¿Qué es el arte sfumato? Una definición útil de sfumato sería: La técnica de sfumato es un método de arte renacentista para facilitar las transiciones de color y simular un área distinta de lo que el ojo humano puede ver, también conocido como el plano desenfocado. Basado en su experiencia en óptica y percepción humana, así como en sus experimentos con la cámara oscura, Leonardo da Vinci fue quizás el desarrollador más notable del arte del sfumato. Fue pionero y lo utilizó en varias de sus pinturas, incluidos los famosos ejemplos de sfumato: Virgen de las Rocas (1486) y su famoso retrato de Mona Lisa (1506).
Explorando el arte de Sfumato
Sfumato fue definido por Leonardo da Vinci como «sin límites o límites, en el camino del humo o fuera del plano focal». Según la opinión ampliamente aceptada de algunos historiadores del arte, la técnica del sfumato, junto con el claroscuro, el cangiante y la unione, fue una de las cuatro formas de pintar los colores abiertas al italiano. Alto Renacimiento Artistas.
Sfumato, que significa «desaparecer como el humo», incluyó poner numerosas capas delgadas de acristalamiento para producir suaves cambios tonales y gradientes entre la luz y la sombra, así como agregar cambios sutiles al claroscuro.
Un detalle de la Virgen y el Niño de Leonardo da Vinci con Santa Ana (c. 1510), que ilustra el uso de la técnica del sfumato; Leonardo da Vinci, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Giorgio Vasari más tarde atribuyó su origen a dos Renacimiento temprano Europeos del norte, Jan van Eyck y Roger van der Weyden, aunque ya estaba asociado con da Vinci, quien perfeccionó la técnica. El proceso exigió una habilidad considerable, ya que los científicos contemporáneos descubrieron que los esmaltes del creador a menudo tenían apenas una micra de grosor y consistían en blanco de plomo con un 1% de bermellón agregado.
Otros pintores, especialmente Correggio, Rafael, Fra Bartolommeo y Giorgione, siguieron el método, y también impactó al «Leonardeschi», el término dado a la enorme cantidad de pintores que se conectaron con Leonardo da Vinci o participaron en su taller.
Rafael ideó entonces lo que los historiadores artísticos llaman unione.
Para combinar las características tonales y las suaves sombras del sfumato con sus colores vibrantes, utilizó sutiles cambios de color para producir bordes mixtos, como se puede ver en su Alba Madonna (c. 1510), que es reconocida por su rico color y fluida unidad.
La Virgen de Alba (c. 1510) por Rafael; Raphael, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Ejemplos famosos de Sfumato
Ahora que hemos cubierto la definición de sfumato y tenemos una mejor comprensión de la técnica de sfumato, profundicemos en algunos ejemplos famosos de sfumato. Estas obras de arte de sfumato son reconocidas por su utilización pionera del método de pintura. Comenzaremos con el pionero original de la técnica, Leonardo da Vinci.
Ginevra de’ Benci (1478) de Leonardo da Vinci
| Fecha de finalización | 1478 |
| Medio | Óleo sobre tabla |
| Dimensiones | 38 cm x 37 cm |
| Ubicación actual | Galería Nacional de Arte, Washington DC |
Ginevra de’ Benci, una joven muy conocida de Florencia, es ampliamente asumida como la modelo en la imagen. Leonardo creó la imagen en Florencia entre 1474 y 1478, presumiblemente para marcar el compromiso de 16 años de Ginevra con Luigi di Bernardo Niccolini. Es más probable que recuerde el compromiso.
Los retratos tradicionales de mujeres a menudo se producían por una de dos razones: votos o matrimonio.
Las imágenes de la boda se producían típicamente en parejas, con la dama a la derecha mirando hacia la izquierda y el hombre a la izquierda mirando a la derecha; debido a que esta imagen estaba orientada a la derecha, es más probable que indique esponsales. El arbusto de enebro que rodea la cabeza de Ginevra y ocupa la mayor parte del fondo tiene un propósito distinto a la decoración. El enebro fue considerado un emblema de la virtud femenina en la Italia del Renacimiento, y el término italiano para enebro, ginepro, también es un giro en el nombre de Ginevra.
Ginevra de’ Benci (c. 1474-1478) de Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Dominio público, vía Wikimedia Commons
La iconografía y las palabras en la parte posterior del panel, una ramita de enebro rodeada por una guirnalda de laureles y palma, conmemorada por la frase latina «La belleza complementa la virtud», ayudan a identificar la imagen. El término pretende representar el complejo de Ginevra. vínculo entre su pureza intelectual y moral, por un lado, y su atractivo físico, por el otro. Su nombre es sugerido por una ramita de enebro rodeada de laurel y palma.
Bernardo Bembo, un enviado veneciano a Florencia cuya conexión platónica con Ginevra está documentada en la poesía enviada entre ellos, tenía el laurel y la palma como su insignia personal.
La inspección infrarroja encontró el lema de Bembo «Honor y Virtud» debajo del de Ginevra, lo que implica que Bembo estaba involucrado en la puesta en marcha del retrato. La imagen es una de las piezas centrales de la Galería Nacional de Arte, y a muchas personas les gusta por su representación de la disposición de Ginevra. Ginevra es encantadora pero austera; ella no sonríe, y su mirada, mientras está hacia adelante, parece desinteresada en la audiencia.
Virgen de las Rocas (c. 1491-1508) por Leonardo da Vinci
| Fecha de finalización | c. 1491-1508 |
| Medio | Óleo sobre madera |
| Dimensiones | 199 cm x 122 cm |
| Ubicación actual | Museo del LouvreParís |
La Virgen María se ve en esta obra de arte con su brazo derecho extendido para abrazar al niño Juan el Bautista, mientras su mano izquierda flota en un movimiento de bendición hacia un niño Cristo, que se coloca junto al arcángel Gabriel. A medida que los cuatro parecen participar con los movimientos y actitudes de una vibrante sacra conversazione, se comunica un efecto de calidez.
La presencia de la Virgen que preside une a los cuatro, lo que se destaca por los cambios de color prismáticos pero delicados y los contornos combinados.
Da Vinci explota su técnica distintiva de manera efectiva aquí, mezclando claroscuro con sfumato para producir un ambiente tridimensional y formas volumétricas realistas que están imbuidas de vida. El claroscuro agrega profundidad e intriga a la gruta turbia en el telón de fondo y al campo blanco y brumoso en el horizonte, mientras que los humanos se iluminan desde el interior, sus rostros y manos suavemente luminosas.
Virgen de las Rocas (c. 1491-1508) de Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci y taller, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Sin el uso de halos consuetudinarios, el artista retrata su santidad a través de la luz y encarna el entorno con una observación precisa, como se muestra en las especies únicas de plantas que crecen al lado del lago, y precisión anatómica, como se puede ver en las hendiduras en los brazos del niño de Cristo. Esta obra de arte fue rápidamente reconocida como una obra maestra, e hizo famoso a Leonardo da Vinci.
Sirvió como plantilla para sus compañeros y pintores sucesivos, e impactó el uso de claroscuro y sfumato en toda Europa.
Juventud sosteniendo una flecha (1505) de Giorgione
| Fecha de finalización | 1505 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 48 cm x 42 cm |
| Ubicación actual | Kunsthistorisches Museum, Viena |
Giorgione es conocido por los delicados elementos líricos de sus pinturas. A pesar del hecho de que sólo alrededor de seis pinturas se le atribuyen con seguridad, es considerado como un influyente Artista renacentista. Giorgione se ha convertido en uno de los pintores más intrigantes de la historia europea en torno a la categorización e interpretación de sus obras. El método de Giorgione utilizó la técnica de claroscuro modificado, sfumato.
Esta técnica ajustó los tonos de color para transmitir perspectivas e iluminación, proporcionando a las piezas de arte de Giorgione un encantador brillo de luz que cautivó a sus espectadores.
El enigma que rodea al joven que lleva una flecha está envuelto en la oscuridad, y hay varias interpretaciones potenciales. Si bien la era y el crédito del creador son generalmente aceptados, algunos eruditos no están contentos con el título. Asignar un título ha sido difícil porque el tema de la obra de arte sigue siendo discutible. La figura ha sido reconocida como Eros, San Sebastián y Apolo de la mitología antigua o la imaginería cristiana. Según especulaciones recientes, el nombre del niño era Paris, y creció para vencer a Aquiles con su flecha.
Juventud sosteniendo una flecha (1505) de Giorgione; Giorgione, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Esta obra de arte representa a un joven entrañable con la cabeza inclinada hacia un lado, su rostro inamovible y sutiles indicios de paz. Su cabello es hasta los hombros, ondulado, castaño oscuro, y está separado en el medio. Debido a la pura oscuridad circundante, su color y textura parecen fundirse en el medio ambiente, mientras que las características cinceladas del hombre parecen brillar.
El modelado y la silueta trabajan juntos para producir una representación increíbleion del caballero renacentista.
El joven está representado desde los hombros hacia arriba, vestido con una túnica roja vibrante y ropa interior blanca con exquisitos adornos. Está agarrando la parte posterior de una flecha, cerca de las plumas, con su mano derecha. Los dedos índice y medio de la persona se extienden ampliamente, produciendo un amplio agarre sobre el eje de la flecha. Estas características llevan a creer que el individuo es San Sebastián. El hombre es el mismo que el adolescente en Garzone con la flauta y David con la Cabeza de Goliat, ambos de los cuales Giorgione hizo.
Chica con un pendiente de perlas (c. 1665) de Johannes Vermeer
| Fecha de finalización | c. 1665 |
| Medio | Óleo sobre lienzo |
| Dimensiones | 44 cm x 39 cm |
| Ubicación actual | Mauritshuis, Ámsterdam |
Esta imagen icónica muestra a una joven de pie frente a un fondo oscuro, con los ojos brillantes y la boca abierta, como si estuviera lista para hablar o se hubiera detenido en medio del habla. Está vestida con una hermosa tela, su ropa suave con sombras contrastadas y toques de color, y lleva un tocado azul inusual con una enorme perla colgando de su oreja. Esta pieza, considerada legendaria durante la Edad de Oro holandesa, ilustró el estatus de Vermeer como el «Maestro de la Luz» debido a su dominio del claroscuro.
Las suaves sombras que bañan la mitad izquierda de su torso y su rostro torneado son matizadas y variadas, como el sfumato modula el claroscuro aquí.
Chica con un pendiente de perlas (c. 1665) por Johannes Vermeer; Johannes Vermeer, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Vermeer creó los delicados cambios de tono de piel, los acentos rosados y blancos en sus labios y su mirada brillante utilizando capas extremadamente delgadas de pintura a veces casi translúcida cepillada con un pincel de fino pelo de tejón. La simplicidad de su tocado y atuendo atrae el énfasis a su rostro, que está esculpido con excelente precisión pero es misterioso con la emoción.
Si bien la imagen era una tronie, un género prominente en ese momento que representaba a una figura vestida con ropa extranjera, también era confusa, ya que su turbante no se parecía a ninguna tendencia holandesa u orienta reconocida en ese momento. También es posible que la perla, que es enorme, esté compuesta de estaño. La brillante belleza y el misterio de la pintura han cautivado a los estudiosos y al público en general hasta bien entrado el siglo 21.
Con esto concluye nuestra exploración de la técnica del sfumato. Estrechamente relacionado con el claroscuro, llevó el concepto de mezcla a un grado aún más fino. Esperamos que este artículo y los ejemplos de sfumato mencionados le hayan dado una comprensión más profunda del arte del sfumato.
¡Echa un vistazo a nuestra historia web de la técnica sfumato aquí!
Preguntas Frecuentes
¿Qué es Sfumato Art?
Este es otro término que proviene de la lengua italiana. El término proviene del verbo fumare que significa fumar. Una obra de arte sfumato es aquella que carece de contornos afilados o ásperos. Los artistas utilizan el sfumato para crear un aspecto nebuloso y atmosférico en sus pinturas al difuminar y mezclar meticulosamente. Esto a veces se hace usando un método de pincel seco y en otras ocasiones con un desenfoque meticuloso o mezcla de pinceladas con la punta de un dedo, un paño u otro pincel.
¿Dónde se originó Sfumato?
Hasta el Renacimiento italiano, secciones claras de contorno que delinean las formas fueron extremadamente populares en el arte. El artista renacentista Leonardo da Vinci lanzó una llave inglesa en las obras. Con su famoso retrato Mona Lisa (1503), demostró una excelente ilustración de un enfoque diferente. Cuando se yuxtapone al enfoque agudo anterior, el método sfumato se destaca aún más, ya que la cara de da Vinci adquiere un aspecto borroso y onírico. Aquí no hay líneas distintas, solo sombreado sutil para proporcionar un cambio entre diferentes tonos.
