En la década de 1880, surgió un nuevo estilo artístico cuando los artistas estadounidenses comenzaron a pintar sus paisajes con tonos sutiles de atmósfera de colores. Una década más tarde, los críticos de arte estadounidenses comenzaron a usar el término «tonalismo» para encapsular este movimiento.
Las oscuras impresiones del tonalismo
Ejemplos de un artista de tonalismo incluyen Agnes Richmond, Bolton Brown, Emil Carson y John Constable, pero las dos figuras principales de este movimiento fueron George Inness y James McNeill Whistler. La estética creada por este diverso grupo de artistas fue radical para su época.
El tonalismo informaría los movimientos hacia el impresionismo y la abstracción y todavía se considera que prevalece hoy en día.
¿Qué es el tonalismo?
La definición de tonalismo es brumosa, lo cual es interesante porque esa es la definición oficial de tonalismo. Al responder a la pregunta de qué es el tonalismo, nos referimos a un movimiento de arte paisajista estadounidense que presentaba rangos tonales sutiles para transmitir el estado de ánimo o el sentimiento.
Abarcando desde la década de 1880 hasta la década de 1950, los paisajes tonalistas se hicieron frecuentes después de la guerra civil estadounidense. Las pinturas de tonalismo representan un momento del día en que los valores tonales aparecen más cerca, influyendo en el estado de ánimo de las imágenes.
Sigfrido y las doncellas del Rin (entre 1888 y 1891) de Albert Pinkham Ryder, ubicada en la National Gallery of Art de Washington D.C., Estados Unidos; Albert Pinkham Ryder, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los resultados suaves y borrosos sugieren información en lugar de expresarla explícitamente. El sutil manejo de la pintura y la atmósfera romántica de bordes sueltos de las pinturas de tonalismo imbuyen una sensación de consuelo espiritual que atrae al espectador e invita a la contemplación tranquila.
El look tonalista
Los paisajes tonalistas están definidos por una paleta de colores tenue con colores neutros como el gris, el marrón o el azul dominando estas escenas del paisaje. El efecto de los valores estrechamente dispuestos, a menudo anclados por fuertes tonos claros u oscuros, a menudo se conoce como armonía cromática.
En lugar de usar líneas nítidas y color para indicar la forma, los artistas del tonalismo usan unidades de valor.
Un artista del tonalismo utiliza toques rotos como los impresionistas; no hay un impasto exagerado. Su gesto se basa en el modelo de «deja un trazo y déjalo» pero sus toques estilísticos son fieles a la forma. Todavía tienen bordes y forma definida, pero estos se mezclan para lograr atmósferas suaves y de ensueño.
Die weiße Brücke (entre 1875 y 1890) de John Henry Twachtman, ubicada en el Instituto de Arte de Minneapolis en Minnesota, Estados Unidos; John Henry Twachtman, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Los paisajes tonalistas representan amplias extensiones de tierra, agua o nubes. A menudo, el sol o la luna aparecen como faros a otros mundos o el humilde pajar, que simboliza la finalización del trabajo. El tonalismo retrata momentos que realzan la sensación de extensión del paisaje. Estas pinturas aún no son obras impresionistas, por lo que no se centran en la luz solar brillante.
En cambio, enfatizan diferentes momentos del día y diferentes épocas del año, transmitidos a través de la cubierta de nubes, reflejos en el agua o la nieve, amaneceres o atardeceres. Muestran el final de la tarde, temprano en la noche o el amanecer cuando el mundo todavía está a raya. Apenas hay figuras en las pinturas de tonalismo y cuando aparecen, parecen silenciosas y solitarias.
Los fundamentos del tonalismo
En la década de 1890, el mundo acababa de descubrir la radiación, Darwin acababa de publicar su innovador Origen de las especies, la guerra civil estadounidense acababa de terminar y el mundo se enfrentaba a la fuerza imparable de la industrialización, la urbanización y las crisis financieras.
El tonalismo pretendía ser una especie de consuelo para los espectadores estadounidenses que necesitaban arte que ralentizara el ritmo del tiempo y evocara misterio y magia sin volverse demasiado sentimental.
Altweibersommer (1894) de George Inness; George Inness, Dominio público, vía Wikimedia Commons
El tonalismo fue un momento importante en la historia del arte que se ilustra por su relación con otros estilos importantes, como la Escuela de Barbizon, la Escuela del Río Hudson, el Luminismo y, finalmente, Impresionismo. Juntos, estos paisajes movimientos artísticos estableció las tradiciones de la pintura al aire libre, o en Plein air, que el impresionismo hcomo se ha acreditado. Los movimientos anteriores también apuntaron a impresiones atmosféricas del paisaje.
Al igual que los impresionistas, los artistas tonalistas hicieron imágenes realistas basadas en la observación directa, pero estaban respondiendo a las representaciones precisas y patrióticas de la anterior Escuela del Río Hudson.
Las composiciones nítidas y coloridas fueron reemplazadas por sutiles efectos de color y bordes suaves. Los épicos paisajes americanos de la Escuela del Río Hudson fueron subsumidos por vistas más íntimas. El luminismo, que siguió a la Escuela del Río Hudson, se caracterizó por una luz cristalina y fue reemplazado por la atmósfera malhumorada de los artistas tonalistas.
Barbizon francés
Los pintores tradicionales como Nicholas Poussin a menudo representaban escenas de la antigüedad en arreglos artificiales que representaban una belleza ideal. La escena bíblica de Poussin Summer (Ruth y Baaz) (1660-1664) tiene un sentido del orden pero, aunque está pintada en un estilo naturalista y puede haberse basado en un paisaje real, es irreal. Poussin trabajó en Plein air, pero los vio como estudios preparatorios en los que más tarde impondría escenas imaginarias y nunca soñaría con presentar sus bocetos como obras terminadas.
En 1824, el Salón de París presentó la famosa pintura de John Constable «The Hay Wain» (1821), que tuvo un enorme impacto en un grupo particular de artistas franceses de la época. Inicialmente se les llamó «La Escuela de 1830» porque fue entonces cuando surgieron. A medida que avanzaban las revoluciones de 1848, se reunieron en el pueblo de Barbizon, cerca del bosque de Fountainbleau, para manifestar las ideas de Constable. Luego se conocieron como la Escuela de Barbizon, que abarcó desde 1830 hasta 1870.
Constable había sido influenciado por 17ésimoPintores holandeses del siglo que se involucraron en fuertes cambios entre la ligereza y la oscuridad. Además, la tradición anglo-holandesa era una alternativa a la tradición franco-italiana porque representaba paisajes locales. Estas imágenes no estaban ambientadas en la antigua Grecia o en la Biblia, sino que eran vernáculas. Así, el paisaje francés se convirtió en el tema central para los pintores de Barbizon. Abandonaron el formalismo y se inspiraron directamente en la naturaleza, que luego se elevó de ser un mero telón de fondo para los dramas antiguos.
Bosque de Fontainebleau (1834) de Jean-Baptiste Camille Corot, ubicada en la National Gallery of Art de Washington D.C., Estados Unidos; Jean-Baptiste Camille Corot, dominio público, vía Wikimedia Commons
Los pintores de Barbizon trabajaban en todas partes, pero Barbizon era su sede espiritual. Vieron sus pintorescos bosques como espacios vírgenes en los que vivir y pintar. Fueron los primeros conservacionistas en el sentido de que se apegaron a los bosques y se preocuparon por la deforestación. Los pintores de Barbizon también pusieron un énfasis épico en el cielo que Constable dijo que era el «principal órgano de sentimiento».
Las principales figuras de la Escuela de Barbizon incluyeron a Théodore Rousseau, François Millet, Charles Francois Dorby, Jules Dupre, Virgilio Díaz, Paul Emanuel, Francois Louis, Narcisse-Virgile Díaz de la Pena, Constant Troyon, Charles-Emile Jacque, Jean-Baptiste Camille Corot y Charles Francois-Daubigny.
A finales de la década de 1860, la Escuela de Barbizon atrajo a una generación más joven de Pintores franceses que visitó Fountainbleau desde París y pintó el paisaje nacional. Estos artistas incluyeron a Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y Alfred Cicely, quienes se convertirían en figuras destacadas del impresionismo en la década de 1870.
Los espigadores (1857) de Jean-François Millet, ubicado en el Musée d’Orsay de París, Francia; Jean-François Millet, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Théodore Rousseau fue el padrino de Barbizon. Dibujó al aire libre una generación antes que los impresionistas, aunque todavía completó sus pinturas en el estudio. Entre 1836 y 1848, cada pintura que Rousseau presentó al Salón de París fue rechazada. Sin embargo, a finales del siglo 19, las obras de Rousseau fueron ampliamente admiradas y coleccionadas por los estadounidenses ricos, en particular.
Esta influencia se fusionaría con los movimientos de pintura de paisajes estadounidenses como la Escuela del Río Hudson para formar el tonalismo.
El Movimiento Escolar del Río Hudson
La escuela de pintura de finales de 1800 a principios de 1900, conocida como la Escuela del Río Hudson, fue el primer movimiento de pintura nativa de los Estados Unidos. Era conocido por su patriotismo y celebración de la belleza de los recursos naturales de Estados Unidos.
El nacionalismo artístico de la Escuela del Río Hudson atrajo a los estadounidenses que sentían nostalgia por la pureza del paisaje que era siendo devastado por la Revolución Industrial. Al igual que los artistas de Barbizon, los pintores de la Escuela del Río Hudson pintaron varios lugares además del Valle del Río Hudson.
Thomas Cole comenzó como un pintor de retratos pero se inspiró en artistas como Thomas Dody para pintar paisajes americanos. Con este fin, Cole se mudó a Nueva York en 1825 en busca de un pintura de paisajes carrera. Ganó notoriedad instantánea con sus pinturas en Catskills y se convirtió en el líder del movimiento de la Escuela del Río Hudson. Sus seguidores incluyeron a Albert Bierstadt, Jasper Cropsey, Asher B Durand y Frederick Edwin Church.
Niagara (1857) de Frederic Edwin Church, ubicada en la National Gallery of Art de Washington D.C., Estados Unidos; Frederic Edwin Church, Dominio público, vía Wikimedia Commons
Dirigidos por Cole, estos artistas se centraron en la noción de lo sublime e inculcaron en el espectador sensaciones de asombro similares a las que se producen en presencia de la naturaleza. Sus imágenes exploraron un lugar a través de la época del año o la hora del día e incorporaron mensajes ocultos en las pinturas que le dieron a su trabajo un aire misterioso e inquietante.
El Monte Ktaadn (1853) de Frederich Church presentaba un vasto cuerpo de agua en el término medio y un niño de granja apoyado contra el árbol en el extremo derecho de la pintura. El niño de la granja parece atrapado entre la intervención humana y el mundo intacto, mirando hacia la extensión y la superficie reflectante del agua, haciendo de esta una imagen meditativa.
Este dispositivo se convertiría en una característica clave de las pinturas de tonalismo, que se consideraban como un vínculo entre la Escuela del Río Hudson y el arte moderno.
Luminismo
Activo desde 1850 hasta 1870, el luminismo es un estilo de pintura de paisajes románticos que se considera una rama de la Escuela del Río Hudson. A menudo se combina con el tonalismo y, aunque es difícil distinguirlos, hay algunas discrepancias significativas, la primera es que el luminismo surgió antes del tonalismo.
El luminismo está estrechamente ligado al trascendentalismo, que fue un movimiento filosófico estadounidense centrado en la bondad inherente de los seres humanos y la naturaleza. La espiritualización casi religiosa del paisaje estadounidense es lo que distingue al luminismo.
En su búsqueda de la verdad, los luministas preferían escenas reducidas. A diferencia de las escenas teatralmente sensacionales de The Hudson River School, sus pinturas eran extremadamente quietas, tranquilas y priorizaban la meditación espiritual sobre el drama.
Sunset on the Sea (1872) de John Frederick Kensett, ubicado en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos; John Frederick Kensett, CC0, vía Wikimedia Commons
Al igual que el tonalismo, el nombre del movimiento es indicativo de su estética. Las pinturas luministas presentan una luz brillante que a menudo se refleja en los cuerpos de agua para crear una atmósfera romántica o poética. A menudo utilizando una perspectiva aérea, los paisajes luministas proponen la luminosidad como un enfoque universal de la espiritualidad.
John Frederick Kensett fue uno de los maestros del luminismo y su pintura, «Sunset on the Sea» (1872), muestra con qué frecuencia los luministas se referían a la luz incluso en los títulos de sus obras.
Esta pintura representa el mar y el sol con sutiles cambios de luz en primer plano. El piadoso resplandor del atardecer brilla a través de las nubes que se reflejan en las olas. Este óleo sobre lienzo se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.
Impresionismo americano
Lo que comenzó a suceder a continuación tendría un impacto decisivo en la forma del canon del arte. Pintores americanos estaban ganando confianza en sus tradiciones y presentando su trabajo en exposiciones internacionales. La Feria Mundial de 1867 dejó claro que la identidad estadounidense estaba ligada a sus paisajes.
Las impresionantes pinturas de estos grandiosos paisajes parecían ser exclusivas de los Estados Unidos. El público y los pintores europeos comenzaban a reconocer la escuela estadounidense de pintura de paisajes.
Artistas dibujando en las Montañas Blancas (1868) de Winslow Homer, ubicado en el Museo de Arte de Portland en Maine, Estados Unidos; Winslow Homer, dominio público, vía Wikimedia Commons
Homero de Winslow La minúscula pintura Artistas dibujando en las Montañas Blancas (1868) causó una impresión masiva. Representar a un grupo de pintores pintando al aire libre con sus equipos y caballetes constituye una evidencia irrefutable de que los franceses no fueron los inventores de la pintura al aire libre. De esta manera, Homero es un par integralt del viaje hacia el impresionismo americano.
Los artistas estadounidenses también viajaron al extranjero y estuvieron expuestos a artistas como Jean-Baptiste Camille Corot, quien era una figura destacada de la Escuela de Barbizon, que se había vuelto extremadamente popular entre los coleccionistas estadounidenses. Corot fue inicialmente un pintor académico y había encontrado suficiente éxito para pasar sus veranos haciendo sus pinturas de paisajes sueltos, que eventualmente se hicieron aún más populares que sus pinturas académicas.
La popularidad de Corot inspiró el surgimiento de un Barbizon americano, que ha llegado a ser conocido como tonalismo americano.
Pintores tonalistas clave
Al igual que los impresionistas franceses, los artistas tonalistas estuvieron entre los primeros en comenzar a pintar paisajes modernos, como se ve en Connecticut Woods (1899) de Henry Ward Ranger y Harvest Moon (1891) de George Inness. Pero a diferencia de los impresionistas que buscaban capturar la luz, estos artistas intentaban imbuir el paisaje con estado de ánimo y sentimiento.
Muchos pintores impresionistas estadounidenses también practicaron el tonalismo estadounidense, y «The Delaware Valley» de William Langston Lathrop (ca. 1899) demostró su suspensión entre el tonalismo, que estaba más preocupado por el estado de ánimo y la atmósfera, y el impresionismo, que buscaba capturar el efecto de la luz momentánea.
Algunos otros pintores conocidos del movimiento tonalista incluyen a Homer Dodge Martin, Agnes Richmond y Bolton Brown, pero según relatos prácticamente unánimes, los tonalistas más importantes fueron Georges Inness y James McNeill Whistler.
Georges Innes (1825 – 1894)
| Fecha de Nacimiento | 1 de mayo de 1825 |
| Fecha de defunción | 3 de agosto de 1894 |
| Lugares vividos | Nueva York, Estados Unidos |
| Movimientos artísticos asociados | Tonalismo, Escuela del Río Hudson |
Al igual que muchos otros artistas tonalistas de la década de 1800, George Inness provenía de la Escuela del Río Hudson. Se volvió increíblemente influyente en otros artistas del estilo tonalista, particularmente porque su proceso artístico era muy diferente del de muchos otros pintores de su tiempo.
Inness a menudo se destaca por su enérgica intervención en un lienzo. Sus pinceladas son rápidas pero precisas. Llegó a una pintura con todas las herramientas a su disposición para lograr el efecto que deseaba.
In the Gloaming (1893) de George Inness, ubicado en el Hood Museum of Art de New Hampshire, Estados Unidos; George Inness, CC0, vía Wikimedia Commons
Su técnica consistía en rascar, raspar, cavar, acristalar y escabullirse. Cada vez que no estaba satisfecho con los resultados, simplemente superponía otra pintura sobre sus experimentos anteriores, lo que resultaba en superficies texturales interesantes.
Alejándose del gran espectáculo de The Hudson River School, Inness comenzó a favorecer escenas más íntimas como en «Keene Valley, Adirondacks» (1885) y «In the Gloaming» (1893), que son pinturas notablemente simples. Las composiciones son tranquilas, pero demuestran una deliciosa cantidad de energía y textura.
Expresar sus pensamientos y justificar sus acciones era parte de la práctica artística de George Inness. Una vez dijo: «una obra de arte no apela al intelecto, no apela al sentido moral, su objetivo no es instruir, no edificar, sino despertar una emoción».
James McNeill Whistler (1834 – 1903)
| Fecha de Nacimiento | 11 de julio de 1834 |
| Fecha de defunción | 17 de julio de 1903 |
| Lugares vividos | Lowell, Estados Unidos, Londres, Reino Unido |
| Movimientos artísticos asociados | Tonalismo, Impresionismo, Esteticismo |
Whistler sigue siendo la figura por excelencia del tonalismo. Whistler dejó América para ir a Europa cuando tenía 21 años y parecía rechazar el nacionalismo que muchos artistas estadounidenses respetados habían abrazado. Pero incluso a medio mundo de distancia, Whistler parecía incapaz de escapar de las formas fundamentales en que había sido influenciado por las convenciones que habían evolucionado para retratar los paisajes estadounidenses.
La serie «Nocturnos» de Whistler, que realizó en Londres entre 1870 y mediados de la década de 1880, es una transposición del desierto estadounidense.
Estaba desafiando el estilo de la pintura de paisajes estadounidense y transformándolo en su doble urbano. Los sombríos espacios atmosféricos de Whistler de una ciudad nocturna arenosa debían mucho a los orígenes repudiados del artista.
Nocturno en negro y oro: El cohete que cae (1875) de James McNeill Whistler, ubicado en el Instituto de Artes de Detroit en Michigan, Estados Unidos; James McNeill Whistler, dominio público, vía Wikimedia Commons
Sus figuras contemplativas casi siempre se dirigen meditativamente hacia algún cuerpo de agua, principalmente el río Támesis. Este esquema hace referencia no sólo a las tradiciones de la pintura de paisajes estadounidenses, sino también a importantes convenciones poéticas estadounidenses de mediados del siglo 19. Nocturnos Azul y Plata – Chelsea (1871) representa a una figura que se pone de pie, mirando sobre una extensión de agua rodeada por el paisaje urbano. El toque líquido de Whistler suaviza y desvanece los tonos del mar circundante, los colores suaves brillan en la noche.
Al espiritualizar la figura pintada, Whistler intentaba ofrecernos acceso a mundos ocultos. En pieles delgadas de aceite, Whistler superpuso tonos sutiles de colores oscuros, dando a sus superficies sombrías un efecto fresco y sombrío. La súplica de la pintura a nuestra atención pasiva le da una cualidad sinestésica.
Otro título que Whistler usó para sus «Nocturnos» fue el de sinfonías, reforzando la idea de que las pinturas fueron creadas simplemente para ser disfrutadas por su belleza.
Tonalismo hoy
El tonalismo nos mostró que la naturaleza se puede observar a través de los valores tonales y esto se ha convertido en una parte omnipresente de la comprensión artística. Sin embargo, muchos seguidores tonalistas se aferraron demasiado a sus principios, reduciéndolo a una tradición algo efectista y redundante. Como resultado, el tonalismo fue rápidamente eclipsado por el impresionismo y el modernismo europeo.
The Seashore (c. 1900) de Leon Dabo, ubicado en el Detroit Institute of Arts en Michigan, Estados Unidos; Detroit Institute of Arts, dominio público, vía Wikimedia Commons
En el siglo 20, las pinturas de tonalismo se consideraban anticuadas y sufrieron una forma devastadora de borrado en las primeras encuestas del arte estadounidense e incluso los observadores más astutos lo relegaron a una mera nota al pie.
Pero como el tonalismo se asocia con la exploración de las sutilezas de las relaciones de color, nunca puede desaparecer realmente. Si bien puede parecer invisible, siempre está ahí. Hoy en día, no es solo un fenómeno de pintura, sino que vemos el tonalismo en todo tipo de otros medios, particularmente la fotografía que se basa en una sutil exploración del valor tonal.
Preguntas Frecuentes
¿Es el tonalismo lo mismo que Barbizon?
Sí y no. El tonalismo americano fue un producto de la Escuela de Barbizon, pero Barbizon también fue conocido como tonalismo francés.
¿Qué es el tonalismo en el contexto australiano?
La definición de tonalismo australiano se basa en un movimiento que surgió en Melbourne durante la década de 1910. También se le conoce como la Escuela Max Meldrum, por su figura fundadora. Los artistas de la Escuela Meldrum de Tonalismo estaban interesados en encontrar métodos científicos para determinar con precisión unidades de valor análogas.
¿Dónde estaba la escuela del río Hudson?
La Escuela del Río Hudson estaba ubicada alrededor del Valle del Río Hudson en el estado de Nueva York, dentro de los Estados Unidos de América.
