Art Deco fue un movimiento artístico que se dio a conocer inicialmente en una exposición celebrada en París en 1925. Si bien alcanzó el apogeo de la popularidad durante las décadas de 1920, 1930 y 1940, el Art Deco fue en realidad un movimiento que había estado en desarrollo durante más de una década antes de su anuncio. Visto como un estilo de arte muy decorativo, los artistas Art Deco pronto experimentaron con los géneros de diseño, pintura, muebles, arquitectura y construcción dentro de su ámbito estilístico.
¿Qué es el Art Deco?
A veces referido simplemente como «Deco», Art Deco era un estilo de arte que se caracterizaba por colores vivos y una geometría atrevida que conducía a obras de arte extremadamente lujosas y detalladas. Como un estilo de artes visuales que incorporó elementos de arquitectura y diseño, el Art Deco apareció por primera vez en Francia justo antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial. Sin embargo, este movimiento solo se anunció al público en 1925 en la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, que se basó libremente en el concepto de la Feria Mundial.
Postal de la visión general de la Exposición de Artes Decorativas e Industriales de 1925; SiefkinDR, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Art Decorates, como a veces se le conocía, pasó a influir en el diseño de muebles, joyas, moda, automóviles, teatros, trenes e incluso edificios. Los objetos cotidianos, como aspiradoras y radios, no fueron inmunes al impacto realizado por el Art Deco e incorporaron características reveladoras del estilo icónico.
A medida que trabajaba para integrar estilos avanzados con un arte excepcional y materiales decadentes, el Art Deco pasó a representar la opulencia, la elegancia, la vitalidad y la confianza en el progreso social y tecnológico que se produjo en su mejor momento.
Desde el principio, el Art Deco demostró estar influenciado por las audaces formas geométricas que se hicieron famosas por el movimiento cubismo, así como por los colores brillantes utilizados en su interior. Fauvismo. Trayendo consigo un gran sentido del orden, el estilo Art Deco presentó diseños proporcionados y equilibrados en formas exuberantes y alegres. El diseño Art Deco logró encontrar su camino en muchas formas de diseño de principios del siglo 20, con el movimiento experimentando con elementos de bellas artes, arquitectura, moda, mobiliario, formas de transporte, e incluso electrodomésticos ordinarios.
Salón de los Espejos en Carew Tower; Laura Mckenzie Waters, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Como movimiento artístico, las características que definían el Art Decó eran fácilmente identificables. El arte deco fue típicamente reconocido como una mezcolanza de diferentes estilos y visto como una amalgama ecléctica de varias influencias, materiales y formas. Debido a esto, puede ser difícil diferenciar el estilo Art Deco de otras escuelas de arte similares como Art Nouveau, Art Moderne, la escuela Bauhaus o el movimiento Arts and Craft.
A pesar de eso, el período Art Deco fue increíblemente influyente, con su manera decorativa que inspiró una variedad de otros estilos artísticos.
Una historia del movimiento Art Deco
Hacia finales del 19ésimo siglo, muchos Artistas franceses, arquitectos y diseñadores que fueron fundamentales en el desarrollo del Art Nouveau notaron que el movimiento se había vuelto muy anticuado. Con el 20ésimo Acercándose el siglo, y los efectos de la Revolución Industrial entrando en juego, los creativos se inspiraron para producir un estilo de arte que gritaría «de buen gusto y moderno» desde los tejados. El período Art Deco estaba decidido a restaurar la reputación de Francia como el creador de primera clase de las artes decorativas una vez más.
El establecimiento del Salón o Société des artistes décorateurs en Francia, que diseñaba muebles, interiores y arte, ayudó a elevar el respeto por los objetos de arte.
Logotipo de la Société des artistes décorateurs (SAD), diseñado por Gustave Miklos, 1930; Pierre Gencey, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
Esta sociedad ayudó a expandir lentamente la definición de arte más allá de la pintura y la escultura a otros dominios que no se habían considerado antes, como la cristalería y la joyería. Eventualmente, aquellos que crearon obras Art Deco que antes no se consideraban «bellas artes» de repente fueron vistos como artistas en lugar de meros artesanos.
El estilo pulido y aerodinámico que era Art Deco surgió de un deseo anhelante y asertivo de liberarse del pasado y dar la bienvenida al futuro en toda su fabricación.Brillo ured y accionado por máquina.
La prominencia de la era Art Deco aumentó y cayó entre las dos Guerras Mundiales, con el estilo jugando un papel importante en el moldeo de la visión moderna de Occidente. Esto fue particularmente notable en Francia y los Estados Unidos, donde la influencia del estilo Art Deco se pudo ver en los tipos de arquitectura que se utilizaron.
Mientras que el Art Deco enfatizaba las características de velocidad, potencia y progresión, sus obras de arte se contrastaban con los elementos más ligeros y delicados del movimiento Art Nouveau anterior para crear un estilo verdaderamente único. El Art Nouveau, que era un estilo predominante antes de la Primera Guerra Mundial, se inspiró en gran medida en el mundo natural e incorporó cosas como enredaderas sinuosas, pétalos de flores y olas fluidas en las obras de arte creadas. Esta celebración de las formas orgánicas difería mucho del estilo limpio y geométrico del Art Deco.
Una pintura temprana de estilo Art Deco de René Crevel, 1915; René Crevel, CC0, vía Wikimedia Commons
Visto como un estilo bastante estructurado, el Art Deco adquirió una autoindulgencia muy al estilo de Gatsby basada en los tipos de obras creadas. Adoptando características de la icónica novela de F. Scott Fitzgerald, The Great Gatsby, el estilo Art Deco celebró la extravagancia, la frivolidad y la decadencia que surgieron durante la década de 1920 en Estados Unidos. Así como los personajes del libro de Fitzgerald estaban obsesionados con el brillo y el glamour que era sinónimo del estilo de vida en ese momento, el Art Deco celebraba todo lo que se consideraba lujoso y con visión de futuro.
Como estilo de arte, el Art Deco fue considerado como una de las épocas más emocionantes del diseño.
Se aferró a la floreciente América de la posguerra con sus nuevos inventos que estaban disponibles incluso para la persona promedio, lo que llevó a los gustos de los consumidores por el lujo a ir por las nubes. Como resultado, el estilo Art Deco se vio obligado a desarrollarse rápidamente para reflejar esta embriagadora sensación de progreso. El Art Deco también evolucionó junto con otros movimientos de vanguardia y aspectos de la cultura en ese momento, lo que resultó en una mezcla de arte, diseño, moda y performance.
Cartel del baile de máscaras de estilo Art Deco de René Crevel, 1924; René Crevel, CC0, vía Wikimedia Commons
Durante la Gran Depresión en la década de 1930, el arte Deco se volvió más moderado a medida que el gusto popular cambió hacia formas menos ostentosas que incluían materiales como el acero inoxidable, el cromado y el plástico. Sin embargo, el estilo pasó rápidamente de moda durante la Segunda Guerra Mundial.
Durante la década de 1960, se fomentó una fascinación restaurada en el diseño Art Deco y, a partir de hoy, el Art Deco sigue siendo una motivación clave en áreas de arte decorativo, moda e incluso diseño de joyas.
Representando el modernismo que se convirtió en moda, el Art Deco existe como uno de los primeros estilos verdaderamente internacionales. El propósito detrás de las obras de arte era crear una forma elegante y antitradicional de refinamiento que representara la riqueza y la sofisticación. El Art Deco marcó una época de optimismo recién descubierto después de la Primera Guerra Mundial y se orientó hacia el futuro y las nociones contemporáneas de progreso.
La Sociedad de Artistas Decorativos (1901 – 2000)
El Art Decó alcanzó su apogeo en 1925 cuando el gobierno francés promovió la Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes. El único requisito real para exponer en esta feria era que todas las obras de arte debían ser «completamente modernas», lo que demostraba el enfoque del movimiento. La exposición demostró ser increíblemente popular y fue ampliamente visitada, lo que ayudó a establecer firmemente el Art Deco en la historia del arte. El espectáculo también provocó el nombre oficial del movimiento, Arts Decorates.
Postal de la Torre Eiffel por la noche con la palabra «Citroën» en las letras iluminadas, Exposition des Arts Décoratifs, 1925; Rijksmuseum, CC0, vía Wikimedia Commons
Esta sociedad estaba formada por figuras famosas en el mundo del arte, como el diseñador y grabador de Art Nouveau Eugene Grasset, y el arquitecto de Art Nouveau Hector Grimard. Otros artistas decorativos y diseñadores en ciernes también se unieron a este grupo y ayudaron con el desarrollo de su estilo. El gobierno francés demostró ser increíblemente partidario de este estilo de arte y ayudó a fomentar el crecimiento de esta actividad artística.
Uno de los principales objetivos de este grupo era impugnar la organización jerárquica de las artes visuales que degradaba a los artistas decorativos a un estatus inferior en comparación con las formas más tradicionales de pintura y escultura.
Esto se debió a que el estilo Art Deco fue tratado como el «Cind».erella» del mundo del arte – supuestamente inadecuado en comparación con las otras formas de arte que existían. En base a esto, el propósito de la exposición era introducir el nuevo tipo de arte decorativo que se había formado pero que se pospuso por varias razones hasta 1925.
La exposición que inició formalmente el inicio del movimiento Art Deco
El gobierno francés, que acogió la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, fue visto como responsable de introducir el estilo Art Deco en el mundo del arte. Más de 15,000 artistas, arquitectos y diseñadores presentaron sus obras en esta exposición que duró siete meses, con más de 16 millones de personas de todo el mundo que vinieron a ver las exhibiciones individuales. Por lo tanto, esta exposición fue considerada como el catalizador que lanzó el comienzo del movimiento Art Deco.
Postal de la vista general o principal de la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, París, 1925; Autor desconocido Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
Una definición art déco apropiada
Cuando se habla de una definición Art Deco adecuada, el hecho de que fue uno de los estilos más influyentes y decorativos desde principios de los años 20ésimo el siglo generalmente se incluye en la interpretación. Tomando su nombre de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas, el término «artes decorativas» se utilizó por primera vez en Francia en 1858 antes de que se decidiera la icónica etiqueta de «Art Deco». Una vez que el movimiento tuvo un nombre, rápidamente ganó aceptación en todo el mundo.
Al principio, el término «Art Deco» fue utilizado de manera desdeñosa por el arquitecto modernista Le Corbusier.
Le Corbusier, 1964; Joop van Bilsen / Anefo, CC0, vía Wikimedia Commons
El nombre fue utilizado en artículos donde se burlaba del estilo por su embellecimiento, que era una característica que Le Corbusier consideraba inútil en la arquitectura moderna. Si bien los partidarios del estilo Art Deco lo elogiaron por su enfoque despojado, su nombre todavía fue recibido con mucho desprecio. Solo a fines de la década de 1960, cuando se comenzaba a pagar un mayor interés hacia el estilo, se restauró la definición Art Deco.
La definición Art Deco fue utilizada de manera positiva por primera vez por el crítico e historiador de arte británico, Bevis Hillier. Su uso definitivo del término «Art Deco» en su primer libro, Art Deco de los años 20 y 30, cimentó adecuadamente el nombre en la historia del arte.
Sobre la base de esto, la definición Art Deco describió el movimiento como uno que estaba formado por formas geométricas audaces y colores fuertes que se utilizaron en una variedad de formas de arte, especialmente en arquitectura y objetos.
Diferentes formas de art art déco
El período Art Deco se caracterizó por obras de arte armoniosas, limpias, geométricas, elegantes, generalmente sin complicaciones y visualmente agradables. Las principales características visuales del estilo derivan del uso repetitivo de formas lineales que con frecuencia incluían formas triangulares, trapezoidales, zigzag y con patrones de chevron. Al igual que el movimiento precursor del Art Nouveau, objetos como humanos, animales o incluso flores se representaron de una manera altamente estilizada y aerodinámica para mantener la estética general del Art Deco.
Pintura de estilo Art Deco, Pantera Negra en el Bambú (1926) de Gaston Suisse; Dominique Suisse, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Para mantenerse al día con el énfasis del estilo en la tecnología moderna, los artistas Art Deco unieron materiales naturales con materiales modernos y hechos por el hombre como plástico sintético, vidrio, hormigón armado y acero inoxidable. Sin embargo, cuando se necesitaba un toque de sofisticación de las obras de arte Art Deco, los diseñadores trabajaron para incorporar materiales más inusuales en sus obras para dar una sensación más rica, como marfil, cuerno e incluso piel de cebra.
Basado en este estilo, el movimiento Art Deco estaba menos conectado con las formas tradicionales de arte supuestamente superiores que se componían de pintura y escultura.
Como el diseño Art Deco fue influenciado por la industrialización y los avances técnicos en la sociedad, las obras de arte mostraron aprobación por la modernidad de la máquina y las cualidades de diseño innatas de los objetos hechos a máquina. Esto llevó a que el Art Deco se experimentara principalmente dentro del diseño, el mobiliario, la arquitectura y los edificios.
Diseño Art Deco
Cuando apareció por primera vez, el estilo Art Deco esgrimió su impacto en todo el arte gráfico de la época. Esto se hizo de tal manera que el impacto del italiano Futurismo se reveló, ya que la pasión del estilo por la velocidad y su devoción por la máquina se podían ver en las obras producidas.
El uso de líneas para denotar movimiento, hecho famoso por artistas futuristas, fue utilizado por los creativos Art Deco en forma de líneas paralelas y formas estrechas para indicar el concepto de equilibrio y racionalización.
Cartel de turismo de Marte ficticio de estilo Art Deco encargado por SpaceX. Este póster anuncia Olympus Mons, 2015; SpaceX, CC0, vía Wikimedia Commons
El diseño Art Deco pasó a presentar muchos aspectos que implicaban movimiento a mediados de la década de 1930, ya que el movimiento demostró una influencia de los estándares aerodinámicos avanzados que se desarrollaron para la aviación y la balística para disminuir la resistencia aerodinámica a altas velocidades. Las formas que ayudaron a significar movimiento se usaron en muchos diseños Art Deco diferentes e incluso aparecieron en objetos que realmente no estaban destinados a moverse, como refrigeradores y edificios.
Cartel de viaje de Japón de estilo Art Deco, Ontake Shosenkyo Valley (Agencia de Trenes de Nagoya, década de 1930); Nagoya Train Agency, dominio público, vía Wikimedia Commons
En términos de las imágenes producidas, los elementos de diseño Art Deco se podían ver en las formas básicas y enormes secciones de colores sólidos que se utilizaron. Estas características eran similares a las xilografías japonesas, que los artistas Art Deco buscaban para inspirarse. La afluencia de arte japonés a Europa después de la Primera Guerra Mundial dejó un gran impacto en los países, especialmente en Francia.
Los artistas descubrieron que la simplicidad de estas impresiones de xilografía reflejaba los estilos claramente modernos y elegantes que art deco estaba tratando de crear.
Muebles Art Deco
Otra característica destacada del arte Art Deco fueron los muebles que se produjeron durante la era del movimiento. No fue hasta finales de la década de 1920 que se exploró el concepto de muebles, con los diseños de muebles Art Nouveau de vanguardia que inspiraron a los creativos Art Deco emergentes. Los tipos de muebles que se crearon entonces bajo el nuevo estilo Art Deco demostraron ser más básicos y menos arqueados en el diseño, con la modernidad existente como el mensaje principal.
A medida que el movimiento Art Deco continuó, Émile-Jacques Ruhlmann apareció como el precursor en muebles.
Estudio de estilo Art Deco de los Mobiliers Maharajah d’Indore por Jacques-Émile Ruhlmann, 1932; Jean-Pierre Dalbéra de París, Francia, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Mientras que sus muebles se inspiraron en el estilo neoclásico del 18ésimo Siglo, trabajó para eliminar la mayor cantidad posible del adorno mientras seguía utilizando los lujosos materiales preferidos por los diseñadores de Art Nouveau.
Estos materiales incluían caoba, ébano, marfil e incluso carey. Como estaban completamente fuera del alcance de las personas comunes, sus muebles solo estaban disponibles para los ciudadanos más acomodados.
Como las obras de muebles de Ruhlmann parecían fluctuar entre el estilo Art Nouveau y Art Deco, esto dejó un vacío en el mercado para que llegara un diseñador de muebles Art Deco más definitivo. Esto ocurrió en la forma de Jules Leela, que era simplemente un diseñador tradicional antes del desarrollo del período Art Deco. Leela, después de encontrar inspiración en el nuevo y emocionante estilo Art Deco, pasó a diseñar los muebles presentados en el gran comedor del Palacio del Elíseo en París, que fue su proyecto más icónico.
Arquitectura Art Deco
La arquitectura que surgió del período Art Deco es posiblemente una de las características más conocidas de todo el movimiento artístico. Haciendo su debut en París entre 1903 y 1904, Arquitectura Art Deco comenzó con la construcción de dos edificios de apartamentos diseñados por Auguste Perret y Henri Savage. Estos dos arquitectos trabajaron con hormigón armado por primera vez en edificios suburbanos parisinos, con sus líneas limpias, formas rectangulares y falta de decoración en la fachada que demuestran una clara desviación del estilo Art Nouveau.
Arquitecto Auguste Perret, 1932; Nadine.bilis, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Por lo tanto, la arquitectura Art Deco se distingue por diseños de bordes duros y a menudo ampliamente decorados enfatizados por acentos de metal brillantes. Muchos de los edificios diseñados utilizando las características de la arquitectura Art Deco tienen un énfasis vertical, ya que fueron construidos de una manera que significaba atraer los ojos of los que caminan por las calles hacia arriba.
Los edificios creados en este estilo a menudo eran rectangulares, bloqueados y organizados geométricamente, con la adición de características ornamentales curvas que se sumaban al efecto elegante que se pretendía.
Vestíbulo del edificio Chrysler en la entrada de la calle 42, banco central de ascensores con iluminación Art Deco; «Axel Tschentscher», CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Algunos de los ejemplos estadounidenses más famosos de arquitectura Art Deco incluyen una variedad de rascacielos que se construyeron en la ciudad de Nueva York, así como varios edificios de color pastel que se construyeron en Miami. En el período de entreguerras, el Art Deco se convirtió rápidamente en el estilo arquitectónico más común y popular disponible y comenzó a extenderse a otras partes del mundo. La influencia de la arquitectura Art Decó durante la primera mitad de los 20ésimo Siglo todavía se puede ver al mirar algunos de los edificios predominantes que todavía se mantienen en pie en Los Estados Unidos hoy en día.
Edificio Art Deco
Algunos de los edificios más reconocibles de América hoy en día representan el estilo y los patrones Art Deco en su arquitectura. Después de la Primera Guerra Mundial, los edificios Art Deco que hacían uso de acero y hormigón armado comenzaron a aparecer en las grandes ciudades de América y Europa. En Estados Unidos, estos edificios se usaban típicamente para oficinas, cines, estaciones de ferrocarril y edificios gubernamentales.
Los elementos de construcción Art Deco también aparecieron en algunos proyectos de ingeniería, especialmente en las torres del puente Golden Gate en San Francisco.
Vista de teleobjetivo que muestra la parte superior de la torre del puente Golden Gate, 1984; Lowe, JetNombres relacionados:Strauss, Joseph BPacific Bridge CompanyJohn Roebling’s Sons CompanyBethlehem Steel Company IncorporatedJackson, Donald C, transmitterYearby, Jean P, transmitterJandoli, Liz, transmitter, Public domain, via Wikimedia Commons
Los edificios Art Deco más famosos, que todavía existen en su forma original hoy en día, incluyen el Rockefeller Centre, el Empire State Building y el verdaderamente icónico Chrysler Building, todos ubicados en la ciudad de Nueva York. Considerados como las expresiones más conmemorativas del estilo Art Deco, estos edificios se convirtieron en los edificios contemporáneos más altos y reconocibles del mundo en ese momento. Fueron diseñados esencialmente para demostrar la reputación de los constructores a través de su altura, forma, color y el sorprendente resplandor de la noche.
Los rascacielos fueron vistos como una creación completamente moderna dentro de la era Art Deco.
Estos edificios enfatizaban las líneas ordenadas y la estabilidad a un nivel a menudo vertiginoso. El horizonte de Nueva York fue drásticamente alterado por el Edificio Chrysler en 1930, que se erigió como el pináculo del éxito en lo que respecta a la construcción Art Deco. Con 77 pisos, era conocido como el el edificio más alto del mundo durante 11 meses hasta que comenzó la construcción del Empire State Building. El Edificio Chrysler existía como un gran comercial para los automóviles Chrysler.
Una postal del Edificio Chrysler, 1932; Autor desconocido Autor desconocido, dominio público, vía Wikimedia Commons
Lo que hizo que el Edificio Chrysler fuera tan simbólico fue su estilo de decoración. Triángulos alrededor de los niveles curvos adornaban la cima del edificio, con estas formas colocadas de una manera que copiaba el sol brillando hacia un pico. Las gárgolas Art Deco también se presentaron como ornamentación que imitaba de cerca el adorno del capó de un automóvil.
Este rascacielos que desafía la gravedad, como se describió en ese momento, presentaba todos los elementos esenciales del edificio Art Deco, ya que invocaba la lucha moderna entre el hombre y la naturaleza en su arquitectura.
Logros clave del Art Deco
Como estilo moderno de creación, el Art Deco intentó mezclar objetos funcionales con toques artísticos. Este es uno de los aspectos que hicieron que el Art Deco fuera tan diferente de otros estilos de bellas artes como la pintura y la escultura, ya que las obras de arte no tenían otro propósito o uso real más allá de funcionar como algo intrigante para que los espectadores lo vieran.
Con la aparición de la fabricación generalizada, los artistas Art Deco pudieron mejorar la apariencia de sus objetos funcionales producidos en masa para que fueran accesibles para todos en la sociedad.
Uno de los mayores logros del movimiento Art Deco fue el hecho de que casi todo podía verse como arte, desde algo tan simple como relojes, cristalería y ceniceros hasta creaciones más complejas como automóviles y edificios.
Cristalería de estilo Art Deco, c. 1899-1930; Biblioteca Nacional de Noruega, dominio público, vía Wikimedia Commons
Esto demostró la búsqueda del Art Deco para encontrar la belleza en todas las facetas de la vida, con el objetivo del movimiento de reflejar la considerable originalidad y el uso masivo de la tecnología de la era de las máquinas que existía en ese momento. Art Deco logró esto centrándose en la elegancia y el atractivo de los objetos que ya existían a nuestro alrededor, con otro logro de la era Art Deco siendo su objetivo verdaderamente democrático. Los artistas intentaron hacer que incluso los objetos más simples y sin refinar, como los objetos hechos a máquina, fueran lo más estéticamente agradables posible.
Art Deco en América
En Estados Unidos, el movimiento Art Deco se encontró con un enfoque completamente diferente. Herbert Hoover, que era el Secretario de Comercio en ese momento, declaró que no Artistas estadounidenses y a los diseñadores se les permitió exhibir su trabajo en la Exposición Internacional en Francia. Esto se debió a que Hoover creía que aún no habían ideado un estilo de arte explícitamente estadounidense que fuera lo suficientemente «nuevo».
En respuesta a esto, envió un grupo a Francia para evaluar las obras de arte en la Exposición y traer a casa cualquier idea que pudiera aplicarse en un sentido artístico y arquitectónico estadounidense moderno.
Dentro de esta cohorte itinerante, Hoover incluyó figuras importantes del Museo Metropolitano de Arte y el Instituto Americano de Arquitectura, así como varias personas de The New York Times. Este viaje a Europa inspiró una expansión casi instantánea de la innovación artística y la creación en los Estados Unidos.
Salón de los Espejos de estilo Art Deco dentro de la Torre Carew, Ohio; EEJCC, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
El estilo Art Deco estadounidense demostró ser bastante diferente del estilo original que se desarrolló en Francia. Apodado «Streamline Moderne», el Art Deco estadounidense era una versión más disminuida y elegante en comparación con el complejo y regularmente personalizado estilo Art Deco europeo.
Haciendo hincapié en los avances tecnológicos de la época, el Art Deco estadounidense creció y se expandió rápidamente para tener un seguimiento y uso mucho mayor en los Estados Unidos que en Europa.
La presencia de un estilo Art Deco único ayudó a devolver cierta confianza y creencia en el progreso social en Estados Unidos, ya que se pensaba que las obras de arte que se crearon eran una expresión de orgullo nacional. Las Ferias Mundiales Americanas en Chicago (1933) y nueva york (1939) presentaron principalmente diseños Art Deco, ya que Hollywood adoptó el estilo y lo hizo atractivo en todo el país. El rápido crecimiento del Art Deco estadounidense creó una expresión de democracia a través de sus diseños, que se hicieron accesibles a los ciudadanos comunes.
Art Deco tardío
En 1925, dos escuelas completamente diferentes y contendientes coexistían dentro del movimiento Art Deco. Estas escuelas estaban formadas por los tradicionalistas y los modernistas. Los tradicionalistas, que originalmente habían establecido la Sociedad de Artistas Decorativos, incluían al diseñador de muebles Emile-Jacques Ruhlmann, el diseñador de interiores Jean Dunant, el escultor Antoine Bordello y el diseñador Paul Poirot.
Esta escuela de Art Deco era conocida por su combinación de formas avanzadas con técnicas convencionales y materiales caros.
Por otro lado, los modernistas destacaron por su descarado rechazo al pasado. Los artistas dentro de este grupo Art Deco buscaron encontrar y crear un estilo artístico que se basara en los nuevos desarrollos en tecnologías, simplicidad, ausencia de decoración y el uso de materiales más baratos y producción en masa.
El retrato de Auguste Perret en la gran escalera de estilo Art Deco del Palais d’Iéna, París, Francia. La escalera da a la entrada a la sala de conferencias, actuando como una bisagra entre los extremos de las alas norte y sur del Palacio. Tenga en cuenta que las columnas de hormigón armado se estrechan para expresar «la naturaleza estructural del material»; Jean-Pierre Dalbéra de París, Francia, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons
Los modernistas establecieron su propia organización en 1929, que se llamó la Unión Francesa de Artistas Modernos. Los creativos dentro de este grupo incluyeron a Pierre Chateau, Francis Jourdain, Le Corbusier y Sonia Delaunay.
El grupo modernista Art Deco criticó el estilo Art Deco tradicional, que formaron que solo fue creado para servir a los ricos.
Este grupo argumentó que los edificios bien hechos, por ejemplo, deberían ser accesibles y convenientes para todos, sin importar su estado financiero, y que la forma debería seguir automáticamente la función. Basado en tLa elegancia y el encanto de un objeto o edificio se basaban en si era perfectamente capaz de cumplir su función y no estaba relacionado con el público artístico que probablemente estaría viendo las obras.
Artistas Art Deco notables
Muchos artistas participaron en el movimiento Art Deco, desde pintores, escultores, diseñadores de interiores, fabricantes de muebles y arquitectos. A continuación, echaremos un vistazo a varios creativos notables que crearon obras de arte significativas dentro del período Art Deco y cuya influencia todavía se discute hoy en día.
René Lalique (1860 – 1945)
El diseñador francés René Lalique ha pasado a la historia como uno de los diseñadores de arte en vidrio más conocidos del mundo desde finales de los años 19ésimo y principios de los 20ésimo siglos. Su legado como artista Art Deco sigue siendo fuerte hoy en día, con sus piezas de cristalería todavía muy favorecidas por los coleccionistas. Durante su carrera, Lalique fue mejor conocido por sus hermosos frascos de perfume, joyas, jarrones, candelabros, relojes y adornos del capó del automóvil.
Lalique se convirtió rápidamente en uno de los diseñadores de joyas Art Nouveau más aclamados y pasó a trabajar para prominentes joyeros franceses como Cartier y Boucheron.
En la década de 1920, después de que Lalique había refinado sus creaciones de arte en vidrio, rechazó el estilo del Art Nouveau y expresó su interés en las formas fluidas y orgánicas. Esto lo llevó a adoptar las técnicas del emergente estilo Art Deco, con sus obras de arte volviéndose más elegantes en el proceso. Lalique experimentó con una variedad de nuevos materiales, pero prefirió trabajar con vidrio.
Retrato de René Lalique, 1906; Aaron Gerschel, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Como practicó dentro del movimiento Art Deco, su estilo de fabricación de vidrio dominó la industria de la joyería. El triunfo de Lalique también se atribuyó a un método más antiguo de fundición de vidrio, que rara vez se usaba hasta este punto, y le permitió producir sin esfuerzo múltiplos del mismo diseño. Además de sus delicados frascos de perfume y piezas de joyería, algunas de las monumentales obras Art Deco de Lalique incluyen las paredes de vidrio iluminado y pilares de vidrio para el transatlántico, Normandie.
Sin embargo, una de las esculturas de vidrio más conocidas de Lalique fue «Victoire», que creó en 1928.
Hecho para ser un adorno de capó de vidrio para un automóvil, Victoire representa una figura femenina en el viento. Con su rostro sobresaliendo agudamente y su cabello colgando detrás de ella como un ala única y afilada, esta escultura hace referencia a la antigua escultura griega, Victoria alada, ubicada en el Louvre. Con Victoire existiendo como bellas artes y un objeto escultórico, parece encapsular todo lo que fue el Art Deco debido a su estilo verdaderamente estadounidense.
«Spirit of the Wind» o «Victoire» mascota de Lalique, 1928; Ingrid Taylar de Seattle, WA, USA, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Émile-Jacques Ruhlmann (1879 – 1933)
Uno de los diseñadores de muebles e interiores más destacados dentro del movimiento Art Deco fue el artista francés Émile-Jacques Ruhlmann. Sus diseños de muebles parecían ser increíblemente aerodinámicos, ya que hizo uso de materiales muy extravagantes y extravagantes con los que trabajó utilizando su artesanía excepcionalmente delicada. Durante el apogeo de la popularidad del movimiento, Ruhlmann se convirtió en un símbolo de la opulencia y la contemporaneidad asociadas con el estilo Art Deco.
Émile-Jacques Ruhlmann, década de 1930; Olivier Old, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons
El lujoso estilo de Ruhlmann produjo diferentes reacciones de varios diseñadores y arquitectos Art Deco diferentes. Le Corbusier, en particular, respondió a los tipos de obras de arte producidas por Ruhlmann pidiendo la creación de piezas de mobiliario sin complicaciones y más prácticas. Sin embargo, Ruhlmann creía firmemente que la preservación del arte dependía completamente de la clase alta, con sus diseños capturando perfectamente el espíritu sensacional y magnífico de la época.
Aunque era restrictivo en lo que respecta a la ornamentación, Ruhlmann diseñó sus muebles con los materiales más exóticos de la época. Como firme favorito de las clases burguesas de la posguerra, Ruhlmann diseñó muebles que pudieron mostrar la nueva riqueza y el gusto de la sociedad aristocrática recientemente emergente.
Debido a esto, se dice que el mayor logro de la carrera de Ruhlmann fue su capacidad para fusionar el estilo clásico del pasado con el estilo más avanzado del mundo moderno.
Gabinete «État» de Émile-Jacques Ruhlmann, 1922; Jacques-Émile Ruhlmann, CC0, vía Wikimedia Commons
Una de las piezas de mobiliario notables de Ruhlmann, producida en 1922, fue État Cabinet. Divergiendo del estilo típicamente Art Nouveau en términos de su simetría y paleta de colores restringida, Ruhlmann hizo uso de una madera fuerte que contrastaba fuertemente con el intrincado diseño de marfil. A pesar de esto, las elaboradas características florales tomaron prestado en gran medida del estilo Art Nouveau, con el Gabinete État existiendo como un objeto más actualizado y simplificado que parecía atrapado entre los dos estilos de Art Nouveau y Art Deco.
William Van Alen (1883 – 1954)
Quizás el artista más importante que vino del período Art Deco fue el arquitecto estadounidense William Van Alen, quien diseñó el icónico Edificio Chrysler en la ciudad de Nueva York. Nacido en Brooklyn, Van Alen estudió arquitectura tanto en los Estados Unidos como en París antes de decidirse por un estilo arquitectónico específico. En 1910, después de regresar de París, Van Alen mostró su gran interés en el estilo del modernismo, que se dice que se inspiró en las primeras etapas del movimiento Art Deco aún en desarrollo.
Muchos de los edificios significativos en Nueva York fueron construidos durante el apogeo del movimiento Art Deco. El famoso edificio Chrysler, que cambió el horizonte de la ciudad, fue diseñado por Van Alen a fines de la década de 1920, y el edificio se completó en 1930.
Una fotografía del Edificio Chrysler, 2012; L Latumahina, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Construido en el barrio de Turtle Bay en el East Side de Manhattan, el Chrysler Building es conocido por ser uno de los rascacielos más llamativos de la ciudad. Este estilo de arquitectura demostró ser increíblemente popular y continuó utilizándose hasta bien entrada la década de 1960.
Terminado en menos de dos años, se dijo que se construían aproximadamente cuatro pisos cada semana, lo que era un ayuno sorprendentemente rápido para los tipos de maquinaria que estaba disponible en ese momento.
Financiado por Walter P. Chrysler, el edificio fue diseñado para hacer referencia a los automóviles Chrysler. El diseño original de Van Alen utilizó muchos elementos estilísticos modernistas, como ventanas curvas en las esquinas. Dos de los aspectos más reconocibles del edificio incluyen las famosas gárgolas, así como las siete coronas arqueadas en la parte superior de la torre.
Sonia Delaunay (1885 – 1979)
Una de las pocas artistas femeninas que ejerció en el movimiento Art Deco fue la artista francesa de origen ruso Sonia Delaunay. Cofundador del movimiento artístico Orphism, se dice que Delaunay ha sido incluido con otros notables diseñadores Art Deco que todavía tienen una fuerte influencia sobre varias tendencias de la moda en la actualidad. Inspirado por los movimientos cubistas y fauvistas, Delaunay trabajó en estrecha colaboración con sus compañeros. Surrealista y artistas dadaístas mientras perfeccionaba su estilo. Esto la llevó a convertirse en la primera diseñadora en traer inspiración abstracta al ámbito de la moda.
Sonia Delaunay con creaciones de Casa Sonia, Madrid, c. 1918-1920; Autor anónimo desconocido, posiblemente por Zockoll, dominio público, a través de Wikimedia Commons
Delaunay estaba fascinado con la idea del diseño geométrico, que demostró ser moderno y esencialmente de moda entre 1920 y 1930. Como diseñadora textil, además de pintora, Delaunay produjo algunas de sus piezas de moda más notables durante este tiempo. El color fue un aspecto importante que apareció en sus obras, que definió como «arte dinámico».
Las audaces combinaciones de colores y textiles de Delaunay la llevaron a su título de «diseñadora de moda moderna» durante la Exposición de 1925 en París.
Su prenda más conocida es quizás sus vestidos de patchwork, que existieron como experimentaciones de «simultanismo». Mezcla de una variedad de colores y materiales, Delaunay hizo uso de diferentes bloques audaces de color y formas geométricas ruidosas, lo que hizo que sus vestidos se destacaran. Su éxito en la moda se debe en parte a su liberación de la silueta en la ropa femenina después de la Primera Guerra Mundial, con sus creaciones y arte que todavía influyen en las casas de moda modernas como Christian Dior e Yves Saint Laurent hoy en día.
Tamara de Lempicka (1898 – 1980)
Otra artista femenina muy importante que produjo obras de arte durante el período Art Deco es Tamara de Lempicka. Posiblemente una de las artistas más respetadas y reconocibles que surgieron del movimiento Art Deco, Lempicka, nacida en Polonia, fue mejor conocida por sus refinadas y modernas representaciones Art Deco de la clase adinerada y sus pinturas increíblemente estilizadas de nud.es. Al establecerse en París después de la revolución rusa, Lempicka quedó fascinada con el estilo de vida parisino inconformista que existía en la década de 1920.
Los retratos de Lempicka le trajeron elogios críticos y una riqueza significativa. Su estilo de pintura representaba perfectamente un estilo de vida de lujo y glamour, con inspiración tomada de otros movimientos como el cubismo.
Su enfoque único de la pintura Art Deco le permitió presentar obras que eran extravagantes pero limpias y precisas en la naturaleza. La audacia de los colores de Lempicka y su estilo angular hacían referencia a algunas de las características principales del estilo Art Deco, lo que ha llevado a que sus obras sean vistas como la mejor representación de la pintura Art Deco.
Entre sus obras icónicas destacan Joven dama con guantes, que fue pintada en 1930 y existe como una de sus obras más conocidas. Representando a una dama modesta a la moda con un vestido verde, enfatizado aún más por su sombrero blanco y guantes sutilmente a juego, su lápiz labial rojo vívido la hace destacar a pesar de su aparente timidez.
Los planos de color afilados, casi fracturados, que se utilizaron para representar los rasgos faciales y la tela del vestido existen como el estilo característico de Lempicka, que también demuestra la interacción del cubismo y el Art Deco en su estilo artístico.
Hoy en día, los retratos y pinturas de Lempicka siguen siendo recibidos con la misma cantidad de entusiasmo que antes. Si bien sus obras de arte originalmente estaban destinadas a una audiencia de élite, han provocado un debate en todas las clases de la sociedad y son favorecidas por muchos. Lempicka fue considerada como una de las pintoras de retratos más prominentes de su generación, con las líneas limpias y la elegancia elegante de sus obras de arte que existen como ejemplos perfectos del estilo Art Deco.
El legado dejado por el Art Decó
Las mismas características que hicieron que el movimiento Art Deco fuera tan popular al principio, como su exquisita artesanía, ricos materiales y ornamentación, finalmente llevaron a su declive. La Gran Depresión, que comenzó en 1929 en los Estados Unidos y llegó a Europa poco después, comenzó a fomentar lentamente una sensación de deterioro en el movimiento artístico.
Este devastador golpe económico redujo en gran medida el número de clientes adinerados que podían permitirse muebles y objetos Art Deco en ese momento, lo que llevó a que el estilo disminuyera rápidamente.
El surgimiento de la Segunda Guerra Mundial parecía significar la caída en desgracia del Art Deco. Durante los años de guerra, la moderación de la sociedad hizo que el estilo Art Deco pareciera aún más decadente de lo que ya parecía ser, lo cual era inadecuado en un momento de la historia que era tan solemne. El suministro limitado de metal que se podía recuperar se utilizó en la construcción de armas y equipos militares en lugar de decorar edificios y espacios interiores. En una sociedad que era tan grave en ese momento, los objetos como los muebles ya no se veían como artículos de estatus importantes.
Embajada de Francia de estilo Art Decó, Lámina 22 (según una acuarela de R. Crevel): antecámara de Paul Follot, paneles pintados por René Crevel, 1925; René Crevel, CC0, vía Wikimedia Commons
Además, la caída del mercado de valores en 1929 redirigió el movimiento Art Deco hacia el concepto de producción en masa. Varios avances tecnológicos permitieron una producción más asequible de artículos de consumo básicos, lo que eliminó la necesidad y la posterior popularidad de los diseñadores Art Deco existentes. A principios de la década de 1930, Streamline Moderne se desarrolló en respuesta a los ideales Art Deco dentro de Estados Unidos, con este nuevo estilo centrado en la simplificación de los diseños en objetos, muebles y arquitectura.
Art Deco experimentó una revitalización durante la década de 1960 con el comienzo de la cultura consumista. Desde entonces, un interés constante y continuo en el movimiento Art Deco se puede ver en los diversos estilos y diseños de arte que han surgido, que parecen llevar indicios de la estética aerodinámica del arte Deco. A pesar de que el Art Deco se desarrolló como un movimiento que pretendía escapar del pasado, ahora se ha convertido en un recuerdo sentimental y entrañable de un estilo clásico que ha demostrado ser inseparable del pasado.
Como un estilo de arte que todavía tiene implicaciones hoy en día, el desarrollo del diseño Art Deco ha sido realmente notable. A pesar de ser popular hace casi un siglo, el Art Deco fue considerado como uno de los primeros estilos de arquitectura moderna en tener un impacto real en el mundo del arte. Hoy en día, la inspiración se sigue inspirando en este estilo por excelencia, lo que ha permitido que este tipo de arte decorativo vuelva a estar de moda. No importa cuánto tiempo haya pasado, las llamativas formas geométricas del arte Deco siempre seguirán siendo icónicas.
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Preguntas Frecuentes
¿Qué es el Art Deco?
Art Deco, que surgió en la escena artística a principios de la década de 1920, fue un estilo de arte definido por su fascinación por la modernidad. Esta idea se podía ver a través de los elementos de colores vibrantes y patrones geométricos audaces que se utilizaban, ya que el objetivo era crear obras de arte lujosas y verdaderamente opulentas. Art Deco es también más famoso por su contribución a la arquitectura.
¿Cuáles son las principales características del estilo Art Deco?
La principal característica del estilo Art Deco era su pura admiración por el concepto de modernidad, así como su respeto por el avance de la maquinaria y la tecnología. Los elementos que eran capaces de enfatizar la simplicidad, la repetición y la simetría se usaban con frecuencia, lo que permitió que las obras de arte Art Deco aparecieran con una estética limpia y aerodinámica.
¿Cuáles son algunas de las piezas Art Deco más icónicas hechas?
La arquitectura Art Deco ha demostrado ser el género más significativo del estilo, ya que ha producido algunos de los edificios modernos más conocidos hasta la fecha. Estos incluyen el Rockefeller Centre, el Empire State Building y el absolutamente impresionante Chrysler Building, todos construidos en la ciudad de Nueva York.
