 1970
La larga tradición de artistas masculinos sufrió el golpe más agudo en esta era de avance, ya que la creatividad ya no estaba restringida por la dominación de sus creadores masculinos. Los principales individuos en los movimientos artísticos de la década de 1970 revelaron y reflejaron problemas con el cuerpo, la ecología, la documentación artística y el concepto de lo transitorio.
La idea inicial del paisaje artístico se expandió a medida que la fusión del arte y la vida se entrelazó más.
Anuncio de 1971 para la línea «Ding-A-Lings» de robots de juguete por Topper Corporation; Aquí, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La producción creativa se había expandido fuera de los barrios de su capital, la ciudad de Nueva York, para proporcionar una nueva perspectiva sobre el medio ambiente. Expulsando a París de tal punto de vista en la década de 1950, la creatividad artística se ramificó en múltiples direcciones. El arte californiano, el arte latinoamericano e incluso la lejana producción japonesa fueron honrados.
Los cuerpos de los artistas de la década de 1970 sirvieron como el nuevo lienzo debido a su fuerte anhelo y la necesidad de romper con la fabricación tradicional de lienzos.
Performance, un estilo diferente al teatro, floreció. Algo similar ocurrió durante una investigación sobre el concepto de la imagen procesada. La década de 1970 llevó dicha investigación aún más lejos, siguiendo los pasos de Arte pop de la década de 1960 tipos creativos y fotorrealismo, dando origen a la Generación De las Imágenes.
Desafíos que influyeron en el estilo artístico de la década de 1970
A finales de la década de 1960 y principios de la década de 1970 se consideran un momento decisivo, estableciendo una nueva definición para la producción creativa. Este es el momento en que la frase «arte contemporáneo,» a veces conocido como «arte posmodernista», fue acuñado. Gran parte del crédito por este período de cambio va a la cultura hippie y las manifestaciones estudiantiles de 1968, que defendieron las ideas más estimulantes. La creatividad, que siempre ha sido un reflejo de la realidad, ya no podía aceptar la noción preconcebida que ponía a una mujer simplemente como un objeto dentro de una composición.
Hasta la fecha, solo unas pocas artistas femeninas han sido reconocidas. Todo esto cambió debido a Judy Chicago, cuya famosa investigación sobre la falta de maestras modernas se convirtió en el titular de un ensayo.
El arte del feminismo sacudió la base misma sobre la que se basó el arte al pedir un cambio en la definición de un tema y dar una noción de contenido femenino. Judy Chicago’s Dinner Party se destaca como uno de los puntos de referencia más conocidos. Mientras arte feminista Planteadas preocupaciones nunca antes preguntadas sobre cuestiones políticas, identidad y normas de género, la producción de la década de 1970 estiró aún más el papel del autor. El arte corporal y el arte de performance se crearon ofreciendo su cuerpo. ¿Cuál es el espacio que el arte puede ocupar?
Cuál es el mejor método para sorprender e incorporar a la audiencia en el desarrollo de la obra, y cuán crucial es la documentación e incluso la exposición de la obra, fueron solo algunos de los temas que los creativos continuaron abordando.
Los estilos de arte más importantes de la década de 1970
Los conceptos de los movimientos más prominentes de la década de 1960, como el minimalismo, el arte conceptual, el performance y la instalación, así como personalidades como Barbara Kruger, Judy Chicago y Robert Smithson, fueron llevados aún más lejos. Mientras conducían el cuerpo a sus límites, Marina Abramovic, Vito Acconci, Ulay y Ana Mendieta desmantelaron algunas de las ideas más cruciales de la creación.
Con personas tan poderosas, los siguientes movimientos significativos surgieron o fueron redefinidos.
Land Art
La conexión con la naturaleza y su significado en las obras de diversos autores se remonta a los albores de los tiempos. El principal avance en la pintura ocurrió cuando Pintores impresionistas pintado en Plein air con sus caballetes. Sin embargo, con el advenimiento de land art, la naturaleza se hizo más than simplemente un fondo; se convirtió en otra superficie en la que los creativos enterraron las preocupaciones de la creación artística formal.
La estructura de piedra de Robert Smithson «Spiral Jetty», implantada en un lago salado en Utah en 1970, transformó no solo el aspecto del arte, sino también su conexión con los entornos de exposición tradicionales y el mercado.
Spiral Jetty de Robert Smithson, desde lo alto de Rozel Point (mediados de abril de 2005); Escultura: Robert Smithson 1938-1973Imagen:Soren.harward en en.wikipedia, dominio público, vía Wikimedia Commons
El entorno permanente al aire libre, los materiales utilizados y el hecho de que la exhibición de la pieza dependía del nivel de agua del lago se alejaron del concepto de la pieza de arte como un artefacto. Este movimiento también está asociado con Walter De Maria, Robert Smithson y Richard Long.
En Japón, el colectivo informal Mono-ha fue igualmente significativo en la remodelación de las percepciones de la escultura, sus materiales y la naturaleza transitoria de la obra.
Arte feminista
El arte feminista dio un fuerte paso adelante entre la intensidad de las manifestaciones contra la guerra, los actos de derechos civiles y LGBT, y la llegada del movimiento de Liberación de la Mujer. Abordando los problemas socioeconómicos, políticos y culturales de la feminidad, las artistas feministas intentaron crear una conversación entre el público y la obra a través de la incorporación de un punto de vista de las mujeres.
Escritoras como Judy Chicago crearon el escenario para temas mayores sobre equidad, cultura, ética y la necesidad urgente de reescribir la historia del arte al desafiar el paradigma que prohibía firmemente la membresía de artistas femeninas en grupos dominados por hombres.
Creencia +Duda (2012) de Barbara Kruger, en el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas; BettyLondon, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Las artistas feministas extendieron la noción de bellas artes con obras provocativas como Dinner Party de Chicago, las posteriores piezas de declaración basadas en texto de Barbara Kruger, la fotografía de Cindy Sherman desafiando las ideas preconcebidas o el anuncio en Artforum que retrata a Lynda Benglis desnuda y maneja un enorme juguete sexual.
Muchos comentaristas han cuestionado recientemente si los movimientos revolucionarios como este finalmente han producido otra posición dominada por el género y han hecho otro daño a las artistas femeninas.
Arte Gutai
Gutai tuvo un gran impacto en Happenings de Allan Kaprow, y Jackson Pollock, el famoso Pintor expresionista abstracto, también era consciente de ello. A pesar de que esta tendencia protoconceptual japonesa se fundó en 1954 y duró hasta la década de 1980, gran parte de su trabajo significativo se creó durante la década de 1970.
El propósito del grupo era romper con la creación artística tradicional, que estaba representada en su nombre.
Rastro de pies en la pintura de Shiraga, un ejemplo del arte Gutai; Jean-marc.bottazzi, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
El emparejamiento de las palabras gu, que significa «herramienta», y tai, que significa «cuerpo», ilustra mejor la concentración en la salida, en la que el cuerpo del artista estaba en el corazón y era la herramienta principal. Kazuo Shiraga, por ejemplo, creó sus lienzos usando solo sus pies, mientras que las obras de arte de Atsuko Tanaka mezclaron objetos domésticos, o descubrieron la tecnología, con el arte de performance.
Si bien estos artistas japoneses tuvieron un gran efecto en el arte conceptual y de performance de la década de 1970, no fue hasta más tarde que su valor se hizo evidente y ganó la atención del mercado occidental.
Performance
Las ocurrencias de Yves Klein, el trabajo exploratorio de John Cage y los gestos y trabajos estimulantes de Joseph Beuys dieron forma al arte de performance al usar el cuerpo femenino desnudo como medio, un lienzo en vivo. Sin embargo, a lo largo de nuestra década de énfasis, tal movimiento surgió con un propósito diferente en mente. El arte de performance en el período era más estricto, demoliendo por completo las suposiciones tradicionales sobre el tiempo, el espacio, el lugar y el tema.
Tales eventos fomentaron la expresión de indignación por las injusticias sociales y el tema de los problemas de las mujeres, haciéndose eco del arte feminista.
Actuación de Marina Abramović y Uwe Laysiepen (1978); Marina Abramović y el Museo CODA, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Marina Abramović fue genuinamente pionera al incluir un elemento de resistencia. Rhythm O de Abramović se inspiró en la Pieza Cortada de Yoko Ono, que se interpretó originalmente en 1964 y llevó su cuerpo al máximo mientras comentaba las injusticias que las mujeres han enfrentado. En algunos de los actos más inquietantes del accionismo vienés, el cuerpo no erat salvado, como cuando Chris Burden le pidió a un amigo que le disparara con un rifle por la causa del arte de la protesta. Vito Acconci, entre los antes mencionados, fue importante en la obra que difuminó las líneas entre la carne y el lienzo, la agonía y la creación.
Arte abstracto de la década de 1970
En la década de 1970, arte abstracto en el Reino Unido estaba en un estado de cambio. Al menos, eso es lo que parecía ser para algunos. Si se había vuelto hegemónico en la década de 1960, esa postura única estaba en declive. En el campo de las pinturas de la década de 1970, la figuración estaba resurgiendo, mientras que fuera de ella, la performance y el rendimiento arte conceptual se estaban convirtiendo rápidamente en las formas de arte más prominentes, contribuyendo a la estasis del arte abstracto de la década de 1970.
Los críticos de arte moderno, por otro lado, no están de acuerdo, afirmando que el arte abstracto en esta década fue dinámico y diverso.
Artistas importantes de la década de 1970
La década de 1970 marcó la conclusión de los días de gloria entre la Segunda Guerra Mundial y 1975, y fueron una era de tremenda transformación. En medio de la agitación política y social, generó una nueva catástrofe económica. Los artistas famosos de la década de 1970 reflejan su época en su trabajo. Experimentaron con la fotografía sociológica, los nuevos horizontes fotográficos, el arte abstracto de la década de 1970 y el retrato hiperrealista en un estilo e idea estética ecléctica.
¿Estás listo para aprender sobre los pintores significativos que dieron forma a esta era en la historia del arte?
Betye Saar (1926 – presente)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 30 de julio de 1926 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | Los Ángeles, Estados Unidos |
Betye Saar es un conocido artista de ensamblaje y una verdadera leyenda en el mundo del arte moderno, habiendo alcanzado el reconocimiento internacional en la década de 1970. Saar fue parte del Movimiento de las Artes Negras en la década de 1970, que estaba compuesto por autores, poetas, artistas y pintores que mezclaban la política con el arte.
El tiempo es repetitivo en el arte de Betye Saar. La historia y los recuerdos, los sentimientos y el conocimiento pasan una y otra vez, conectando a la artista y a los espectadores de su trabajo con las generaciones anteriores.
Un sitio de instalación que anuncia la exposición de Betye Saar; Archivos Nacionales en College Park – Imágenes fijas, dominio público, vía Wikimedia Commons
Esto es evidente en su dedicación de décadas a temas, imágenes y objetos específicos, así como en su continua reinvención de ellos. «Ya no puedo categorizar el arte diciendo que se trata de lo oculto, que se trata de chamanismo, o que se trata de tal y cual», declaró, «Está todo junto y es simplemente mi trabajo».
Judy Chicago (1939 – presente)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 20 de julio de 1939 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | Chicago, Estados Unidos |
Judy Chicago, conocida por sus primeros trabajos feministas, ha estado desafiando a la industria del arte dominada por los hombres desde la década de 1970. Sus vastos proyectos de instalación de arte colaborativo sobre imágenes de nacimiento y creación, que analizan el papel de las mujeres en la historia y la sociedad, la han convertido en una artista feminista, educadora de arte y escritora hasta el día de hoy. Su arte ya ha abarcado cinco décadas y es conocida por su vibrante paleta de colores.
Chicago estableció el primer plan de estudios de artes feministas en América del Norte en la Universidad Estatal de California en la década de 1970 y sirvió como una chispa para las artes feministas y la instrucción artística.
The Dinner Party (1979), que se exhibe permanentemente en el Museo de Brooklyn, es la pieza más conocida de Chicago de la década de 1970. The Dinner Party es ampliamente considerada la primera gran obra feminista, honrando los logros de las mujeres a lo largo de la historia.
La instalación incluye 39 lugares que representan a mujeres históricas, que van desde Juana de Arco hasta Emily Dickinson, así como 999 nombres garabateados en el suelo.
Chuck Close (1940 – 2021)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 25 de octubre de 1941 |
| Fecha de fallecimiento | 19 agosto 2021 |
| Lugar de nacimiento | Monroe, Estados Unidos |
El aporte de Chuck Close al retrato creció con el tiempo a medida que dominaba una variedad de técnicas de pintura y dibujo, incluyendo grafito, tinta, pastel, crayón conté y pintura con dedos; técnicas de grabado, incluyendo grabado, xilografías de mezzotinta y serigrafías; y fotografías Polaroid, papel hecho a mano collage, y tapices de Jacquard. Sus habilidades iniciales con el aerógrafo influyeron en el diseño de la impresora de inyección de tinta. Como estudiante de posgrado en la Universidad de Yale, se destacó por su hábil pincelada.
Apareció «atado a convertirse en un expresionista abstracto de tercera generación, pero con una pizca de iconoclasia pop» allí, como imitaba. Willem de Kooning.
Close lanzó varias obras basadas en imágenes en blanco y negro de un desnudo femenino, que reprodujo en lienzo y repintó en color, después de una fase en la que incursionó con composiciones figurativas.
En 1967, decidió renunciar al pincel para hacer que la pintura fuera más difícil para sí mismo e inducir un avance artístico creativo.
Close admitió: «Tiré mis herramientas. Opté por hacer cosas que no sabía hacer. En un sentido extraño, elegir no hacer nada es más positivo que elegir hacer algo. Si te fijas la meta de no hacer algo que has hecho anteriormente, serás empujado a viajar a lugares a los que nunca has ido antes».
Lynda Benglis (1941 – presente)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 25 de octubre de 1941 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | Luisiana, Estados Unidos |
Lynda Benglis provocó indignación cuando posó desnuda y agarrando un enorme consolador en un póster que publicó en Artforum en 1974, anunciando una próxima exposición en la Galería Paula Cooper. Benglis se sentía marginado en el mundo creativo dominado por los hombres, por lo que satirizó a las chicas pin-up, los actores de Hollywood y las imágenes típicas de mujeres desnudas en obras de arte clásicas en una secuencia de anuncios.
Benglis eligió el medio de la publicidad en revistas porque le daba un control completo sobre una imagen en lugar de permitir que se sometiera a un análisis crítico.
Fotografía de Lynda Benglis de un anuncio en la edición de abril de 1974 de Artforum; Cheim & Read, Nueva York, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
El vertido de poliuretano y látex de Benglis de finales de los años 1960 y 1970 anunció su introducción en la escena artística de Nueva York, además de sus icónicos comerciales. Utilizó el video como una rama de su obra escultórica en la década de 1970, creando más de una docena de piezas entre 1972 y 1977.
Barbara Kruger (1945 – presente)
| Nacionalidad | Americano |
| Fecha de nacimiento | 25 de octubre de 1941 |
| Fecha de fallecimiento | N/A |
| Lugar de nacimiento | Newark, Estados Unidos |
Barbara Kruger, una Artista estadounidense conocida por su trabajo de eslogan basado en texto que se centra en las desigualdades de género, abandonó sus tapices de pared (que se denominaron un «oficio de mujeres») en la década de 1970 por las obras de frases basadas en texto por las que es reconocida hoy en día. A pesar de que varios de estos grandes tapices de pared se presentaron en la Bienal de Whitney, Kruger permaneció insatisfecha con sus obras. Comenzó a fotografiar en 1977 y creó una serie de imágenes en blanco y negro de los exteriores de los edificios con sus observaciones literarias sobre las vidas de las personas que vivían en el interior.
«Picture/Readings» fue publicado en 1979 como un libro de artista. Este fue el comienzo del lenguaje artístico de Kruger, que continuaría expandiendo a lo largo de su carrera hasta nuestros días.
La libertad de las mujeres, la ecología y una serie de modas extravagantes tipificaron la década de 1970. La década de 1970 fue de todo, desde colores pacíficos, desde colores brillantes y patrones locos hasta innovaciones extrañas, y el mundo del arte no fue una excepción. Los trastornos sociales y los problemas sistémicos de la década anterior inspiraron fuertemente al mundo del arte en la década de 1970, lo que resultó en algunos de los conceptos más estimulantes que se conocen actualmente.
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Preguntas Frecuentes
¿Quiénes fueron los artistas más famosos de las pinturas de la década de 1970?
Durante esta década, numerosos pintores estadounidenses han hecho contribuciones significativas al arte estadounidense. Los contribuyentes notables de larga data a las pinturas de la década de 1970 incluyen Roy Lichtenstein, Lee Krasner, Agnes Margin, Jasper Johns y Andy Warhol. Además, varios artistas más jóvenes, como Frances Barch, Susan Rothenberg y Joel Shapiro, debutaron en la década de 1970.
¿Cuál fue la importancia del arte de la década de 1970?
En este período de avance, la tradición de los artistas masculinos se trató de la golpe más severo hasta ahora, ya que la creatividad ya no estaba limitada por el dominio de sus inventores masculinos. Las principales figuras de los movimientos artísticos de la década de 1970 expusieron y comentaron temas como el cuerpo, el medio ambiente, la documentación artística y la noción de lo efímero. El concepto de paisaje artístico creció a medida que la fusión del arte y la vida se entrelazó más.
