Los personajes de las pinturas clásicas de los dioses griegos están inextricablemente vinculados a la cultura y la vida modernas. Desde las pinturas clásicas de la mitología griega hasta el arte moderno, los cuentos de estas deidades se han repetido y reinterpretado innumerables veces a lo largo de los años. Hoy, exploraremos este arte mitológico calificando nuestras famosas pinturas griegas favoritas de dioses.
Explorando las famosas pinturas de dioses griegos
La poesía de Ovidio ejerció un gran efecto en la psique de poetas y pintores con el redescubrimiento de la antigüedad antigua en el arte renacentista griego y siguió siendo una inspiración vital en la transmisión e interpretación del arte de la mitología griega. Las pinturas de la mitología griega no solo fueron particularmente populares durante todo el Renacimiento, sino que también reaparecieron durante el Períodos clásicos de los siglos 18 y 19.
Echemos ahora un vistazo a las pinturas griegas de dioses más famosas que influyeron enormemente en la historia del arte desde el período del arte renacentista griego hasta hoy.
Pallas y el centauro (1482) de Sandro Botticelli
| Fecha de finalización | 1482 |
| Medio | Témpera sobre lienzo |
| Dimensiones | 204 cm x 147 cm |
| Ubicación actual | Uffizi, Florencia |
Muchos pintores del Renacimiento italiano temprano representaron temas de la mitología griega, con conexiones disfrazadas con el cristianismo, que había sido la religión dominante en la región a lo largo de los siglos anteriores al movimiento. Pallas con el Centauro es una obra de arte de Botticelli que se dice que fue pintada alrededor de 1482, mientras que él estaba en gran parte involucrado en Roma en algunas de sus otras obras maestras.
Pallas y el centauro (1482) de Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Pallas está conectado con Atenea, la diosa del conocimiento y la innovación, mientras que el centauro generalmente se asocia con una pasión incontrolable en la mitología griega. La yuxtaposición de estas dos personas tiene una variedad de significados, y los estudiosos e historiadores debaten las motivaciones de Botticelli para crear la imagen.
Aunque el centauro parece estar subordinado a Atenea, algunos especulan que Atenea está domando la figura mitad hombre / mitad bestia en este escenario.
El nacimiento de Venus (1486) de Sandro Botticelli
| Fecha de finalización | 1486 |
| Medio | Pintura al óleo |
| Dimensiones | 172 cm x 278 cm |
| Ubicación actual | Galería de los Uffizi |
Sandro Botticelli fue una figura muy conocida durante el período del Renacimiento temprano en Italia. Sus pinturas representaban principalmente personajes cristianos, así como personalidades de gran prestigio de muchas ciudades-estado de Italia. Pinturas de Botticelli, por otro lado, se centran en la mitología griega de una manera que honra las características y cualidades de los seres legendarios al tiempo que enfatiza los diversos cuentos relacionados con ellos. El nacimiento de Venus es considerada por historiadores y críticos como una de las pinturas más conocidas de Botticelli.
Esta pintura de 1486 representa un paisaje que se ha vuelto legendario a lo largo de los años desde que se creó.
El nacimiento de Venus (1486) de Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, Dominio público, vía Wikimedia Commons
En el centro del lienzo, la diosa Venus, también conocida como Afrodita en la mitología griega, se muestra vívidamente. Afrodita era la diosa de la belleza, el amor y la procreación en la mitología griega. A ambos lados de Afrodita, hay otras deidades grecorromanas. Estos incluyen a la deidad del viento Zephyr, así como otros, aunque los historiadores y críticos no están de acuerdo sobre las identidades de estos dioses y diosas.
Se dice que la pieza fue solicitada por la poderosa familia Medici, que dominó Florencia en el período, y cubre numerosos temas relacionados con artistas históricos.
El triunfo de Galatea (1514) de Rafael
| Fecha de finalización | 1514 |
| Medio | Fresco |
| Dimensiones | 300 cm x 220 cm |
| Ubicación actual | Villa Farnesina, Roma |
Galatea es la diosa de las aguas tranquilas y una de las 50 Nereides. Polifemo, el gigante tuerto, la ha atraído con melodías de sus pipas primitivas y regalos de lácteos y quesos. Sin embargo, ella había rechazado sus intentos y había llegado a amar a Acis, un pastor rural.
Polifemo cayó into un furioso frenesí después de descubrir a los dos jóvenes amantes juntos y aplastar al joven debajo de una roca. La ninfa, abrumada por la tristeza, transformó a su joven amante en un río. Raphael eligió representar el apogeo de la ninfa mientras estaba encima de un carro de conchas tirado por dos delfines en la imagen.
El artista no pretendía que Galatea representara a ningún ser real, sino más bien que representara la belleza ideal, según el historiador del arte. Giorgio Vasari.
El triunfo de Galatea (1514) de Rafael; Vicenç Valcárcel Pérez, CC BY-SA 4.0, vía Wikimedia Commons
Narciso (1599) de Caravaggio
| Fecha de finalización | 1599 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 110 cm x 92 cm |
| Ubicación actual | Galleria Nazionale d’Arte Antica |
La narrativa de Narciso se ha repetido muchas veces en la literatura, con poetas como Petrarca y Dante reinterpretándola y Pintores renacentistas como Caravaggio representándolo. Narciso era famoso por su belleza, según la leyenda. Cuando un día tuvo sed mientras cazaba, se apoyó contra el arroyo y se imaginó a sí mismo en la flor de su vida.
Se enamoró completamente de ella, sin darse cuenta de que era su propio reflejo, y no pudo escapar de la seducción de su imagen. Cuando se da cuenta de que su amor no será devuelto, sucumbe a su deseo y se transforma en una flor blanca y dorada.
Narciso (1599) de Caravaggio; Caravaggio, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esta imagen muestra a Narciso en un hermoso doblete de brocado mirando su propia imagen deformada, uno de los dos Caravaggios sobre un tema de la mitología clásica. Está rodeado por la oscuridad y encerrado en un bucle con su reflejo, lo que sugiere una profunda tristeza.
Leda y el cisne (1600) de Peter Paul Rubens
| Fecha de finalización | 1600 |
| Medio | Óleo sobre tabla |
| Dimensiones | 64 cm x 80 cm |
| Ubicación actual | Colección del Museo de Bellas Artes, Houston |
Leda fue seducida por Zeus en forma de cisne la misma noche que había estado con su esposo. Más tarde, Leda produjo la descendencia de Zeus, Polideuces y Helena, así como Clitemnestra y Cástor, la descendencia de su esposo. Ella puso dos huevos, según algunos relatos, de los cuales salieron los niños.
Las mujeres cautivadas por las divinidades era un tema común en el arte renacentista y barroco, y con frecuencia se mostraba de una manera sensual.
En esta pintura de Rubens, el cisne toca a Leda en su lugar más personal, con el cuello ahuecado entre sus pechos, mientras el artista la representaba desnuda. El cisne se muestra como una criatura elegante con la capacidad de delirar.
Leda y el cisne (1600) de Pedro Pablo Rubens; Peter Paul Rubens, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La caída de Faetón (1605) de Pedro Pablo Rubens
| Fecha de finalización | 1605 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 98 cm x 131 cm |
| Ubicación actual | Galería Nacional de Arte |
La imagen ilustra la antigua historia griega de Faetón, un motivo frecuente en las artes visuales, y fue pintada por un artista. Pedro Pablo Rubens. Faetón era hijo de Clymene y Helios. Helios prometió ofrecerle todo lo que deseaba si proporcionaba pruebas de que en realidad era su hijo.
Helios intentó sin éxito persuadirlo de que no condujera el carro del sol durante un día cuando insistió en ello.
La caída de Faetón (1605) de Pedro Pablo Rubens; Peter Paul Rubens, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Finalmente se le dio el mando del carro, pero debido a su incapacidad para controlar a los caballos, se acercó demasiado a la Tierra, y Zeus lo derribó con un cerrojo para evitar una calamidad. Phaeton murió como resultado de caer del carro al suelo. Rubens eligió mostrar la narración en su momento más dramático cuando los rayos de Zeus se estrellan contra el carro de Faetón.
Las horas y las estaciones están representadas por las figuras femeninas aladas de mariposa a su alrededor, que responden en pánico cuando el ciclo del día y la noche se rompe por el accidente.
Prometheus Bound (1612) de Peter Paul Rubens y Frans Snyders
| Fecha de finalización | 1612 |
| Medio | Pintura al óleo |
| Dimensiones | 244 cm x 210 cm |
| Ubicación actual | Museo de Arte de Filadelfia |
Peter Paul Rubens fue un conocido artista del siglo 17 que era conocido por representar figuras legendarias de ambas mitologías grecorromanas en sus pinturas. Es considerado como uno de los más importantes. Artistas barrocos, y fue amigo y socio de muchas de las otras obras maestras del movimiento, incluyendo Diego Velázquez y otros. Prometheus Bound fue una de las pinturas más queridas de Rubens durante su vida.
La pintura se completó en 1612 y fue un esfuerzo conjunto con otro artista conocido, Frans Snyders.
Prometheus Bound (1612) de Peter Paul Rubens y Frans Snyders; Museo de Arte de Filadelfia, dominio público, vía Wikimedia Commons
Es uno de los primeros trabajos del diseñador en recibir un gran aprecio. Rubens pintó la figura de Prometeo, mientras que Snyders produjo el águila gigantesca. Desde su creación, la obra de arte ha sido aclamada por su singularidad y extraordinario realismo al representar el legendario relato de Prometeo, que habla de su hígado consumido por las águilas a diario.
Venus dormida (c. 1630) por Artemisia Gentileschi
| Fecha de finalización | c. 1630 |
| Medio | Pintura al óleo |
| Dimensiones | 96 cm x 143 cm |
| Ubicación actual | Museo de Bellas Artes de Virginia |
La técnica artística de su padre, así como la de su renombrado compañero, Michelangelo Merisi da Caravaggio, impactaron las obras de Artemisia Gentileschi, que se distinguen por la yuxtaposición dramática de luz y oscuridad, así como composiciones distintivas y llamativas.
Su tema a menudo se compone de representaciones bellamente presentadas de mujeres, por ejemplo, ya sea como protagonistas o víctimas.
Venus y Cupido (c. 1630) por Artemisia Gentileschi; Artemisia Gentileschi, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Artemisia Gentileschi ha pintado una representación opulenta de Venus, dormitando bajo una cortina de terciopelo. Su colcha está coloreada con ultramarino, un color costoso derivado del lapislázuli triturado. Cupido, detrás de ella, lleva un abanico de plumas de pavo real para disuadir a los insectos de molestarla o despertarla. Un terreno montañoso con un pequeño templo redondo, evocador del dedicado a Venus cerca de la casa de Adriano en Tivoli, que está a las afueras de Roma, se puede ver a la izquierda.
Telémaco y las ninfas de Calipso (1782) de Angélica Kauffman
| Fecha de finalización | 1782 |
| Medio | Pintura al óleo |
| Dimensiones | 82 cm x 182 cm |
| Ubicación actual | Museo Metropolitano de Arte |
Angelica Kauffman era originaria de Suiza, pero saltó a la fama en Inglaterra e Italia, donde había sido fundadora de la Real Academia de las Artes. Este cuadro y su colgante fueron creados para Monseñor Onorato Caetani, quien tuvo su imagen creada por el artista ese mismo año.
Imágenes posteriores de Caetani por Batoni en 1782 ilustran la naturaleza unida y multinacional de los círculos académicos romanos del siglo 18.
La escultura muestra el desembarco de Telémaco en la isla de Calipso. Sus ninfas lo saludan con comida, vino y flores. La deidad Atenea, disfrazada de la anciana, había sido su consejera, y es retratada siendo llevada a la izquierda por los sprites.
Telémaco y las ninfas de Calipso (1782) de Angélica Kauffman; Angélica Kauffmann, CC0, vía Wikimedia Commons
Edipo y la Esfinge (1864) de Gustave Moreau
| Fecha de finalización | 1864 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 206 cm x 105 cm |
| Ubicación actual | Museo Metropolitano de Arte |
La pintura al óleo sobre lienzo de Gustave Moreau, producida en 1864, es una nueva versión del legendario encuentro entre los dos personajes míticos en la ruta a Delfos, que fue representado en la obra de Sófocles Edipo Rex. Edipo descubrió que el rey, Layo, había sido asesinado últimamente y que el reino estaba al capricho de la esfinge durante su viaje entre Delfos y Tebas.
La esfinge le ofreció a Edipo un rompecabezas para que respondiera con el fin de que él pasara. De lo contrario, resultaría en su muerte, así como en la muerte de los tebanos encarcelados.
Edipo y la Esfinge (1864) de Gustave Moreau; Gustave Moreau, CC0, vía Wikimedia Commons
La esfinge se sacrificó arrojándose al mar cuando Edipo lo resolvió correctamente, y Edipo se convirtió en el nuevo rey. Moreau abrazó una técnica de pintura deliberadamente antigua y un tema mítico, rechazando a propósito el realismo prevaleciente de mediados del siglo 19. La esfinge está al ataque en la pieza, agarrándose a Edipo, cuyo éxito en la batalla aún no está asegurado.
Pigmalión y Galatea (1890) de Jean-Léon Gérôme
| Fecha de finalización | 1890 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 89 cm x 67 cm |
| Ubicación actual | Museo Metropolitano de Arte |
Jean-Léon Gérôme era un conocido Pintor francés que se especializó en pinturas de mitología griega. Vivió en el siglo 19, pero a diferencia de muchos de sus colegas, no estaba fuertemente afiliado a movimientos populares como Impresionismo.
Gérôme creó una serie de pinturas que se encuentran entre las pinturas de dioses griegos más conocidas que aún existen hoy en día, pero una de sus mejores obras maestras se considera la más importante de todas.
Pigmalión y Galatea (1890) de Jean-Léon Gérôme; Jean-Léon Gérôme, CC0, vía Wikimedia Commons
Pigmalión y Galatea es el título de la imagen, que se terminó en 1890. Muestra una escena de un conocido poema de Ovidio. La imagen retrata a Pigmalión, el escultor, besando a la diosa Afrodita cuando cobra vida, como se describe en la Ilíada.
La pieza es extremadamente detallada, comparable a muchas de las otras obras de Gérôme, y muchos críticos sienten que refleja de cerca el taller real del artista, que albergó varias de las estatuas de los artistas.
El lamento por Ícaro (1898) de Herbert James Draper
| Fecha de finalización | 1898 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 180 cm x 150 cm |
| Ubicación actual | Tate Britain, Londres |
Otro artista reconocido por su arte mitológico que generalmente se centraba en los mitos griegos es Herbert James Draper. Draper, que nació en Inglaterra en 1863, fue un conocido artista que se especializó en representar personas y temas de la mitología griega y romana.
Muchas de las obras de Draper se encuentran entre las obras maestras clásicas más conocidas del siglo 19.
El lamento por Ícaro (1898) de Herbert James Draper; Herbert James Draper, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Se dice que esta obra de arte fue producida alrededor de 1898, cerca del final de un período en el que el pintor concentró su atención en pintar escenas de la mitología griega. Aunque muchas de las pinturas más conocidas que representan la historia de Ícaro se centran en el instante de su caída, la pintura de Draper se centra en el período posterior a la muerte de Ícaro.
Ícaro está rodeado por ninfas, y esta imagen es considerada como una de las mejores de Draper por varios de los críticos de arte más eminentes de finales del siglo 19.
Perseo y Andrómeda (1891) de Frederic Leighton
| Fecha de finalización | 1891 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 235 cm x 129 cm |
| Ubicación actual | Galería de Arte Walker, Liverpool |
El tema mítico de Andrómeda se presenta de una manera espectacular. En una costa rocosa, el escenario es un retrato de la historia. En su caballo alado Pegaso, Perseo es fotografiado volando sobre la cabeza de Andrómeda. Dispara una flecha desde el aire, que golpea al monstruo marino, que levanta la cabeza para enfrentar al héroe. Las alas de la criatura negra sombrean la forma prácticamente desnuda y retorcida de Andrómeda, ofreciendo un toque visual de fatalidad inminente. Además, la forma elegante de Andrómeda contrasta con el bulto negro desigual y dentado del cuerpo del monstruo.
El cuerpo blanco de Andrómeda está representado en una pureza prístina y sin daños, lo que implica un sacrificio injusto por la retribución celestial destinada a su madre en lugar de a sí misma.
Perseo y Andrómeda (1891) de Frederic Leighton; Frederic Leighton, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Un halo de luz rodea a Pegaso y Perseo, conectándolos simbólicamente con el cuerpo blanco de la realeza atado a la roca. Antes de comenzar a trabajar en la pintura, Leighton creó una figura de yeso en miniatura de color bronce de Andrómeda como estudio.
La estatuilla estaba desnuda, pero Leighton lo cubrió con materiales húmedos para obtener el aspecto que deseaba en su pieza.
Ulises y las sirenas (1891) de John William Waterhouse
| Fecha de finalización | 1891 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 100 cm x 200 cm |
| Ubicación actual | Galería Nacional de Victoria |
John William Waterhouse fue otro artista inglés que adoptó la estética del grupo académico, pero era más conocido por sus pinturas que mostraban criaturas legendarias vestidas con trajes y otras prendas que estaban de moda en Inglaterra en ese momento. Ulises con las sirenas es una de las obras más conocidas de Waterhouse. Esta obra de arte de 1891 muestra la conocida narrativa de Ulises, con la figura griega encadenada al mástil del barco en un intento de evitar que se someta a la seducción de las sirenas.
Las cantoras demoníacas fueron mostradas por Waterhouse como entidades parecidas a pájaros voladoras con cabezas femeninas.
Ulises y las sirenas (1891) de John William Waterhouse; John William Waterhouse, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Ariadna (1913) de Giorgio de Chirico
| Fecha de finalización | 1913 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 135 cm x 180 cm |
| Ubicación actual | Museo Metropolitano de Arte |
En la mitología griega, Ariadna era una princesa que se enamoró perdidamente de Teseo, quien se comprometió a matar al Minotauro, una criatura fantástica con el cuerpo de un hombre y la cabeza de un toro llevada a Minos para su tributo por Poseidón. Ella le dio una cuchilla y un carrete de hilo para ayudarlo en su búsqueda, para que pudiera retroceder sus pasos fuera del laberinto del Minotauro.
Ella deshonró a su padre y a su nación al fugarse con Teseo después de que él mató a la bestia. Sin embargo, la dejó dormida en la isla de Naxos, donde Dioniso la encontró y se casó con ella.
Giorgio de Chirico mostró a Ariadna durmiendo en una plaza pública desocupada en esta obra de arte de principios del siglo 20. La pieza representa los sentimientos personales de soledad de De Chirico después de mudarse a París en 1911, según la información proporcionada por el Museo Metropolitano de Arte.
Eso concluye nuestra mirada a las famosas pinturas griegas de dioses que influyeron no solo en el arte renacentista griego, sino que aún impactan a los artistas hasta el día de hoy. Con el descubrimiento de las antigüedades clásicas en el arte renacentista griego, la poesía de Ovidio tuvo un impacto significativo en la mente de poetas y pintores, y siguió siendo una gran inspiración en la transferencia y comprensión del arte mitológico griego. Las pinturas de la mitología griega no solo fueron populares durante todo el Renacimiento, sino que también resurgieron durante las épocas clásicas de los siglos 18 y 19.
¡Echa un vistazo a nuestra historia web de pinturas de mitología griega aquí!
Preguntas Frecuentes
¿Qué es el arte mitológico?
Las imágenes mitológicas, tradicionalmente definidas como un tipo de pintura de historia, se basan en temas tomados de la mitología, es decir, narrativas legendarias construidas para explicar una creencia específica, un evento importante o una verdad natural. Fábulas, cuentos e historias históricas pueden servir de inspiración para imágenes mitológicas. Cualesquiera que sean sus orígenes, estas imágenes suelen presentar pintura de figuras y generalmente se crean en un tamaño enorme.
¿Por qué los artistas retratan a los dioses griegos?
La mitología griega ha sido la atención de artistas de una variedad de grupos creativos que se remontan mucho antes del Renacimiento italiano. Los individuos en la Grecia clásica amaban y adoraban a las deidades que tenían personalidades y características interesantes que los diferenciaban unos de otros. A lo largo de la historia, muchos pintores han basado sus obras en las historias y tradiciones vinculadas con los héroes míticos griegos.
